Más cine al aire libre: Gandules 2011 en el CCCB

A pesar de que el 5 de agosto termina la Sala Montjuïc, el cine al aire libre sigue presente en Barcelona. Del 2 al 18 de agosto el CCCB (Centre de cultura contemporànea de Barcelona) organiza en el Pati de les dones la proyección de una grata selección de películas con la entrada libre.

El programa abordará una temática muy presente en la actualidad:

Historias sobre desigualdades sociales, épocas difíciles y la presión del dinero y su búsqueda que nos llevan a pensar en nuevos planteamientos y posibilidades, la aparición de ritmos, afectos, intercambios, resistencias. Después de cada corte, interrupción, parada, en la vida y el cine hay que imaginar y hacer el siguiente paso o plano, una nueva acción.

El cine ha mostrado como el dinero activa ficciones y hace reaccionar los rostros de los personajes: codicia, deseos y otras atracciones. Este es un ciclo sobre gente común y pequeñas comunidades, vistas desde la intensidad poética, popular y caótica del cine en subversión respecto a la forma en que el dinero ahoga la libertad de las personas.

Una selección de cine de autor bastante desconocido para el público en general con propuestas interesantes y algunas inéditas. Una oportunidad más para descubrir buen cine bueno, bonito y gratis.

Programación:

- Martes 2 de agosto

Adiós Dinero, ¡ahí te pudras! (Pieza de producción propia inédita)
Félix Pérez-Hita, 2011, 8’, VO, vídeo

Trabajo contra el Dinero a partir de un texto de Agustín García Calvo y de otros materiales.

Tokyo Sonata (inédita)
Kiyoshi Kurosawa, 2008, 119’, VOSE, 35mm

De lo que esconde un hombre, una familia, una sociedad, un sistema económico. Despedido del trabajo por la competencia de la mano de obra china, Ryuhei oculta la situación a la familia, haciendo emerger de forma devastadora las tensiones y conflictos soterrados. Si hasta entonces el japonés Kiyoshi Kurosawa había sorprendido al mundo con sus historias sobrenaturales, aquí el encabalgamiento de los hechos revela una no menos oscura naturaleza humana.

- Miércoles 3 de agosto

The Go-Between

Joseph Losey, 1971, 118’, VOSE, 35mm

El relato iniciático de Leo traza un dibujo de las terribles relaciones de clase en la alta sociedad inglesa de principios del siglo XX y sus enfermizas consecuencias, pero también de la pasión amorosa. Leo pasa un verano con una familia de clase alta que lo acoge y desprecia. A través de sus ojos, descubriremos el amor furtivo entre Marian, una chica de la familia rica, y Ted, un granjero vecino, a los que Leo hace de mensajero, llevando su correspondencia clandestina. Como en The servant, que también parte de un guión de Harold Pinter, Losey recorre el espacio del "entre". Palma de Oro en Cannes.

- Jueves 4 de agosto

Vivre sa vie

Jean-Luc Godard, 1962, 80’, VOSC, 35mm

Como en todos los filmes de Godard, una investigación descubre muchas otras: la indagación sobre la prostitución, el canto al misterio de un rostro; la historia de Nana, la de la sociedad francesa de los sesenta; la reflexión aguda sobre las transacciones, una interrogación sobre el lenguaje y la responsabilidad; el sueño, un desencanto; el homenaje al gran cine, uno de los más bellos retratos hechos por un cineasta a su mujer y actriz. La que seguramente es la película más redonda y cerrada de Godard, es también una de las más misteriosas.

- Martes 9 de agosto

Children of the Beehive (inédita)

Hiroshi Shimizu, 1948, 86’, VOSE, 35mm

De los grandes maestros del cine japonés, Shimizu ha sido el último en descubrirse a Occidente. Children of the Beehive es una de sus obras culminantes, siguiendo el viaje de unos niños huérfanos, descalzos y hambrientos, que atraviesan el país junto a un joven soldado, recorriendo los paisajes desolados del Japón de la postguerra. Un filme sobre la supervivencia y la esperanza, lleno de lirismo, sensibilidad e, incluso, comicidad. Su realismo, en sincronía con el de Rossellini, lo convierte en uno de los mejores filmes de la época.

- Miércoles 10 de agosto

35 Rhums

Claire Denis, 2008, 100’, VOSE, 35mm

Nunca el estilo de Claire Denis, vibrante y enérgico, ha sido tan sereno como en 35 Rhums; nunca ha filmado con tanta fluidez profundas emociones. Lionel es inmigrante, trabaja como conductor de metro y está a punto de jubilarse; su hija de veinte años, Josephine, vive con él en un piso de los suburbios de París y se enamora de Noé; Gabrielle, una vecina, piensa en Lionel como el hombre de su vida. El filme sigue sus días en el trabajo, en casa, en algunas noches memorables de bares, llenas de afectos, gestos, canciones. Un retrato cálido y sutil de la vida en la supuesta periferia. Banda sonora de Tindersticks.

