Primer

Título original: Primer
Año: 2004
País: USA
Dirección: Shane Carruth

Guión: Shane Carruth
Intérpretes: David Sullivan, Shane Carruth
Fotografía: Shane Carruth & Anand Upadhyaya
Música: Shane Carruth
Montaje: Shane Carruth

Valoración: 8/10
Web: http://www.primermovie.com

"Tanto si se trata del descubrimiento del número cero como de la invención del transistor, hay dos aspectos llamativos: en primer lugar, el descubrimiento que acaba siendo más importante suele descartarse en un principio por considerarse como una consecuencia indirecta; en segundo lugar, los prototipos casi nunca tienen luces de neón ni son cromados. Quería una historia que se pareciera más a la forma en que realmente se produce la innovación".

Shane Carruth

Hoy vamos a recuperar una pequeña joya del cine independiente de ciencia ficción que el otro día después de mucho tiempo me vino a la cabeza y tuve la necesidad imperiosa de volver a verla. Primer es la ópera prima de Shane Carruth, matemático e ingeniero que realizó esta película en el 2004 con un presupuesto de 7.000 dolares y un equipo de producción formado por 5 personas. La cinta se alzó con el Premio del jurado en el Festical de Sundance y ha llegado a decirse de ella que es lo más fresco en el género desde 2001 Una odisea en el espacio; personalmente creo que es una exageración aunque tengo que reconocer que la película me fascinó y que ya se ha convertido en una película de culto. Su principal característica son unos diálogos complejos acompañados de una estructura experimental que la convierten en un rompecabezas de difícil solución. Soy de los que opinan que quien diga que ha entendido Primer a la primera es que miente, esa es su virtud, después de un primer visionado necesitas un segundo e incluso un tercero para atar los cabos y tener una idea de lo que realmente sucede en la cinta.

Cuatro ingenieros de un suburbio de Dallas trabajan en una empresa y durante la noche trabajan en el garaje de uno de ellos (Aaron) en un negocio que tienen de tarjetas electrónicas. El grupo pretende llamar la atención de los inversores mediante los proyectos que desarrollan. Después de una discusión respecto a que proyecto realizar, Aaron y Abe deciden trabajar independientemente en una máquina  que reduce el peso de los objetos. Tras observar una fina capa de un hongo que aparece en los objetos que meten en la máquina (la caja) se dan cuenta que el tiempo en la caja no discurre de la misma forma que en el exterior y descubren, no sólo que el dispositivo funciona a la perfección sino que han construido accidentalmente una máquina del tiempo. Tras el descubrimiento Aaron y Abe deciden excluir del proyecto a sus otros dos socios y deciden crear una caja con la capacidad para albergar una persona. A partir del extraño funcionamiento de la caja los dos protagonistas ingeniarán un método con el que puedan manipular el mercado de acciones entre otras cosas.

Tras trabajar en tres empresas de ingeniería y no quedar satisfecho, Shane Carruth decidió hacerse escritor. Después de algunos relatos cortos, cuando estaba a medias de su primera novela se dio cuenta que prefería trabajar con imágenes en lugar de palabras. En ese momento decidió dedicarse al cine a pesar de no tener ninguna formación previa. Carruth diseñó su propio plan de estudios y aprendió por su cuenta escritura de guiones, dirección, fotografía, mezcla de sonidos, montaje e interpretación. Para aprender nociones de producción cinematográfica visitó productoras en su Dallas natal, se fijó en todos los detalles e hizo muchísimas preguntas. Experimentó con cámaras y luces y diseñó un estilo propio de guión ilustrado (storyboard). Y, sobre todo, se puso a redactar su guión.

Shane Carruth se encargó de escribir, dirigir, editar, montar y componer la música de la película. También interpreta a uno de los protagonistas de la cinta, Aaron y los demás personajes fueron interpretados por familiares y amigos. Debido al bajo presupuesto tuvo que utilizar película de 16 mm produciendo efecto de inflado al pasarla a los 35mm. Para darle una apariencia distintiva al filme, Carruth utilizó una iluminación fluorescente, temperaturas de color no neutrales, película de alta velocidad y filtros. Después de las 5 semanas que duró la filmación se pasó dos años postproduciendo la película. No es de extrañar que Carruth haya expresado en varias ocasiones que la experiencia fue tan dura que casi abandona el proyecto.

