jueves, 29 de septiembre de 2011

Phenomena Grindhouse: La matanza de Texas 2 y El más allá


Los seguidores de Phenomena estamos de enhorabuena ya que la iniciativa de Nacho Cerdà expande fronteras y diversifica su oferta. Además de la anunciada llegada a Madrid, Phenomena se vuelve más gamberra y canalla, hecho que muchos ansiábamos e inaugura sello nuevo, Phenomena Grindhouse, para dar cabida a sesiones menos mainstream y más interesantes aún. Bajo este nuevo sello esperamos ver películas más birrazas, violentas y sexuales que seguro que encantarán a los habituales de las sesiones más memorables del Retiro de Sitges. Como no podía ser de otra manera, la puesta de largo de esta rama de Phenomena se hará en Sitges el próximo miércoles 12 de octubre a las 20:00, en el Retiro, dentro de la programación del Festival de este año. Para los que prefiráis asistir al centro de operaciones habitual de Phenomena, habrá un pase el jueves 13 en el cine Urgell.


La matanza de Texas 2 de Tobe Hooper (1986)

La sierra es de la familia

En 1974 Tobe Hooper rodaba una de las cintas más celebradas del slasher. Tras el éxito reciente de películas como Pesadilla en Elm Street, Hooper retomó a su personaje más célebre, Leatherface, para ofrecernos esta secuela. De todas maneras no se dedicó a hacer una segunda parte al uso sino que retomó los personajes para realizar una parodia de su propia película. La matanza de Texas 2 fue mal recibida por quienes esperaban una continuación de la cinta original y además tuvo serios problemas de distribuación al ser prohibida en múltiples paises como Australia, Alemania o Reino Unido y fue seriamente mutilada en otros tantos.

Después del descalabro en taquilla los productores se negaron a que Tobe Hooper realizase otra nueva entrega de la saga y pese al éxito previo de Poltergeist fue relegado a la televisión. Hooper, que aparece haciendo un cameo en la cinta, tuvo un reconocimiento a su carrera cuando se llevó La máquina del tiempo en el Festival de Sitges de 2003.

En la matanza de Texas 2, además de tener a Leatherface y Chop-Top, podemos disfrutar del teniente ido de la olla interpretado por Dennis Hopper, un héroe tan salvaje y delirante como la propia familia de asesinos. También hay que destacar los efectos del siempre genial Tom Savini y una atmósfera digna de mención. En esta delirante comedia encontramos momentos impagables como el duelo de motosierras o ese momento sexual motosierra en mano protagonizado por un enamorado Leatherface. Como curiosidad podemos ver que el propio cartel de la película es una parodia de El club de los cinco.


La película es un delirio absoluto, una comedia negra y malsana que no pretende asustar a nadie sino que nos lo pasemos en grande con su ritmo vertiginoso y su espectáculo degenerado y aberrante. Una película explotation, lejos de la calidad de la primera parte, para reir sin parar. Para fans del slasher delirante.


El más allá de Lucio Fulci (1981)

¡Los ojos!
Los ojos...

Liza, una joven de New York hereda un hotel en Louisiana donde en los años 20 emparedaron a un pintor acusado de brujería mientras una chica ciega recitaba profecías del libro de Eibon donde se afirmaba que el hotel estaba situado sobre una de las siete puertas del infierno. Mientras la nueva propietaria intenta restaurar el hotel, unas muertes espantosas e inexplicables empiezan a suceder.

Lucio Fulci rodó en 1981 esta impresionante película, sin duda alguna la obra maestra de su autor y para muchos una de las mejores cintas de terror de todos los tiempos. En palabras del propio Fulci, "Mi idea era hacer un film absoluto. El más allá es un film sin argumento, no hay lógica, solo una sucesión de imágenes". En esta línea la película no nos ofrece un guión interesante, ya que su intención era transmitir sensaciones y no contar una historia. Aquí encontramos un compendio de las morbosas obsesiones de Fulci, que no eran pocas, y podemos darnos un festín surrealista con zombies, bichos, sangre, referencias a Lovecraft y ojos, sobretodo ojos.

El más allá es una película llena de escenas míticas, en la que el propio Fulci hace un cameo como bibliotecario, que podría ser la segunda parte de una trilogía no oficial sobre las puertas del infierno junto con Miedo en la ciudad de los muertos vivientes y Aquella casa al lado del cementerio.