- Jueves 11 de agosto

Foreign Parts

Véréna Paravel, J. P. Sniadecki, 2010, 80’, VOSE, DigiBeta

Willets Point es una zona de Queens, Nueva York, a punto de ser desalojada para construir un nuevo campo de béisbol. No hay aceras, ni pavimento, ni alcantarillado. La población es multiétnica y de orígenes muy diversos -recién llegados y viejos neoyorquinos, latinos y rusos- y vive, en el límite de la legalidad, de los coches troceados y la reutilización de lo que la sociedad rechaza. La película sigue el hilo de algunos de sus habitantes -inmigrantes, drogadictos, sin techo- que conforman una comunidad llena de vida. Foreign Parts ha ganado los Festivales de Locarno y Punto de Vista (Pamplona).

- Martes 16 de agosto

El círculo rojo

Jean-Pierre Melville, 1970, 131’, VOSE, 35mm

Melville rueda una obra maestra del thriller y su visión más depurada de un género que estilizó para filmar la emoción de los rituales, los códigos éticos, el destino y sus personajes trágicos. Voge escapa del tren donde viaja custodiado por el comisario Mattei; Corey, otro delincuente, sale de la cárcel. Cuando los dos se encuentran planean un meticuloso robo de joyas con la ayuda de Jansen, un antiguo policía alcohólico, mientras el comisario Mattei inicia su larga persecución.

- Miércoles 17 de agosto

The Exiles (inédita)
Kent MacKenzie, 1961, 72’, VOSE, 35mm

The Exiles, uno de los filmes más singulares del cine americano independiente, se restauró y redescubrió en el 2008. En paralelo a Casavettes, McEnzie construye una ficción a partir de las historias de los propios protagonistas y sus amigos -un grupo de jóvenes nativos americanos en un distrito de Los Ángeles-. Exiliados de las reservas del sur, bailan, beben, salen, flirtean, asumen (bien o mal) el paso a la madurez. El filme documenta tanto unas vidas como una nueva manera de hacer cine, más libre, en correspondencia a sus propósitos: espacios reales, luz encontrada, fragmentos de vida.

- Jueves 18 de agosto

The Boot Factory

Lech Kowalski, 2000, 87’, VOSE, DVCam

“Imagina que los Sex Pistols hicieran botas en lugar de música”, dice el cineasta Kowalski. The Boot Factory es un filme lleno de energía. Lukasz, Piotr y Wojtek, punks marginales, han conocido la cárcel y las drogas, pero ahora dirigen su seva propia fábrica de botas artesanales como si fueran estrellas del rock, viviendo según sus reglas en los suburbios de Cracovia; los amigos los visitan; en las fiestas beben, cantan canciones anarquistas y se drogan, hablan de música y suena la música punk. El principal conflicto del grupo de trabajo será, precisamente, el éxito de su empresa.

Metamorfosis del Capital (Pieza de producción propia inédita)
Artur Tort, 2011, 5', VO

El dinero provoca cambios insospechados en el hombre. Aquellos que ambicionan grandes fortunas devienen prisioneros de sus propios gestos grandilocuentes. Exiliado a una isla, el emperador solitario, antes propietario de una gran fortuna, contempla ahora el paisaje desierto que le rodea.

Avance Festival de San Sebastián

Ya empiezan a circular algunas informaciones respecto a la edición del 59 Festival de San Sebastián que se realizará del 16 al 24 de septiembre, dirigido por primera vez por José Luis Rebordinos. Hace pocos días se hizo pública la película que inaugura el festival: Intruders de Juan Carlos Fresnadillo. Ayer se anunciaron 11 películas que estarán presentes en la sección oficial compitiendo por la Concha de Oro. Una selección de títulos de la mano de prestigiosos cineastas internacionales que presentarán sus últimos trabajos en el Zinemaldia. También os avanzamos que en Después de 1984 vamos a desplazarnos al festival para hacer un seguimiento diario de lo más destacado y descubrir nuevas obras, ya os iremos actualizando al respecto. Por el momento vamos a repasar los títulos confirmados extraídos de la web del festival.

Inauguración

Intruders de Juan Carlos Fresnadillo

El 16 de septiembre el festival presentará en su gala de inauguración una de las películas más esperadas del año. Juan Carlos Fresnadillo fue conocido en 1996 por estar nominado al Oscar al mejor cortometraje de ficción por Esposados. Desde entonces ha dirigido dos largometrajes: Intacto y 28 semanas después. Rodada en Londres, Madrid y Segovia, Intruders consta de un reparto con grandes figuras del panorama internacional encabezado por Clive Owen, Carice van Houten, Daniel Brühl, Pilar López de Ayala y Kerry Fox. Thriller fantástico con aire dramático que narra la historia en paralelo de dos familias que sufren la amenaza de presencias paranormales. En palabras del propio Fresnadillo: “reivindica mi amor por el universo visual que nace de lo más oculto, de los fantasmas que están enterrados en nuestro inconsciente”

Sección oficial

The deep blue sea de Terence Davies

Adaptación para la gran pantalla de la obra teatral homónima de Terence Rattigan que protagonizan Rachel Weisz y Tom Hiddleston. Weisz regresa a su Inglaterra natal para interpretar a la acomodada Hester Collyer, esposa del juez Sir William Collyer (Russell Beale), quien provoca todo un escándalo en la sociedad londinense de los años 50 cuando abandona a su marido para unirse sentimentalmente al atractivo ex-piloto de guerra Freddie Page (Hiddleston). La filmografía de Terence Davies (Liverpool, 1945) incluye títulos como Voces distantes (1988), El largo día acaba (1992), La casa de la alegría (2000) y Of Time and the City (2008).