Es comprensible que la cinta provocara división en el público, reconozco que no es una película para todos los públicos. Primer es ciencia ficción llevada hasta sus últimas consecuencias y plantea un juego de ingenio difícil de resolver. Película insignia de la generación geek que habla de planteamientos físicos, matemáticos y metafísicos que por sus dificultades estructurales recuerda a películas como Pi o Memento. Si no tenéis ganas de romperos la cabeza y el rollo científico fricazo no os va, mejor que no la veáis. La complejidad a la hora de narrar la película es totalmente intencionada y se podría haber hecho mucho más entendedora (Inception es un ejemplo reciente), esa es la gracia de la película, todo un reto que si te atrapa te hará repetir el visionado para atar todos los cabos.

Lo mejor: El resultado con un presupuesto de 7000$ realmente es impresionante.
Lo peor: Si eres muy de letras la odiarás, te aburrirás y te dormirás.

Críticas

"Hipnótica opera prima de un absoluto superdotado. Artilugio de endiablada eficacia que mantiene siempre en vilo al público" - (Mirito Torreiro, El País)

"El film sorpresa del Año" - (Fotogramas)

"La cinta de ciencia ficción más atractiva, original y atrevida desde Matrix. O quizá desde 2001. Una Odisea en el espacio" - (Mike D'Angelo, Esquire)

"Primer es la ópera prima más interesante y potente del año... uno de los mejores y más complejos guiones que se han visto en años. Cita indispensable para todos los que esperan ir al cine para pensar y ser sorprendidos" - (Calle13.com)

"Primer es la clase de película que tendrá legión de estudiosos e imitadores. Carruth ha logrado inventar algo que nos fascina" - (A.O Scott,The New York Times)

Esquemas Primer

Os dejo un esquema que circula por la red de los viajes temporales de Primer:

Mucho más sorprendente es el siguiente esquema que no se limita únicamente a explicar el funcionamiento de los viajes, es un mapa temporal de las distintas líneas temporales de la película. Para los más fans (Resolución 1600x1000)

Por último os dejo el argumento íntegro para los que quieran “la solución del puzzle”:

Spoiler mostrar

El filme está ambientado en la ciudad ficticia de Copper, un suburbio de Dallas (Texas), a principios del siglo XXI. Cuatro ingenieros (Aaron, Abe, Robert y Phillip) trabajan para una corporación durante el día y tienen un negocio llamado Emiba Devices en el cual trabajan durante la noche en el garaje de Aaron construyendo y vendiendo tarjetas JTAG. Con las ganancias de su trabajo, el grupo financia proyectos con los que esperan obtener la atención de algunos inversores.

Después de una discusión sobre qué proyecto deberían realizar, Aaron y Abe comienzan a trabajar independientemente en una máquina que reduce el peso de cualquier objeto. El dispositivo funciona a la perfección, pero tiene un efecto secundario inesperado: Abe descubre que crearon accidentalmente una máquina del tiempo. Abe se lo dice a Aaron y después de varios experimentos, deciden excluir a Robert y a Phillip diciéndoles que el garaje está siendo fumigado.

Abe construye un prototipo lo suficiente grande para albergar una persona, lo usa para viajar al día anterior y le revela los detalles a Aaron. Ambos construyen una máquina adicional. Las máquinas (a las cuales se refieren como "cajas") pueden transportar al usuario de vuelta al momento en el que fueron encendidas y a una velocidad temporal "normal". La "caja" tiene que estar activa en el momento al que el usuario quiere viajar de vuelta. Cuando el usuario desea regresar, debe apagar la máquina y, antes de que se detenga completamente, entrar en la "caja". El usuario permanece en la "caja" la cantidad de tiempo que ha pasado desde que fue activada y después salir en el momento en que fue encendida. Por ejemplo, si la máquina es encendida al medio día y el usuario aguarda hasta la 6 p.m., entonces debe apagarla, entrar en la máquina y permanecer allí durante 6 horas. Cuando sale, vuelve a ser el medio día. Si el usuario permanece en la máquina, continuaría viajando entre el mediodía y la 6 p.m. continuamente. Los objetos que hacen esto muestran signos de envejecimiento severo.