Una de las muertes de la cinta es idéntica a otra de Suspiria de Argento. Después de toda una vida de odio visceral entre los dos directores, en 1991, cuando Fulci estaba acabado, Dario Argento le propuso dirigir La máscara de cera, pero Fulci murió antes. Las malas lenguas dicen que se mató a propósito no inyectándose su dosis de insulina. Otra anécdota cuenta que las personas que aparecen en la impactante escena final son borrachos de la calle a los que reclutaron bajo la promesa de más alcohol, ya que no tenían dinero para extras.

Un spaghetti splatter que mezcla terror y gore con unas muertes de lo más pintorescas que el propio Tarantino consiguió reestrenar en cines en 1998.


Nos vemos en Phenomena, ¡esta vez en pleno Festiva de Sitges!

martes, 27 de septiembre de 2011

Monsters

Título original: Monsters
Año: 2010
País: Reino Unido
Dirección: Gareth Edwards

Guión: Gareth Edwards
Intérpretes: Scoot McNairy, Whitney Able
Fotografía: Gareth Edwards
Música: Jon Hopkins
Montaje: Colin Goudie

Valoración: 7/10
Web: http://www.monstersfilm.com/


Después de que el hombre descubriese vida extraterrestre en el Sistema Solar se envió una sonda desde la Tierra para recoger muestras. Durante su regreso la sonda se estrelló en la zona de México, infectando la mitad del país de la vida alienígena y desde entonces los militares de Estados Unidos controlan la frontera con la zona de cuarentena. Seis años después, Andrew Kaulder (Scoot McNairy), un reportero fotográfico que está en San José recibe la orden de su jefe de recoger a su hija Samantha Wynden (Whitney Able) y escoltarla hasta una zona segura en la costa, más allá de la zona infectada. A pesar del dinero de la familia de Samantha, los dos personajes se darán cuenta de que no todo se puede comprar y juntos emprenderán un largo e incierto viaje.


A pesar de su título, Monsters es una película sobre los humanos y sus problemas. Las escenas están llenas de suspense en la mayor parte del film, confeccionado por todo lo que no vemos que en cualquier momento puede aparecer, muy en la línea de un buen Night Shyamalan de bajo presupuesto. Lo que inicialmente parecía ser la versión indie de Distrito 9 se descubre como una roadmovie en toda regla con toques intimistas de aires post apocalípticos y una historia de amor de fondo.

Monsters no es perfecta y tiene algunas irregularidades. Las opiniones son dispares y seguramente una buena parte del público se esperaba una peli más de bichejos y acción. Otro de sus puntos débiles es la historia de amor de la película que tiene algunas carencias de solidez. A pesar de todo ello sorprende ver un producto actual de invasiones extraterrestres cuyo mérito se basa en lo que no muestra. Todo lo que la pareja protagonista ha visto previamente de los extraterrestres se basa en las imágenes poco definidas de la televisión. En el momento en el que se encuentran en la “zona infectada” descubren con sus propios ojos, junto con el espectador, lo que la televisión no muestra.


Gareth Edwards no sólo dirige la cinta, también es el responsable de la fotografía, firma el guión y realiza los efectos especiales (que fueron premiados en el pasado Festival de Sitges). Todo ello con un muy bajo presupuesto y grabando en Guatemala, Belize y México para reducir costes. No es de extrañar que después de estrenar Monsters en Cannes muchas miradas se fijaran en el realizador. La fotografía que es uno de los puntos más fuertes de la película acompañada de un enfoque subjetivo cámara en mano consigue el realismo propio de las cintas independientes, esta vez en el contexto de la ciencia ficción. Monsters fue una de las sensaciones del pasado Festival de Sitges y puedes disfrutar de ella vía filmin. La cinta consigue un resultado notable que augura a Edwards un buen futuro si sigue por el buen camino.

Lo mejor: El enfoque de la historia y su ambientación.
Lo peor: Una historia de amor un poco fría


domingo, 25 de septiembre de 2011

Las 10 mejores películas de #Donostia2011

Muchas películas han pasado por el festival. Hemos querido hacer un ránking de las 10 que más nos han gustado, a modo de recomendación para tener en cuenta en los próximos estrenos. Muchas secciones, muchos géneros y muchas nacionalidades en una edición en la que se confirman los grandes directores consagrados y en la que se han podido ver nuevas promesas del mejor cine de autor. Os dejamos un top 10 en el que se han tenido que quedar fuera grandes películas como Arrugas, Miss balaTyrannosaur, Las razones del corazón, Extraterrestre, Happy end o Todos tus muertos, que también merecerían entrar. 