Kiseki (I wish) de Hirokazu Kore-eda

La nueva película del cineasta japonés Hirokazu Kore-eda, narra la historia de un niño de doce años con una gran ilusión en la vida: reunirse con su hermano menor, que vive a kilómetros de distancia tras el divorcio de sus padres. Kore-eda (Tokio, 1962) está considerado como uno de los nombres más prestigiosos del actual cine nipón desde que su primera película, Maborosi (1995) fuera galardonada en el Festival de Venecia. Otras cintas suyas como Distance (2001) o Nadie sabe (2004) fueron presentadas en el Festival de Cannes. Cuarta vez que Kore-eda ha sido seleccionado para competir en el Festival de San Sebastián, ya que el cineasta ha presentado en el certamen sus anteriores películas After Life (1998), Hana yori mo naho (2006) y Still Walking (2008).

Las razones del corazón de Arturo Ripstein

El último trabajo del mexicano Arturo Ripstein, quien en esta ocasión plantea una libre y personal adaptación de los últimos capítulos de la novela de Gustave Flaubert Madame Bovary. Arturo Ripstein (México D.F., 1943) ha ganado la Concha de Oro del Festival de San Sebastián en dos ocasiones, por Principio y fin (1993) y por La perdición de los hombres (2000), así como el Premio Especial del Jurado por El lugar sin límites (1978). Su larga filmografía incluye otros títulos de importancia como La mujer del puerto (1991), La reina de la noche (1994), Profundo carmesí (1996) o Así es la vida (2000).

Take this walz de Sarah Polley

Con un reparto encabezado por Michelle Williams y Seth Rogen, la cinta es un drama romántico protagonizado por una joven en plena confusión sentimental. Sarah Polley (Toronto, 1979) debutó como actriz a los seis años de edad y ha colaborado con Terry Gilliam en Las aventuras del Barón Munchausen (1988), Atom Egoyan en Exotica (1994) y El dulce porvenir (1997), Isabel Coixet en Mi vida sin mí (2003) y La vida secreta de las palabras (2005) o David Cronenberg en ExistenZ (1999), además de participar en films como El peso del agua (2000), El perdón (2000) o El amanecer de los muertos (2004), entre muchos otros. También ha dirigido varios cortometrajes y un largometraje, Lejos de ella, (2006), por el que obtuvo numerosos premios y dos nominaciones al Oscar (Mejor Guión Adaptado y Mejor Actriz para Julie Christie). Esta película opta también al Premio Kutxa-Nuevos Directores.

Le skylab de Julie Delpy

Otra popular y reputada actriz y directora, la francesa Julie Delpy estará presente en la Sección Oficial con su cuarta película, una nostálgica comedia sobre una reunión familiar ambientada en los años 70 que ella misma dirige y protagoniza. Julie Delpy (París, 1969), una de las más importantes actrices del actual cine francés, debutó a los 14 años en el filmJean-Luc Godard Détective (1985) y desde entonces ha trabajado con directores como Léos Carax Mala sangre (1986), Bertrand Tavernier La pasión de Beatrice (1987), Agnieszka Holland Europa, Europa, 1990, Krzystof Kieslowski Tres colores: Blanco, (1994), Richard Linklater Antes de amanecer (1995), y Antes del atardecer (2004) o Jim Jarmusch Flores rotas (2005). Como directora su filmografía incluye también Looking for Jimmy (2002) y dos cintas que participaron en la sección “Panorama” del Festival de Berlín: Two Days in Paris (2007) y The Countess (2009).

11 Flowers de Wang Xiaoshuai

La cinta china 11 Flowers es el nuevo trabajo del cineasta Wang Xiaoshuai, un film que describe la convulsa época previa a la muerte de Mao Zedong a través de la mirada de un niño. Wang Xiaoshuai (Shanghai, 1966) se consagró internacionalmente cuando su película La bicicleta de Pekín (2001) obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín. Seis años más tarde volvió a ganar un Oso de Plata al Mejor Guión con su film Zuo You (2007), mientras que con su siguiente trabajo, Chongqing Blues (2010), compitió en el Festival de Cannes.

Americano de Mathieu Demy

Producción francesa dirigida y protagonizada por Mathieu Demy. El reparto incluye también a Salma Hayek, Géraldine Chaplin y Chiara Mastroianni. La cinta cuenta el periplo mexicano de un joven francés en busca de una misteriosa mujer que fue amiga de su madre fallecida. Mathieu Demy (París, 1972) es bien conocido como actor en su país natal gracias a una filmografía de más de treinta títulos que incluye trabajos para directores como Agnès Varda, Michel Hazanavicius, Pascal Bonitzer, Benoît Cohen, Michel Deville, André Téchiné o Jean-Pierre Mocky. Americano supone su debut como director en el largometraje. Mathieu Demy es hijo de Agnès Varda y Jacques Demy, cineasta este último a quien el Festival de San Sebastián dedica este año una retrospectiva. Esta película opta también al Premio Kutxa-Nuevos Directores.