Abe y Aaron usan la máquina para aprovecharse del mercado accionario, pero con el tiempo se vuelven más atrevidos y empiezan a experimentar con sus propias vidas. Sin embargo, sus experimentos acaban cuando descubren que Thomas Granger (Chip Carruth), el patrocinador inicial del grupo, al parecer había usado una de las cajas para viajar en el tiempo por razones desconocidas. Granger sufre un colapso y entra en coma. Aaron comenta que esto sólo sucede cuando Abe está cerca. Abe, consternado por la situación, decide que los viajes en el tiempo son muy peligrosos y viaja al pasado para tratar de detener la construcción de la máquina usando otra máquina que construyó secretamente antes de revelarle a Aaron la verdad sobre la máquina.

Sin embargo, sin que Abe lo sepa, Aaron ya ha usado esta máquina para intervenir en una fiesta en la que uno de los invitados entra con una escopeta con la intención de matar a Rachel Granger. Aaron trata de evitar esto para que el invitado sea arrestado y para que él pueda convertirse en un héroe. Aaron reemplazo la máquina construida secretamente con un duplicado que llevó consigo.

Abe usa la máquina duplicada para viajar al pasado y, después de reunirse con Aaron, se desmaya. Se revela que Aaron ha estado usando una grabadora para recitar la conversación que tuvieron al principio del filme. Después de darse cuenta que Abe ha usado el duplicado, Aaron le explica que ya ha usado la máquina secreta dos veces. Su primer intento fracaso, por lo que cuando viajó de nuevo uso una grabación de las conversaciones de su primer intento para prevenir cambios excesivos. Después de que Aaron se encontró y peleó con la versión de sí mismo que viajó la primera vez, Aaron y Abe deciden permitir al Aaron que viajó dos veces continuar con sus intentos.

Ambos comienzan a experimentar los efectos secundarios del viaje en el tiempo, sangrando por la orejas y teniendo dificultad a la hora de escribir. Ambos tratan de cambiar los eventos de la fiesta juntos y tienen éxito. Sin embargo, debido a los engaños, su amistad termina destruida y ambos se separan. Un Aaron abandona el país, mientras que otro (el narrador) usa la máquina para viajar de nuevo. Abe permanece en la ciudad para impedir que los Abe y Aaron originales puedan usar las máquinas. Se sugiere que él planea dañar las máquinas para que sus dobles crean que el experimento fue un fracaso y busquen otro proyecto.

Al final de la película, se revela que el narrador de la película es el Aaron que viajó en la máquina de emergencia la primera vez y que su narración es una conversación telefónica con alguien. Aunque nunca se dice quien es éste "alguien", se deduce que es el Aaron que no sabe nada sobre el viaje en el tiempo, quien permaneció drogado y atado en un ático. La última escena del filme muestra a uno de los Aarons ordenando a un grupo de trabajadores francófonos que coloquen placas de metal en las paredes de una bodega, indicando que planea construir una máquina del tamaño de un edificio.

Argumento vía Wikipedia

#Donostia2011: Restrospectiva clásica: Jacques Demy

Una cita habitual en Donostia vienen siendo las retrospectivas de un director clásico. Este año el Festival le dedica su retrospectiva clásica al cineasta francés Jacques Demy (Pontchâteau, 1931- París, 1990), nombre clave del cine frances conocido por sus grandes musicales. Inicialmente vinculado a los jóvenes realizadores de la nouvelle vague, la obra de Demy terminó siendo tan singular y difícilmente clasificable que siguió un camino propio y absolutamente personal. Su original planteamiento de un “cine cantado” y su exquisito sentido de la dirección artística operó siempre a espaldas de cualquier moda o tendencia del cine del momento. Ganador de la Palma de Oro de Cannes en 1964 por Los paraguas de Cherburgo película que también estuvo nominada al Oscar a Mejor Película de habla no inglesa, protagonizada por Catherine Deneuve, una brillate revisión del género músical que sustituye los diálogos por canciones.