Las mejores del 59 Festival de San Sebastián:

10. Á annan veg (Either way) de Hafsteinn Gunnar Sigurðsson (Islandia - Reino Unido)


Hafsteinn Gunnar Sigurðsson ha realizado un perfecto ejercicio estético y narrativo que consigue una armonía perfecta entre el ambiente creado y el espectador. Reseña

9. Silver tongues de Simon Arthur (USA - Reino Unido)


Una notable cinta de intrigas psicológicas que explora las maldades más internas del ser humano. Un juego de mentiras en el que se pierde de vista la realidad. Reseña

8. Pina de Wim Wenders (Alemania)


Las coreografías se sitúan en escenarios espectaculares, y gracias a ello podemos disfrutar de arquitectura y paisajes preciosos mientras nos dejamos llevar por los sentimientos que trasmite la danza y la maravillosa música de la película. Reseña

7. Stillleben (Still life) de Sebastian Meise (Austria)


Sin concesiones y con una dirección impecable, Stillleben deja al espectador noqueado y no sólo por su desagradable temática, sino por una dirección sobria que recrea momentos de tanta tensión que se acerca al suspense. Reseña

6. Le Havre de Aki Kaurismäki (Finlandia-Francia-Alemania)


Kaurismäki nos trae una historia habitual y demasiado trillada en las películas sobre inmigración, pero es capaz de obrar el milagro de transformarla en algo nuevo, inusual y mágico. Reseña

5. Kiseki (Milagro) de Hirokazu Kore-eda (Japón)


Koreeda nos vuelve a ofrecer otra magnífica historia de niños, mágica, tierna, emotiva y con más profundidad de lo que puede parecer a simple vista. Reseña

4. Shame de Steve McQueen (Reino Unido)


Shame es una bajada a los infiernos de la adicción al sexo, un drama duro que permite a McQueen hacer reflexiones sobre la naturaleza de las necesidades humanas, las relaciones interpesonales y cómo los actos de una persona afectan a la vida de los demás. Reseña

3. Nader y Simin, una separación de Asghar Farhadi (Irán)


Un relato que nos deja entrever la cotidianeidad de un país tan hermético como Irán, haciendo incapié en su retrasado sistema judicial, el papel de las mujeres en la sociedad y la forma de entender la religión, en relación con el pecado y la mentira. Reseña

2. The artist de Michel Hazanavicius (Francia)


Esta historia de amor al cine tiene momentos divertidos y emotivos, apoyados por un guión fantástico donde no echamos de menos las palabras ya que éstas quedan substituidas por la magnífica banda sonora de Ludovic Bource y unas interpretaciones espectaculares. Reseña

1. Drive de Nicolas Winding Refn (USA)


Creatividad a destajo con imágenes impresionantes apoyadas en una banda sonora hipnotizante. Una película intensa y perturbadora que pese a las escenas violentas nos cuenta mucho con sus silencios. Reseña


Para finalizar, os dejamos una recopilación de las crónicas diarias del festival. Ahora sí, hacemos las maletas y ¡hasta el año que viene Donostia!

Día 0: Yaaaa está aquí Marge Gunderson

Día 1: Estrenos y árboles, grandes y pequeños

Día 2. El viaje europeo de Kim Ki-Duk

Día 3. Shame y Nader y Simin, dos Perlas que impresionan

Día 4. Los pasos de Pina

Día 5. Milagro en la Sección Ofical

Día 6. Flores y dinosaurios

Día 7. Cruzando fronteras

Día 8. Regreso al pasado

Día 9. Acelerón y frenazo, entre Drive y el Palmarés

sábado, 24 de septiembre de 2011

#Donostia2011: Día 9. Acelerón y frenazo, entre Drive y el Palmarés


El último día en el Zinemaldia ha empezado con la esperadísima proyección de Drive, que como todo indicaba ha resultado ser una obra maestra. Por la tarde hemos visto nuestra segunda película de la retrospectiva china Sombras digitales, The high life y en paralelo la chilena Anónimo. Después de estas dos cintas dudábamos si ver una película más, The river used to be a man, por aquello de no ir con prisas de cara al Palmarés. Finalmente la hemos visto y la cinta ha resultado satisfactoria y curiosamente ha ganado el premio en su candidatura, Premio Kutxa Nuevos Directores.

A las 20:30 se ha hecho público el Palmarés completo. La ganadora de la Concha de Oro ha sido para la española Los pasos dobles de Isaki Lacuesta. Sólo hemos suspendido a dos películas en todo el festival de las 50 que hemos visto estos días (sí, las hemos contado), entre las dos suspensas se encuentra Los pasos dobles, así que, lo mejor será que el público vaya a verla al cine y que juzguen por si mismos. En cualquier caso, siempre es una alegría que el cine español sea premiado.