Los marziano de Ana Katz

Producción argentina dirigida por Ana Katz y protagonizada por Guillermo Francella y Arturo Puig, es una agridulce comedia familiar sobre dos hermanos peleados desde hace años y las tensas relaciones que se establecen entre ellos cuando deben reunirse para una celebración familiar. La guionista, actriz y directora Ana Katz (Buenos Aires, 1975) debutó en el largometraje con El juego de la silla (2002), que participó en el programa Cine en Construcción del Festival de San Sebastián  y compitió más tarde en la sección Zabaltegi-Nuevos Directores. Su segunda película, Una novia errante (2007), también fue incluida en Cine en Construcción, para después competir en los certámenes de Cannes, Toronto y La Habana y en la sección Horizontes Latinos de San Sebastián. Los Marziano, producida por Kramer&Sigman,  es su tercera película.

Sangue do meu sangue de João Canijo

Es una producción portuguesa dirigida por João Canijo, un intenso melodrama familiar ambientado en un barrio periférico de Lisboa. João Canijo (Lisboa, 1958) ha sido ayudante de dirección de Manoel de Oliveira, Alain Tanner y Wim Wenders y ha participado en la sección “Un certain regard” del Festival de Cannes con sus películas Ganhar a vida (2000) y Noite Escura (2003); también ha competido en la sección "Orizzonti" del Festival de Venecia con Mal nascida (2007) y en el Festival de Rotterdam con su primera película, Tres menos eu (1985).

Adikos Kosmos de Filippos Tsitos

La cinta griega Adikos Kosmos (Unfair World), dirigida por Filippos Tsitos, es una sorprendente comedia dramática que narra las extrañas peripecias de un funcionario de policía obsesionado por que el mundo sea más justo. Filippos Tsitos (Atenas, 1966) compitió con su primera película, My Sweet Home (2001), en el Festival de Berlín, mientras que su segundo trabajo Akadimia Platonos (2009), obtuvo el premio al Mejor Actor en el Festival de Locarno para Antonis Kafetzopoulos, también protagonista de Adikos Kosmos.

Happy end de Björn Runge

Producción sueca dirigida por Björn Runge que tiene como tema el maltrato psicológico y físico de la mujer en la sociedad actual. Björn Runge (Lysekil, 1961) se inició en el cine como ayudante de dirección de Roy Andersson y ha trabajado con asiduidad en la televisión y en el campo del documental. Tras dirigir los largometrajes Harry och Sonja (1996) y Raymond-sju resor värre (1999), obtuvo el premio "Ángel Azul" en el Festival de Berlín por su tercera película, Om jag vänder mig om (Daybreak, 2003), y compitió en el Festival de Karlovy Vary con su siguiente trabajo, Mun mot mun (Mouth to Mouth, 2006).

Blogs amigos que miran hacia San Sebastián:

Películas asiáticas en la Sección Oficial de San Sebastián

Películas latinas en la Sección Oficial de San Sebastián

Polythechnique

Título original: Polythechnique
Año: 2009
País: Canadá
Dirección: Denis Villeneuve

Guión: Jacques Davidts
Intérpretes: Maxim Gaudette, Sébastien Huberdeau, Karine Vanasse
Fotografía: Pierre Gill
Música: Benoit Charest
Montaje: Richard Comeau

Valoración: 8/10

Polythechnique narra los hechos que sucedieron en la Escuela Politécnica de Montreal el 6 de diciembre de 1989. El alumno Marc Lépine de 25 años entró  con un fusil de asalto y fue el responsable de una masacre que se cobró la vida de 14 mujeres. Con una ideología totalmente antifeminista, una vez en la facultad el asesino obligó a salir a todos los estudiantes masculinos a punta de fusil. Uno de los sucesos más sangrientos de la historia de Canadá que conmocionó a todo el país permaneciendo en la memoria de todos sus ciudadanos y que nos remite a sucesos actuales como la reciente masacre en Noruega perpetrada por descerebradas minorías extremistas. Que lástima da ver que, a pesar de todo, la historia siempre se repite.

Antes de que Denis Villeneuve realizara Incendies el realizador ya había triunfado en los premios de cine Canadiense con esta controvertida obra que levanta las ampollas del pasado del país. Rodada en un blanco y negro frío como el mismo invierno en Montreal, la obra muestra el trágico testimonio a través de tres estudiantes ficticios: Valérie (Karine Vanasse), Stéphanie (Evelyne Brochu) y Jean-François (Karine Vanasse). También muestra al final de la cinta las distintas secuelas del suceso en cada uno de ellos tiempo después del lamentable suceso.