Para profundizar más en la figura de Demy, se editará un libro sobre la obra del cineasta coordinado por Quim Casas y Ana Cristina Iriarte. Este ciclo está coorganizado con Filmoteca Española con el patrocinio de EGEDA e IBAIA. Para presentar el ciclo en San Sebastián asistirán la directora Agnès Varda; su hijo, el actor y director Mathieu Demy, cuya ópera prima como director, Americano, compite este año en la Sección Oficial del Festival; y Rosalie Varda, que fue diseñadora de vestuario en algunas películas de Demy.

Listado de películas

Cortometrajes:

Le sabotier du Val de Loire (Francia, 1956)

El primer trabajo de Jacques Demy para el cine fue este cortometraje documental sobre un fabricante de zuecos de la localidad de La Chappelle-Basse-Mer, en el Valle del Loira. Demy filma con detalle y respeto sus quehaceres cotidianos y su pericia artesanal.

Le bel indifférent (Francia, 1957)

En 1957, el actor Jean Marais hizo posible que Demy conociera en persona a su admirado Jean Cocteau, cineasta, poeta, dramaturgo y pintor. Cocteau se quedó tan impresionado por la pasión y entusiasmo del joven aspirante a director que le permitió adaptar esta breve pieza teatral suya. Es el primer trabajo de ficción de Demy, donde ya demuestra su obsesión por el tema del amor y su interés por los juegos cromáticos que serán típicos en su posterior carrera.

Ars (Francia, 1959)

Jean-Marie Viennay, párroco de la localidad de Ars, fue beatificado cuando se descubrió su cuerpo incorrupto en su sepulctro. Demy evoca su figura, con admirable sobriedad y evitando todo sentimentalismo, a través de la filmación de los lugares que frecuentó y los sermones que predicaba. El resultado es un retrato de su compleja personalidad: se nos muestra como un humilde servidor de Dios, como párroco exigente y como hombre santo.

Les sept péchés capitaux: segmento La luxure (Francia-Italia, 1962)

Este film colectivo reunía siete episodios a cargo de populares directores de la época con el tema común de los pecados capitales. Demy se encargó del segmento dedicado a "la lujuria", un irónico divertimento protagonizado por Jean-Louis Trintignant.

Largometrajes:

Lola (Francia-Italia, 1961)

El primer largometraje de Demy ya pone sobre el tapete los temas, motivos y ambientes que serán recurrentes en su filmografía: personajes atrapados en melancólicas historias de amor, su amada ciudad de Nantes como escenario, los números musicales… Anouk Aimée interpreta a Lola, uno de los personajes emblemáticos de su cine, mientras que el músico Michel Legrand inicia aquí su feliz colaboración con el cineasta.

La baie des anges (La bahía de los ángeles), (Francia, 1963)

Una turbulenta historia de amor, muy típica de Demy, que tiene como escenario los casinos de la Costa Azul. Jeanne Moreau, en su única colaboración con Demy, encarna a una mujer fatal cuya única pasión parece ser el juego que se convierte en la obsesión de un joven hastiado de su vida gris en una ciudad provinciana.

Les parapluies de Cherbourg (Los paraguas de Cherburgo), (Francia-Alemania Occidental, 1964)

La película más popular e inolvidable de toda la filmografía de Demy, que le valió la Palma de Oro en el Festival de Cannes y le dio la fama en todo el mundo. Con la inestimable colaboración de la belleza de Catherine Deneuve y las preciosas melodías de Michel Legrand, Demy rueda el musical absoluto: una bella historia de amor donde todos los diálogos son cantados.

Les demoiselles de Rochefort (Las señoritas de Rochefort), (Francia, 1967)

Tras revolucionar el género con Les parapluies de Cherbourg, Demy decidió homenajear el musical clásico de Hollywood trasplantando sus colores, canciones y danzas a la ciudad de Rochefort. Catherine Deneuve y Françoise Dorléac (hermanas en la ficción y en la vida real) lucen belleza y talento, Gene Kelly y George Chakiris son las estrellas invitadas y la música de Michel Legrand nunca fue tan alegre y luminosa.

Model Shop (Estudio de modelos),(Francia-EEUU, 1969)

La aventura americana de Jacques Demy: Anouk Aimée vuelve a interpretar el personaje de Lola en este relato donde es trasplantada a Estados Unidos y tiene un fugaz encuentro con un joven totalmente sumido en el espíritu de la contracultura de los 60, el pacifismo y el despiste existencial. Un fascinante choque de la estética ilusionista de Demy con la realidad política y social de los tiempos.