Siguiendo con la misma reflexión, en las puntuaciones de Zabaltegi-Perlas del público, la ganadora ha sido la genial The artist mientras que The tree of life, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, ha quedado en última posición.

Puntuaciones del premio del público Zabaltegi-Perlas:

Pina (3D):  8,363
The tree of life:  5,142
Martha Marcy May Marlene:  6,523
Et maintenant on va oú?:  9,046
Nader y Simin una separación:  7,982
Shame:  6,459
The invader:  6,058
Life without principle:  6,226
Tyrannosaur:  8,519
Le Havre:  8,247
The artist:  9,078
Drive:  Pendiente

Nuestra favorita de la sección oficial, Kiseki de Kore-eda, se ha acabado llevando el premio al mejor guión y la agradable comedia de Julie Delpy, Le Skylab, ha obtenido el premio especial del jurado; dos premios que nos han alegrado mucho. Os dejamos el Palmarés completo aquí

Finalmente comentar que ha sido un festival marcado por la calidad de las películas de las secciones paralelas y por una Sección Oficial bastante floja. También destacar la gran calidad de las cintas de los Nuevos Directores, una grata sorpresa llena de nuevos descubrimientos que habrá que seguir de cerca. Mañana publicaremos la lista de nuestras 10 películas favoritas de todo el festival, indistintamente de las secciones. Los que nos habéis seguido seguro que las podéis adivinar.

Ahora sí, acaban las crónicas diarias del 59 Festival de San Sebastián. Nos gustaría mostrar nuestro agradecimiento a todos los que nos habéis seguido durante estos días. Con las ganas de ver el máximo número de películas posible, hemos tenido días de auténtica locura aunque por supuesto nos los hemos pasado genial. Esperamos que os hayan gustado las crónicas y ahora sí, ponemos la mirada en el inminente Festival de Sitges.

Drive
Valoración: 10/10

Tras llevarse el premio al mejor director en el pasado festival de Cannes, Drive ha llegado a San Sebastián para cerrar la sección Perlas de una forma inmejorable. Nicolas Winding Refn consigue una obra maestra del género. Con un arranque muy en la línea de Nolan, Drive nos cuenta la historia de un buen tipo que trabaja conduciendo como doble en secuencias peligrosas y que además conduce para atracos por la noche.

Creatividad a destajo con imágenes impresionantes apoyadas en una banda sonora hipnotizante. Una película intensa y perturbadora que pese a las escenas violentas nos cuenta mucho con sus silencios. Uno de los personajes comenta "decían que mis películas de acción parecían europeas, pero a mi no me gustaban", y eso es lo que nos ofrece Nicolas Winding Refn, cine violento de autor como hacía tiempo que no veíamos. El omnipresente Ryan Gosling, a quien pronto veremos en The Ides of March, interpreta de forma bastante hierática al protagonista, acompañado de la chica del momento, Carey Mulligan, a quien también hemos podido ver en la sensacional Shame. Junto a ellos, actores fantásticos que vienen de series tan consagradas y brillantes como Mad Men o Breaking Bad. Abrochaos el cinturón que vienen curvas, estamos ante una magnífica película con ritmo trepidante y escenas altamente violentas.


Anónimo
Valoración: 7/10

Esta película es el resultado del trabajo de fin de carrera de los estudiantes de cine de La Universidad del Desarrollo, en Santiago de Chile. Javier llega a casa de su hermano y solo encuentra rechazo, especialmente por parte de su cuñada. Al marcharse de allí para rehacer su vida verá que las cosas no son tan sencillas ya que un error del pasado le persigue constantemente a la vez que intenta reconducir su vida y recuperar algo muy importante que perdió en el pasado.

Anónimo trata un tema espinoso que ha sido llevado al cine en múltiples ocasiones, pero es capaz de plantearnos la historia desde otro punto de vista. La película esconde el pasado de su protagonista y en ningún momento nos dice de forma explícita dónde ha estado, qué ha hecho o incluso si ha hecho algo. Es concretamente en esas ausencias donde reside la clave de una película que se centra en el dilema moral de su protagonista y sus dudas existencialistas. Una cinta de silencios, con planos cortos, que provoca una cierta sensación de ansiedad y es capaz de hacernos sentir empatía y rechazo por su protagonista a partes iguales.