Es inevitable no evocar el referente de Elephant y aunque a Villeneuve también le gusta jugar con la cámara y tiene un gran sentido de la estética, las diferencias se hacen notar. Mientras que la cinta de Van Sant es minimalista, asépitca y carente de sentimientos, en Polythecnique nos encontramos unos estudiantes afectuosos, con aspiraciones e ideales y con sentimientos. La edad de los protagonistas es comparable a la factura de las dos películas y Polythechnique deja atrás la adolescencia para mostrarnos un testimonio más maduro. Parece que es inherente en el cine de Villeneuve el tratamiento de la dureza y la barbarie humana con el paso del tiempo y al igual que en Incendies tenemos la visión de la figura de la mujer como eje central de una historia que deja al espectador conmovido.

Después del entusiasmo que despierta Incendies, su anterior obra no decepciona sin alcanzar el mismo grado de genialidad. Una cinta de factura indie más que notable, con hipnóticos movimientos de cámara que se ven alterados por la violencia y la crudeza de una situación límite. En el papel del despiadado y calculador estudiante asesino está Maxim Gaudette, Max en Incendies. La película se alzó con 6 premios Genies de la academia Canadiense entre los que estaban el de mejor película y mejor director, premio que Villeneuve ya consiguió por Maelström (anterior a Polythechnique) y por Incendies, sus tres largometrajes hasta el momento.

Lo mejor: Una ambientación opresiva en un esquisito blanco y negro.

Lo peor: La sombra de Elephant

Amy Winehouse Forever

They tried to make me go to rehab, I said, "No, no, no"
Yes, I've been black but when I come back you'll know, know, know
I ain't got the time and if my daddy thinks I'm fine
He's tried to make me go to rehab, I won't go, go, go

Rehab

Es mejor quemarse que apagarse lentamente
Letra de Neil Young que citó Kurt Cobain en su carta de suicidio

Ayer nos dejaba Amy Winehouse. La noticia, no por esperada, ha sido menos desoladora. Amy fue una de esas estrellas fugaces que en muy poco tiempo vivió lo que otros no consiguen vivir en décadas. Con sólo dos discos a sus espaldas logró revolucionar la música, devolviendo el esplendor al soul, un género que había caído en el olvido, de la mano del siempre genial Mark Ronson. Amy resucitó un género que sólo conocía una época, los sesenta, un lugar, Detroit, y un sello, Tamla Motown, y lo actualizó, convirtiéndolo en moda, pero sin quitarle nada de su esencia, creando lo que muchos empezaron a llamar neo-soul. Amy fue el típico muñeco roto a quien la fama le vino demasiado grande, pero al margen de sus excesos con las drogas, Winehouse recuperó la figura del rock star, plagada de excesos y de genialidad y ha seguido como pocos las dos frases más célebres del star system: Sex, drugs and rock and roll y Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver.

Con su primer disco, Frank, un claro homenaje a Sinatra, ya se hizo un hueco en las listas de ventas, las radiofórmulas y optó a diversos premios, pero fue con Back to black cuando dio de lleno en la diana. La recuperación del soul de los sesenta, unas letras brutales, una producción exquisita de la mano de un Mark Ronson en estado de gracia y especialmente la creación de un personaje fascinante, la pusieron en primera línea de la música internacional. Hasta ahí todo era perfecto, pero claro, el personaje era tan bueno que no podía ser un simple personaje y su fama puso en portada su vida real, plagada de excesos, de idas y venidas a centros de rehabilitación, de caídas e intentos de recuperación, de conciertos desastrosos y cancelaciones de giras. Aún así, estos excesos que han acabado con ella han sido los que la han hecho grande y han forjado la leyenda que empieza ahora y que trasciende a su música.

El maldito club 27

Amy tenía 27 años, edad fatídica dentro del mundo de la música. Su muerte a los 27 la ha hecho entrar en la lista de músicos célebres que murieron a esa edad y hace aún más grande y famosa su vida y su muerte ya que la incluye en el selecto Club 27 que comparte con mitos como Kurt Cobain, Jimmy Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin, Brian Jones, Robert Johnson, Gram Parsons o en el terreno nacional, Cecilia.

La muerte de Amy Winehouse nos impedirá disfrutar de su voz en directo, de sus nuevas grabaciones o de la tan esperada canción para la saga de James Bond. Su imagen, su estilo, su moño, sus tatuajes y especialmente su voz pasarán a la historia y serán recordados siempre.

Os dejamos con algunos de sus vídeos y el inicio de uno de sus conciertos como pequeño homenaje a esta gran estrella fugaz.

Rehab

Back to black

You know i'm no good

Love is a losing game

Inicio del concierto en Shepherd Bush Empire 07

El hombre de al lado

Título original: El hombre de al lado
Año: 2009
País: Argentina
Dirección: Mariano Cohn, Gastón Duprat
Guión: Mariano Cohn, Gastón Duprat
Intérpretes: Rafael Spregelburd, Daniel Aráoz: 
Fotografía: Mariano Cohn, Gastón Duprat
Música: Sergio Pangaro
Montaje: Klaus Borges, Jerónimo Carranza

Valoración: 7/10
Web: http://www.facebook.com/pages/El-Hombre-de-al-Lado-The-Man-Next-Door/439306365596?v=wall

Leonardo (Rafael Spregelburd) es un diseñador de prestigio internacional que vive en la Casa Curutchet, el único edificio diseñado por Le Corbusier en Sudamérica. Un día se despierta por los golpes de su vecino y comprueba que éste está construyendo una ventana en la pared medianera, cosa que irrita a Leonardo además de ser ilegal. Víctor (Daniel Aráoz), el polémico vecino, necesita la ventana para que le puedan entrar unos rayos de sol y su reforma pueda lucir mejor. Esa dichosa ventana y el carácter totalmente opuesto de los dos protagonistas será el motivo de un largo y duro conflicto.