Peau d’âne (Piel de asno), (Francia, 1970)

Demy lleva a la pantalla uno de sus cuentos preferidos de la infancia, Piel de asno de Charles Perrault. Con su actriz fetiche Catherine Deneuve y con el actor imprescindible del cine de Jean Cocteau, Jean Marais, pone en escena esta delirante fantasía pop con trasfondo incestuoso, irónicos números musicales y una clara moraleja: «Las niñas nunca se casan con sus papás».

The Pied Piper (Le joueur de flûte), (Reino Unido-EEUU, 1972)

Segunda incursión de Demy en el mundo de los cuentos de hada, esta vez con un film, (rodado en inglés y con actores británicos) acerca del mito del flautista de Hamelín. Entre sus atractivos, una Edad Media pasada por la peculiar estética del realizador y la música del cantautor folk Donovan, que protagoniza el film.

L’ événement le plus important depuis que l’ homme a marché sur la lune (No te puedes fiar ni de la cigüeña), (Francia-Italia, 1973)

Posiblemente la película más excéntrica e inclasificable de la carrera de Demy sea esta comedia romántica con disparatada premisa argumental: la felicidad conyugal de un profesor de autoescuela y una peluquera se ve alterada cuando el marido descubre que se ha quedado embarazado. Catherine Deneuve y Marcello Mastroianni generan un sorprendente cruce entre el cine francés y la comedia italiana.

Lady Oscar (Japón, 1979)

Demy fue requerido por productores japoneses para llevar a la pantalla un manga de gran éxito, La rosa de Versalles de Ryoko Ikeda. Rodada en inglés, la película le permitió al director recrear la pompa y ostentación de la Francia prerrevolucionaria y jugar con los equívocos propiciados por la androginia de su protagonista, una bella mujer que es educada como un hombre.

La naissance du jour (TV MOVIE), (Francia, 1980)

Una producción para televisión en la que Demy adapta una novela autobiográfica de Colette. En ella la escritora, ya en la edad madura, despierta de nuevo al amor cuando conoce a un hombre más joven. Una de las películas más olvidadas de la filmografía de Demy, una obra sorprendentemente lúcida y serena que merece una reivindicación.

Une chambre en ville (Una habitación en la ciudad), (Francia-Italia, 1982)

Demy regresa al género musical con un proyecto totalmente a contracorriente del cine que se hacía en la década de los 80: una apasionada y trágica historia de amor que tiene como trasfondo las huelgas proletarias de 1955 en la ciudad de Nantes. Una especie de ópera moderna que es toda una declaración de principios del cineasta. La música la pone en esta ocasión Michel Colombier.

Parking (Calle P), (Francia, 1985)

Otra de las propuestas insólitas de Jacques Demy, una película absolutamente incomprendida en su día y marcada por la pintoresca estética del momento en que se rodó: un nuevo homenaje a Jean Cocteau que toma la forma de una actualización del mito de Orfeo ambientado en el mundo del rock ochentero. En uno de sus últimos trabajos para el cine, el mítico Jean Marais (que interpretara a Orfeo para Cocteau) da ahora vida a Hades, el rey del mundo de los muertos.

Trois places pour le 26 (Francia, 1988)

Homenaje a la inmensa figura del cantante y actor Yves Montand en una curiosa mezcla de ficción y realidad. Montand se interpreta a sí mismo en una trama que tiene todos los ingredientes típicos del cine de Demy: cuando el cantante vuelve a su Marsella natal para montar un espectáculo se encontrará con equívocos, enredos y amores del pasado, todo ello sazonado con los imprescindibles números musicales.

La table tournante (Francia, 1988)

Jacques Demy dio sus primeros pasos en el cine como ayudante del director de animación Paul Grimault. Este film es un homenaje a su trabajo a través de un recorrido por sus películas de animación. El film cuenta con la participación de Anouk Aimée.