Lolita

Para presentar Anónimo hemos contado con la presencia de su director, Renato Pérez Arancibia, su protagonista, Mario Ossandón y su productor, Juan Ignacio Correa. Nos comentan que pese a tratar un tema tan duro como la pederastia, han tenido total libertad gracias a hacerlo dentro del marco de una escuela de cine. La gracia de la película que humaniza el personaje protagonista con su presente y nos omite su pasado, de esta forma pretenden que haya debate y que se generen diferentes puntos de vista. Según los autores, el protagonista es un personaje confundido que lucha por saber qué es y si busca cómo ser un buen padre o algo más.

La película está rodada sin música y con planos muy cortos, respondiendo a motivos creativos, para estar cerca de los detalles y no a la escasez del presupuesto.

Para el actor supuso un gran desafío sostener una película dando matices dentro de una omisión absoluta, pero está contento porque tanto el guión como el director lo marcaban mucho a la vez que le daban espacio para la libertad. Para preparar el personaje se aferró a la idea de las personas que viven al margen de la sociedad, principalmente alcohólicos, que pierden la individualidad por miedo a hacer o proponer.

La película tenía escenas más explicitas que acabaron eliminadas del montaje final. Juega con la ambigüedad moral planteando la idea de los límites aceptables en la sociedad y el peso del pasado y de lo que sabemos. En esta línea hay escenas donde el personaje hace de padre, donde el espectador ve más cosas condicionado por lo que conoce.


Xun huan zuo le (The high life)
Valoración: 6/10

The hihgh life nos ofrece un paisaje urbano de la ciudad de Guangzhou a través de un estafador que cobra a los inmigrantes sin trabajo recién llegados del campo a cambio de referencias para puestos de trabajo inexistentes. Un repaso de los bajos fondos chinos en clave realista que pretende retratar a unos personajes que quieren vivir a lo grande. Con un tempo lento durante toda la película, a mitad cambia de protagonista, introduciendo la figura de un guarda de prisiones que obliga a los presos a leer poemas. Una cinta pesimista que retrata la pérdida de los valores. Una vez más estamos ante una Sombra digital para disfrutarla con calma y un poquito de paciencia.



Valoración: 7/10

La ópera prima de Jan Zabeil recrea la supervivencia de un hombre que por accidente se queda sólo en medio de África al morirse el viejo pescador que le ha adentrado en territorio virgen en su barco de madera. Una hermosa y contemplativa película en la que su protagonista se va a tener que enfrentar a la naturaleza en estado puro y a sus adversidades. Película con unas imágenes preciosas que rozan el género documental, un punto de partida brillante, un nudo en clave thriller y una dirección correcta que falla en su desenlace. ¿Puede ser que el director no supiese cómo acabarla? En cualquier caso cabe destacar un resultado notable a la par que cierta sensación de fascinación. Finalmente The river used to be a man se ha llevado el Premio Kutxa Nuevos Directores desbancando a cintas de alto nivel como Arrugas, Silver tongues, Stilleben o Either way.

#Donostia2011: Palmarés completo

Jurado del 59 Festival de San Sebastián


Concha de Oro a la Mejor Película: Los pasos dobles de Isaki Lacuesta
Concha de Plata al mejor director/a: Filippos Tsitos por Adikos kosmos
Concha de Plata a la mejor actriz: María León por La voz dormida
Concha de Plata al mejor actor: Antonis Kafetzopoulos por Adikos kosmos
Premio del Jurado a la mejor fotografía: Ulf Brantås por Happy end
Premio del Jurado al mejor guión: Hirokazu Kore-eda por Kiseki
Premio especial del jurado: Le Skylab de Julie Delpy
Premio Kutxa Nuevos Directores: The river used to be a man de Jan Zabeil
Premio del público: The artist de Michel Hazanavicius
Premio del público europeo: Et maintenant on va oú de Nadine Labaki
Premio Euskaltel de la juventud: Wild Bill de Dexter Fletcher
Premio Horizontes: Las acacias de Pablo Giorgelli
Premio Serbitzu Zinemira: Bi anai (Dos hermanos) de Imanol Rayo
Premio TVE-Otra mirada: Nader y Simin una separación de Asghar Farhadi
Premio TVE-Otra mirada mención especial: Sangue do meu Sangue de João Canijo
Premio Cine en Construcción de la Industria: 7 cajas de Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori, Paraguai
Premio Casa de América Cine en construcción: Infancia clandestina de Benjamín Avila
Premio cine en movimiento: The last friday de Yahya Alabdallah (Jordania) y Confession and struggle de Eliane Raheb (Líbano)
Premio Panavisión del X Encuentro Internacional de estudiantes de cine: Eva-Shem Zmani de Dor Fadlon (Tel Aviv University, Israel)