Cuando parece que El hombre de al lado va a ser una trifulca eterna llena de discusiones y malos rollos, descubrimos que lo que la cinta quiere mostrar son dos personalidades radicalmente opuestas que intentan llegar a un punto en común. Leonardo es un refinado moderno gafapasta paradigma del buen gusto y de lo más cool, un personaje que se presenta como un hipócrita mentiroso y cobarde que a pesar de tener la razón legalmente en el conflicto no es capaz de dominar una situación que se le escapa de las manos. Víctor es un jeta en toda regla, de buen corazón, con espíritu buen rollista quiere ganarse a Leonardo con sus artes bravuconas y vulgares entrando de lleno en el terreno de la mala educación y de la intromisión. 

Podemos ver los problemas y la pérdida de la paciencia ante un vecino que está haciendo obras y que puede llegar a hacer la vida imposible a los que le rodean, pero en esencia, la película es una caricatura de la ridiculez humana que busca los límites de cada uno de sus protagonistas. Progresivamente la discusión por la maldita ventana irá quedando en un segundo plano para dar lugar a un análisis mucho más crítico sobre la esencia del ser humano. Rafael Spregelburd y  Daniel Aráoz (soberbio) ofrecen una interpretación perfecta, eje central de la película. Narrada en clave de comedia negra y con elementos y planos acordes con la personalidad de su protagonista.

Mariano Cohn y Gastón Duprat, que están a punto de estrenar su próxima película Querida voy a comprar cigarrillos y vuelvo, dirigen esta pequeña gran obra con soltura. Sin llegar a ser una gran obra la película ofrece grandes momentos de humor acompañados de unas sólidas interpretaciones. Ganadora del premio a la mejor fotografía en la pasada edición del festival de Sundance y nominada al Goya a Mejor película hispanoamericana ha llegado a la cartelera una propuesta fresca para este verano con muy buen sentido del humor y con altas dosis de autocrítica.

Lo mejor: El tándem Rafael Spregelburd/ Daniel Aráoz

Lo peor: Algunas exageraciones que pueden caer en lo grotesco.

Valor de ley

Título original: True grit

Año: 2010
País: USA
Dirección: Joel Coen, Ethan Coen

Guión: Joel Coen, Ethan Coen
Basado en: Valor de ley de Charles Portis
Intérpretes: Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon, Josh Brolin
Fotografía: Roger Deakins
Música: Carter Burwell
Montaje: Joel Coen, Ethan Coen

Valoración: 8/10
Web: http://www.truegritmovie.com/

- Señor Cogburn, en sus cuatro años como alguacil, ¿a cuántos hombres ha disparado?

- A ninguno que no lo mereciera.

- Esa no era la pregunta.

- ¿A cuántos?

- ¿Disparado o matado?

- Dejémoslo en matado para tener una cifra manejable.

Matie Ross (Hailee Steinfeld) acaba de perder a su padre asesinado por Tom Chaney (Josh Brolin) por dos míseras monedas de oro. Ross quiere que se haga justicia, para ello recurrirá al alguacil Rooster Cogburn (Jeff Bridges) para que encuentre al hombre que mató a su padre y que ha escapado hacia las hostiles tierras indias. Cogburn es perro viejo, un borracho (no te saltarás ni un subtítulo) que tiene fama de ser un tipo de gatillo fácil y con muchas agallas. Después del empeño de Ross en acompañar al sabueso, un joven Ranger de Texas, LaBoeuf (Matt Damon), se les intentará adelantar en la caza por el asesino por los crímenes pendientes que Chaney tiene en Texas y por una suculenta recompensa.

El último trabajo de los Coen es un western con estilo clásico y una dirección impecable, con un sentido del humor que va implícito en la marca de la casa y unas interpretaciones brillantes. Jeff Bridges sabe lo que hace y ofrece una interpretación entrañable de un personaje de dudosa moral que a medida que avanza la película se gana el corazón del espectador. Matie Ross está a la altura, y no sólo eso, lleva el peso narrativo de la película a sus espaldas sobradamente. Una ambientación muy cuidada y una banda sonora clásica respaldan un buen guión que junto al estado permanente de gracia de sus protagonistas ofrecen una más que notable película.