Títulos de Agnès Varda:

Jacquot de Nantes (Francia, 1991)

Agnès Varda, esposa de Demy durante casi treinta años, dirige esta hermosa evocación de Jacques Demy a través del retrato de su infancia y adolescencia: la ocupación alemana, su educación sentimental con el teatro y las películas, su pasión cinéfila, sus primeros trabajos como amateur…

Les demoiselles ont eu 25 ans (Francia, 1993)

Agnès Varda vuelve a la ciudad de Rochefort 25 años después de que Jacques Demy rodara su mítica cinta Las señoritas de Rochefort y recupera en este documental los recuerdos y testimonios de quienes trabajaron en ella.

L’ univers de Jacques Demy  (Francia-Bélgica-España, 1995)

Un didáctico y emocionante recorrido por la obra de Jacques Demy a través de entrevistas con algunos de sus colaboradores, fragmentos de sus películas y filmaciones domésticas realizadas por la propia Agnès Varda

Consulta el resto de la programación del festival

La mirada invisible

Título original: La mirada invisible
Año: 2011
País: Argentina
Dirección: Diego Lerman
Guión: Diego Lerman y María Meira
Intérpretes: Julieta Zylberberg, Osmar Núñez, Marta Lubos
Fotografía: Álvaro Gutiérrez
Música: José Villalobos
Montaje: Alberto Ponce   


Valoración: 7/10
Web: http://www.lamiradainvisible.com.ar/

Ambientada en 1982 con una Argentina en plena dictadura, Marita (Julieta Zylberberg) trabaja en un colegio Nacional de Buenos Aires como preceptora, se encarga de asegurar la correcta conducta de los alumnos así como la vestimenta y el corte de pelo. Para mantener las estrictas normas de comportamiento del centro, Marita empieza a espiar a los alumnos. La rutina de una vida vacía en casa junto con su madre y su abuela y un entorno de autocontrol opresivo harán que Marita adopte unos hábitos en el colegio a partir de sus fisgoneos en los que la oscuridad y la excitación acabarán confundiéndose.

Como dicen en la propia cinta La mirada invisible es la única forma que tiene Marita para controlar íntegramente a sus  alumnos, pero no sólo eso, acaba siendo mucho más. Se convierte en una vía de escape dentro de un entorno disciplinariamente hostil, viva imagen de la situación política del país. Una trama que discurre por terrenos perversos que no hacen más que poner de manifiesto las carencias de su protagonista, las carencias de una sociedad. Con un trasfondo político siempre muy presente, La mirada invisible se presenta como una propuesta interesante para un verano que va sobrado de blockbusters.

La interpretación de Julieta Zylberberg es impresionante y ofrece una reprimida, estricta y amarga chica de 23 años cuya actuación alcanza cotas sobresalientes hasta desembocar en un impactante y brutal final. La película ganó el premio Cóndor de Plata que entrega la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina a la Mejor Actriz Julieta Zylberberg y al Mejor Guión Adaptado María Meira y Diego Lerman.

Comparada inevitablemente con La pianista, a la cinta le falta bastante mala leche para llegar a las cotas de Michael Haneke aunque lleva buen camino, Lerman ya se encarga de justificar a sus personajes en un entorno sociopolítico omnipresente. Un entorno que genera una atmósfera asfixiante donde el orden impuesto genera un silencio incómodo en el que solo destacan los compases constantes de los tacones de su protagonista sobre un suelo de azulejos perfectos como el mismísimo tablero de ajedrez.

Lo mejor: La gran interpretación de Julieta Zylberberg
Lo peor: La segunda parte de la película

#Sitges2011: Noves visions

El festival de Sitges empieza a perfilar algunas de sus secciones. Ayer se confirmaron los títulos de la sección Noves Visions, que se presenta este año como un espacio dedicado a las propuestas más innovadoras y transgresoras. En esta edición apuesta por la presencia de grandes autores ya consagrados así como por nuevos valores, destacando la presencia de trabajos realizados por mujeres.

La sección se divide en cuatro divisiones:

Ficció

Una selección que combina grandes nombres del cine contemporáneo y autores jóvenes con trayectoria en el circuito de festivales.