viernes, 23 de septiembre de 2011

#Donostia2011: Día 8. Regreso al pasado


Octavo día en el Zinemaldia. Tras la maratón de ayer y haber visto las películas que más nos interesaban, hoy nos lo hemos tomado con más calma. Hemos empezado con las dos películas que concluyen la Sección Oficial que han elevado el nivel, Las razones del corazón de Arturo Ripstein y la satisfactoria Americano de Mathieu Demy. Un día con ecos del pasado, marcado por el cine en blanco y negro y mudo, pero os lo contamos más adelante. El siguiente pase ha sido el thriller gótico El monje, una propuesta que ha resultado ser bastante justa y curiosa. La última proyección del día ha sido para otra perla: The artist, la obra maestra que causó furor en Cannes y que nos ha dejado fascinados.

Mañana iremos publicando el Palmarés en tiempo real, recordad que a las 20:00 en La 2 lo podéis ver en directo. También habrá cine y por la noche publicaremos la última crónica de #Donostia2011. Aterriza en Zabaltegi-perlas una de las películas más esperadas del año: Drive. Si finalmente gana Et maintenant on va oú? el premio del público, como todo apunta, la podremos ver en la proyección que hacen por la noche para la ganadora (nosotros nos la perdimos la fatídica tarde de nuestros paraguas), si gana otra (The artist o Drive) ya la habremos visto y nos iremos de fiesta por Donostia.

Al final de la crónica os dejamos con nuestro Palmarés ideal, que no se trata de ninguna predicción ni de ninguna quiniela, sino de lo que más nos ha gustado de las películas que hemos visto. A ver en cuantas coincidimos... Pero antes las reseñas de hoy:

Americano
Valoración 7/10

Mathieu Demy ha presentado su ópera prima esta mañana en la Sección Oficial. Americano narra el viaje de Martín (el propio Demy) de París a California tras enterarse de la muerte de su madre que vivía allí desde que se separó de su padre. Un viaje físico y espiritual cuyo destino final es el club Americano en Tijuana (México) donde su protagonista, errante en tierra extranjera, tendrá que asumir la muerte de su madre. Americano es una propuesta satisfactoria con un buen reparto que repasa los recuerdos de la infancia de su protagonista mientras busca una vía de escape a su crisis particular. Uno de los descubrimientos del festival, una correcta ópera prima, más notable en su desarrollo que en su desenlace.


Las razones del corazón
Valoración: 8/10

Ripstein vuelve a San Sebastián tras llevarse dos Conchas previas por Principio y fin (1993) y La perdición de los hombres (2000). En esta ocasión nos trae una visión mexicana y actualizada de Madame Bovary, y ya van dos en este certamen. Emilia es una ama de casa acosada por las deudas y con una vida gris que ha perdido la ilusión y las ganas de vivir tras ser abandonada por su amante, un vecino músico.

Rodada en un bellísimo blanco y negro, que acentúa la sensación de asfixia, Las razones del corazón nos acerca a una tragedia clásica, cruel e implacable. Escrita con un genial texto, obra de la esposa de Ripstein, mucho más cercano al teatro que al cine. Aracelia Ramírez construye un personaje sin fisuras, capaz de transmitir todos los matices que requiere la obra, ofreciendo una interpretación magistral que perfectamente podría valerle la Concha de Plata. Un melodrama típico de Ripstein con personajes asfixiados y lúgubres que ha supuesto una grata sorpresa en la recta final de la Sección Oficial.


El monje
Valoración: 6/10

La nota de género fantástico del día ha venido de la mano de esta coproducción hispano-francesa inspirada en una novela gótica del siglo XVIII. Una cinta con fantasmas, magia negra, gárgolas, cementerios, exorcismos y máscaras dónde su protagonista Vincent Cassel se ve atormentado por las tentaciones del propio Satanás. Con música de Alberto Iglersias y un reparto que completan Sergi López, Geraldine Chaplin y el recientemente desaparecido Jordi Dauder, El monje utiliza técnicas que emulan el estilo de la Hammer. Una película curiosa, aunque bastante floja, cuyo punto más fuerte son los guiños al cine de serie B.


Valoración: 10/10

Michel Hazanavicius nos encandila con esta magnífica película que homenajea al cine en general y no sólo al mudo. Una romántica historia de cine dentro del cine donde podemos encontrar referencias obvias como su personaje protagonista, una especie de Rodolfo Valentino, planos calcados de clásicos como Ciudanao Kane o incluso el tema de amor que Herrmann compuso para Vértigo.