Valor de ley estuvo presente en la pasada edición de los Oscar con nada menos que 10 nominaciones. Tengo que confesar que no soy muy versado en el arte del western y desde que hay 10 nominadas a mejor película (parece que este año vuelve a cambiar) siempre hay alguna que se me escapa o que no me da tiempo, este año le tocó a Valor de ley. Inconscientemente fui relegando a los Coen y su western por una cuestión de prioridades. Valor de ley es un remake de la cinta del mismo título del 1969 protagonizada por  John Wayne con la que no puedo comparar pues antes tendría que verla aunque los que la han visto dicen que la versión de  los Coen mejora algunos aspectos. Llega el verano y con la ausencia de estrenos destacables es una buena cinta para recuperar. Una película que no pasa por ser el mejor trabajo de los Coen pero con un gran resultado.

Respecto a los premios Oscar la interpretación de Jeff Bridges está por encima de la de Colin Firth en El discurso del rey y la historia le hará justicia. También hay que tener en cuenta que  Bridges se lo acababa de llevar el año anterior y la cinta de Hooper fue la favorita. Valor de ley fue la perdedora de la noche y no se llevó ninguna estatuilla, tampoco sorprende cuando cintas de factura superior (Origen, Cisne negro, La red social) se quedaron a medio camino. True grit se reconcilia con los Coen de los 90 y con un cine de autor personal con una gran narrativa y un guión sobresaliente.

Lo mejor: Indudablemente Jeff Bridges

Lo peor: El personaje de Josh Brolin podría tener un par de vueltas más

La Filmo: Mitologías contemporáneas. La vida heróica del cantante

El martes 19 de Julio empieza en la Filmoteca de Barcelona un ciclo sobre la mitología que rodea a los grupos y cantantes. Este ciclo, heredero en gran medida del In-edit festival, nos ofrece la posibilidad de ver algunos biopics y documentales sobre nuestras estrellas favoritas de la música. Dentro del ciclo podremos disfrutar de Chet Baker, Jim Morrison, Joy Division, U2 Edith Piaf o Morente entre otros.

Muchos, pese a las diferencias de estilos musicales, tienen en común un cierto itinerario vital de esfuerzos, éxitos, sexo, droga y caídas con un final trágico. Pero al margen del tópico, algunos también comparten en gran medida la soledad del creador, la lucha por unos ideales - individuales o colectivos - y la traición a uno mismo provocada por una vorágine de éxito y ambición personal o provocada por una industria feroz. Lo que sí que comparten todos es un grado de genialidad y empatía con su público que los ha llevado a convertirse en estrellas que han traspasado la música para llegar a la gran pantalla.

Entre las catorce cintas que se programan encontramos ficción y documental sobre estrellas de jazz enganchadas a la heroína, cantantes franceses, poetas periféricos, rockeros psicódelicos o frontmans agónicos y torturados. Un programa muy variado para diluir fronteras entre géneros, tanto musicales como cinematográficos, y poder disfrutar de grandes canciones en la gran pantalla.

When You’re Strange (2009) de Tom Di Cillo

Martes 19 de Julio 17:30
Viernes 22 de Julio 22:15

Este documental narrado por Johnny Deep recoge material original y en su mayor parte inédito de la banda y nos acerca a su lado más desconocido. Además nos muestra a la banda de Jim Morrison en su contexto histórico, la América de los 60. Según palabras del propio Ray Manzarek, teclista de The Doors, este documental será el "anti-Oliver Stone, la verdadera historia de los Doors". Un documental magnífico para los fans de The Doors y para el público en general.

U2 Rattle and Hum (1988) de Phil Joanou

Martes 19 de Julio 22:15

Este documental del autor de El clan de los irlandeses nos muestra la gira norte-americana de los U2 en 1987. Gracias a U2 Rattle and Hum podemos ver el lado más humano de la banda irlandesa en uno de sus momentos más álgidos. Phil Joanou fotografía en blanco y negro ensayos, grabaciones y paseos de la banda irlandesa por la tierras de sus raíces musicales.

Anvil! El sueño de una banda de rock (2008) de Sacha Gervasi

Miércoles 20 de Julio 17:30
Sábado 23 de Julio 22:15

Este documental nos cuenta el sueño de dos amigos, Steve 'Lips' Kudlow y Robb Reiner, que a los 14 años se prometieron triunfar como grupo y permanecer siempre juntos. Así nació Anvil, la banda canadiense que publicó Metal on Metal y que compartió escenario con bandas como Metallica, Slayer o Anthrax. Este documental nos acerca a la grabación de This is thirteen, su treceavo álbum y su desastrosa gira europea.

The Kids Are Alright (1978) de Jeff Stein

Miércoles 20 de Julio 22:15

The Who produjo en 1978 un documental en el que se recogían fragmentos de archivos de sus inicios y la grabación de un concierto gratuito para fans de la banda británica. El documental reconstruye su carrera desde los inicios y además de ser su biografía se convierte en un testimonio irónico sobre la época. Un documental excelente sobre la banda de Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon.

Backbeat (1994) de Iain Softley

Jueves 21 de Julio 22:00
Martes 26 de Julio 17:30

Los Beatles aparecen referenciados en infinidad de películas y todo el mundo conoce su historia, pero Backbeat nos relata la parte menos conocida de sus inicios, en Liverpool y Hamburgo a principios de los 60. La historia se centra en la vida y los amores de Stuart Sutcliffe, el quinto beatle, con la fotógrafa alemana Astrid Kirchherr que les dio la imagen que los hizo famosos. Atención a las versiones de la banda sonora.