Esta historia de amor al cine tiene momentos divertidos y emotivos, apoyados por un guión fantástico donde no echamos de menos las palabras ya que éstas quedan substituidas por la magnífica banda sonora de Ludovic Bource y unas interpretaciones espectaculares. Jean Dujardin se alzó con el premio a mejor actor en Cannes y no es de extrañar ya que borda su papel. Una arriesgada propuesta muda y en blanco y negro, en plena era del 3D que Hazanavicius domina en todo momento. Una visión del paso del mudo al sonoro, con ecos a Cantando bajo la lluvia pero en clave actual que divertirá a todos los públicos. Una verdadera delicia para los cinéfilos. No os la perdáis.



Nuestro Palmarés ideal:

Concha de Oro a la Mejor Película: Kiseki (Milagro)
Concha de Plata al mejor director/a: Enrique Urbizu por No habrá paz para los malvados
Concha de Plata a la mejor actriz: Aracelia Ramírez por Las razones del corazón 
Concha de Plata al mejor actor: José Coronado por No habrá paz para los malvados
Premio del Jurado a la mejor fotografía: The deep blue sea
Premio del Jurado al mejor guión: Americano
Premio especial del jurado: Le Skylab
Premio Kutxa Nuevos Directores: Stillleben (Still live)
Premio del público: The artist (pendientes de ver Et maintenant on va oú? y Drive)
Premio Euskaltel de la juventud: Silver tongues
Premio horizontes: Todos tus muertos

La foto del festival:

Los hermanos de Kiseki (Milagro)

#Donostia2011: Día 7. Cruzando fronteras


La séptima jornada ha estado caracterizada en su mayoría por historias de personajes que cruzan fronteras. Encontramos fronteras entre países en Las acacias, Ulises y Le Havre, fronteras morales en Sangue do meu sangue y Stillleben, fronteras del subconsciente en Verbo y la gran frontera, la de la muerte en Ending Note (Death of a Japanese Salesman). Día de grandes descubrimientos con un gran nivel. En la sección oficial Sangue do meu sangue nos ha convencido y nuestras favoritas de la jornada han sido Le Havre de Kaurismäki y Stillleben del novel Sebastian Meise, que confirman el gran nivel que hay este año en Zabaltegi. Para los amantes de la prensa rosa poca cosa o más bien nada, visionar 6 películas en un día te deja poco rato para ver la luz del sol.

Hemos decidido prescindir de dos películas de la Sección Oficial, Los marziano y Adikos Kosmos. Intentado hacer malabares para cuadrarlas en nuestra parrilla hemos leído los tweets y comentarios al respecto de las dos películas y las han dejado a caldo. Nos quedamos sin verlas aunque muy bien no pintan. Este hecho confirma que la Sección Oficial está en muy baja forma.

En las votaciones del público sigue en primer lugar la invencible Et maintenant on va oú, pendiente del duelo final con Le havre, The artist y Drive y en el premio Euskaltel de la joventud Silver tongues ha sido desbancada por Wild Bill que nos gustó, pero no tanto. Mañana estaremos pendientes de The artist, Las razones del corazón, Americano y de una curiosa rareza El monje.

Las acacias
Valoración: 7/10

La película de Pablo Giorgelli, proyectada en la sección Horizontes latinos, venía avalada por el festival de Cannes dónde se alzó con la Caméra d’Or a la mejor ópera prima. Rubén es un transportista de maderas que recibe el encargo por parte de su jefe de transportar a Jacinta, lo que no se espera es que ésta aparezca con Anahí, su pequeña hija de 4 meses. Una road movie a velocidad de camión en la que sus protagonistas, Rubén, Jacinta y la pequeña Anahí, comparten un largo viaje desde Paraguay a Buenos Aires. Sensible y tierna, Las acacias habla de la soledad y de la ternura hacia los demás sin la necesidad de muchas palabras. Una ópera prima que quizás no sorprenda tanto como se esperaba pero que deja un buen sabor de boca, una buena película de cine minimalista indie Argentino.


Verbo
Valoración: 7/10

La ópera prima de Eduardo Chapero-Jackson llega al Zinemaldia precedida por el éxito de los tres cortos de su autor. Sara es una adolescente problemática que no encuentra su lugar ni en casa ni el colegio, esto la llevará a perseguir a un personaje misterioso, Liriko, que va dejando mensajes graffiteados por la ciudad.

Estética poética con diálogos rapeados y un gran despliegue visual que nos lleva a un universo paralelo, oscuro y fantástico donde su protagonista se debatirá entre la vida y la muerte. Una mezcla entre Alicia en el país de las maravillas y El Quijote, con pretensiones existencialistas, una estética de videojuego muy lograda y el rapero Nach. Esta rara avis no es apta para todos los públicos, pero será un éxito entre los raperos adolescentes con problemas.