Last Days (2005) de Gus van Sant

Viernes 22 de Julio 17:30
Domingo 24 de Julio 22:00

Y con él llegó la polémica, otra vez. Y nos referimos al tantas veces polémico, buscadamente, Gus van Sant. Polémica por atreverse a hacer una especie de falso documental sobre el martir del rock Kurt Cobain, polémica por hacer una película basada en el líder de Nirvana pero con otro personaje, Blake, polémica por hablar de sentimientos sin contar una historia, polémica por aburrir a muchos y encantar a pocos, polémica pese a buscar sólo la polémica.

Llach, la revolta permanent (2006) de Lluís Danés

Sábado 23 de Julio 17:30
Lunes 25 de Julio22:00

En 1976 en Vitoria, la actuación de la policía en una asamblea de trabajadores se saldó con cinco muertos y más de cien heridos de bala. La misma noche Llach, movido por la indignación, compuso una de las canciones más emblemáticas de la transición, Campanades a morts. 30 años después Llach vuelve a Vitoria para interpretarla. El documental es un viaje en el tiempo a ese fatídico día y un grito contra el olvido y a favor de una revolución permanente.

The Runaways (2010) de Floria Sigismondi

Lunes 25 de Julio 17:30

Biopic fallido a mayor gloria de una de las primeras bandas de chicas de rock estadounidense, The Runaways. Joan Jett produce una película para narrar la historia del grupo que la llevó a la fama, la historia de un ascenso meteórico y una caída estrepitosa por culpa de las drogas que nos dejó temas como Cherry Bomb. Ni siquiera los momentos musicales tienen gracia pese a lo buenas que son las canciones.

Round Midnight (1986) de Bertrand Tavernier

Martes 26 de Julio 21:45
Sábado 30 de Julio 17:30

A las puertas del Blue Note en París, una noche de 1959, un hombre demasiado pobre como para poderse pagar una copa de vino escucha entusiasmado las notas de un saxo que provienen del local cargado de humo. Entre ambos personajes surgirá una gran amistad. Esta magnífica película de Tavernier se basa en las vidas del pianista Bud Powell y el saxofonista Lester Young.

La vida en rosa (Edith Piaf) (2007) de Olivier Dahan

Miércoles 27 de Julio 17:30
Viernes 28 de Julio 21:30

La película nos muestra la vida de la gran Edith Piaf desde su infancia en los barrios bajos de París hasta su gran éxito en Nueva York. Su voz, sus amores y amistades con Yves Montand, Jean Cocteau, Charles Aznavour o Marlene Dietrich le dieron fama internacional a una mujer que luchó por cantar y sobrevivir. La película es algo floja pero supuso el lanzamiento a la fama de una de las actrices del momento, una espectacular Marion Cotillard.

Control (2007) de Anton Corbijn

Miércoles 27 de Julio 22:00
Viernes 29 de Julio 17:30

Control nos cuenta la historia de Ian Curtis, el enigmático lider de Joy Division, ícono del post-punk inglés. La cinta es un recorrido por sus últimos años, el conflicto por el amor a su mujer y la relación con su amante, sus ataques de epilepsia, su gran talento y sus espectaculares actuaciones en directo, hasta su trágico suicidio a los 23 años. Corbijn, el fotógrafo que lo inmortalizó, firma un trabajo más que recomendable.

Let’s Get Lost (1988) de Bruce Weber

Jueves 28 de Julio 17:30
Domingo 31 de Julio 22:00

Un retrato impresionante sobre la cara y la cruz de Chet Baker, el gran trompetista de jazz, realizado por el fotógrafo Bruce Webber. El documental nos cuenta su historia a partir de entrevistas con el músico, sus mujeres, hijos, amigos y novias. De una gran fuerza visual, no se queda sólo en eso, y consigue transmitir la gran alegría de la época dorada del jazz y el reverso tenebroso de uno de sus protagonistas. Imprescindible.

Gainsbourg (Vida de un héroe) (2010) de Joann Sfar

Viernes 29 de Julio 21:30
Domingo 31 de Julio 19:00

Gainsbourg fue cantante, compositor, escritor, pintor, pero por encima de todo esto fue un provocador nato que se convirtió en un icono francés. La intención del director es mostrar en la pantalla algunas de las facetas más intersantes de su personalidad creativa, sus relaciones con las mujeres, el alcohol y el tabaco. Un biopic para aproximarse a este carismático personaje y a su época.

Morente (2011) de Emilio Ruiz Barrachina

Sábado 30 de Julio 20:00

Este documental previo a su muerte nos acerca a la creación de su último trabajo basado en textos de Picasso y cantes flamencos tradicionales. Ha quedado como el legado de su pensamiento ya que además habla sobre su vida, su familia y el flamenco. El documental cuenta además con actuaciones como la que hizo con su familia en los Baños Árabes de Granada, la versión de El ángel caído de Antonio Vega o su actuación en el Liceu de Barcelona.

Os dejamos un enlace al programa de la filmoteca.