Ulises
Valoración: 6/10

La cinta de Oscar Godoy trata sobre los problemas de adaptación de un inmigrante peruano en Chile. Película con una factura correcta que recuerda a títulos recientes como Biutiful o The journals of Musan.  La vida de Julio, su protagonista, no es lo que se esperaba, licenciado en historia en su país de origen, tiene que acabar haciendo los peores trabajos para poder tener una cama cada noche y poder enviar un poco de dinero a su familia. Con una puesta en escena sobria y con tintes ligeramente undergrounds, Ulises no narra nada nuevo que no hayamos visto antes y a nivel de dirección tampoco aporta nada. Una historia correcta para los amantes de los dramones fáciles.


Sangue do meu sangue
Valoración: 7/10

División de opiniones para la cinta portuguesa de la Sección Oficial. Hay quien la aprecia mucho y quien la odia. La película nos acerca a la vida de una familia que vive en los barrios marginales de Lisboa. Una madre soltera que intenta tirar hacia adelante a sus dos hijos, un camello que acaba de salir de prisión y una chica que se ha enamorado de su profesor, un hombre casado.

Estamos ante un drama urbano más típico de Horizontes Latinos que de una producción europea tanto por su formato como por la historia que nos presenta. Las interpretaciones son tan buenas que parece que estemos ante una historia real donde las mujeres tienen el don de dar y los hombres el de quitar. Sangue do meu sangue puede pecar de estirar un poco la historia, pero será una grata sorpresa para todos los amantes de los dramas urbanos.



Madrid, 1987
Valoración: 7/10

David Trueba da un giro hacia un cine más independiente y de autor con Madrid, 1987. Como si de una obra de teatro se tratase sus dos protagonistas, José Sacristán y María Valverde, se quedan encerrados en un lavabo y tendrán tiempo de sobras para entablar una buena discusión generacional. Las interpretaciones de Sacristan y Valverde son notables y sus personajes (sobre todo Sacristán) dan rienda suelta a todo tipo de verborreas políticas, sociales y sexuales. Película con un único pilar: sus diálogos, brillantes pero poco creíbles y demasiado pomposos.  Madrid, 1987 empieza de forma prometedora, con algunas que otras risas, pero a medida que avanza el metraje se desinfla. Una película para revivir el entorno sociopolítico de la época en clave intelectual.


Le Havre
Valoración: 9/10

La nueva película de Kaurismäki llega a Perlas después de pasar con gran éxito por el festival de Cannes, donde fue una firme candidata a la Palma de Oro. Le Havre es un cuento sobre la inmigración, pasado por el tamiz del director finlandés y con aires a Amelie. Una joya colorista llena de ternura, imaginación y unos personajes de lo más buenos, en todos las acepciones del término.

Kaurismäki nos trae una historia habitual y demasiado trillada en las películas sobre inmigración, pero es capaz de obrar el milagro de transformarla en algo nuevo, inusual y mágico. Una fábula sobre el bien donde los buenos son muy buenos y los malos muy malos, indispensable.


Stillleben (Still live)
Valoración: 9/10

La sorpresa del día ha venido de la mano de la austriaca Stillleben y de su director, Sebastian Meise. Un potente drama familiar que corta la respiración y que consigue momentos de fuerte angustia. La destrucción del tejido familiar después de descubrir que el padre de la familia paga a prostitutas para hacerse pasar por su hija. Sin concesiones y con una dirección impecable, Stillleben deja al espectador noqueado y no sólo por su desagradable temática, sino por una dirección sobria que recrea momentos de tanta tensión que se acerca al suspense. Una película sobresaliente, no apta para todos los públicos que por su fondo (que no forma) nos ha recordado a Festen.



Valoración: 8/10

La directora Mami Sunada recoge el diario de su padre y realiza un documental de sus últimos días a partir de que le fuera diagnosticado un cáncer terminal. Tomoaki Sunada era el típico representante comercial japonés que trabajó más de 40 años y al que los 67 años le diagnosticaron la enfermedad. La película más triste que hemos visto en el festival no se centra en la enfermedad de su protagonista sino en el proyecto que empezó a realizar una vez diagnosticada: dejarlo todo preparado para el día de su muerte. Un testimonio desgarrador en el que se nos presenta a toda su familia y también imágenes del pasado de su protagonista. Aviso para navegantes: hay que tener el día. Un documental producido por Hirokazu Kore-eda, muy duro con momentos tiernos que explora las vías de cómo afrontar la muerte.


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