The Day He Arrives de Sang-soo Hong

Un juego de metalenguaje en la película más accesible del maestro coreano. Sungjoon, director de cine, se dirige a Seúl para visitar a un viejo amigo que vive en el área de Buckhon. Como su viejo camarada no responde a sus llamadas, Sungjoon se dedica a deambular por la ciudad, lo que le permite reencontrarse con su ex-novia y un actor que abandonó la interpretación para dedicarse a sus negocios en Vietnam, así como intercambiar opiniones con algunos aspirantes a estrellas del séptimo arte, la propietaria de un local con cierto parecido a su antigua pareja y una encantadora profesora de cine. Siempre, en el contexto del bar Novel y, como no, con mucho vino de arroz en la mesa.

Vampire de Shunji Iwai

El director de All About Lily Chou-Chou viaja a Norteamérica para explorar la angustia juvenil en clave genérica y homenajeando al Martin de George A. Romero. Según la sinopsis que ofrece Sundance, "Vampire" otorga un nuevo significado, de mayor alcance, al término "vampiro", dejando claro que nada tiene en común con los tópicos y los lugares comunes expuestos en "Nosferatu", los viejos clásicos de Bela Lugosi o la plúmbea saga inspirada en los libros de Stephenie Meyer. Simon es, en apariencia, una persona bastante normal. Un joven que dedica tanto tiempo a su trabajo en la docencia como a su madre enferma. Pero la realidad es bien distinta. Cada noche, Simon se pierde en chats y foros tras la pista de la chica perfecta: guapa, tímida y de tendencias suicidas. Su verdad es simple: las circunstancias le obligan a beber sangre humana.

22 mei de Koen Mortier

El realizador de Ex Drummer vuelve para explorar la paranoia actual post 11-S. 22nd of MAY tiene como punto de partida un atentado que sitúa a Sam, su protagonista, en el corazón de un paisaje grotesco. Sam hará todo lo posible por ayudar a las víctimas de una ciudad que, de repente, se ha convertido en un monstruo que lo devora todo.

4:44: The Last Day on Earth de Abel Ferrara

Un ejercicio reflexivo e íntimo del realizador de The Addiction en torno al miedo al fin del mundo. En 4:44: The Last Day on Earth un actor y una pintora deben aceptar el final de todo aquello que conocen, a las 4:44 de la mañana, decidiendo pasar sus últimas horas de vida juntos en su apartamento de Nueva York. A través de Internet permitirá a los personajes no solo saber qué ocurre fuera sino también despedirse de sus seres queridos; mientras la pintora afronta el fin del mundo con una sensación de paz, el actor no consigue soportar la idea y esperará un milagro hasta el último momento.

Kotoko de Shinya Tsukamoto

El retorno del director de Tetsuo al cine de horror más reflexivo y transgresor. Cocco interpreta a una madre soltera que sufre de diplopía, de visión doble; cuidar a su hijo en ese estado le lleva a una crisis nerviosa. La gente además comienza a sospechar que ella le ha maltratado cuando le quitan a su hijo.

Hanezu no tsuki de Naomi Kawase

Una meditación en clave mitológica de la pérdida de valores trascendentes en la sociedad actual. La región de Asuka, en Nara, es la cuna de Japón. Aquí, hace mucho tiempo, vivían aquellos que se sentían satisfechos con el placer de la espera. La gente de la época moderna, que al parecer ha perdido este sentido de la espera, parece incapaz de valorar el presente y se aferra a la ilusión de que las cosas evolucionan de acuerdo a un plan específico para cada uno. Hace mucho tiempo, la gente pensaba que las tres montañas Unebi, Miminashi y Kagu, estaban habitadas por dioses. Esas montañas todavía existen. En esa época, un poderoso hombre de negocios había comparado las montañas a una batalla que se libraba en su propio corazón. Las montañas eran una expresión del karma humano. El tiempo ha evolucionado al presente. Takumi y Kayoko, herederos de la esperanza perdida de sus abuelos, viven sus vidas. Su historia es universal, similar a la de innumerables almas que se han acumulado en la tierra.

La belle endormie de Catherine Breillat

Una versión muy personal y atípica del cuento de Perrault. El comienzo es puro cuento de hadas y recuerda a la película anterior de Breillat, Barbe Bleu, en su simplicidad y atmósfera de aprensión. Una joven princesa es objeto de un tira y afloja entre hechiceras, que se esfuerzan por encontrar el antídoto adecuado para la sentencia de muerte impuesta por una colega maligna. El cuento archi-conocido prosigue y Breillat integra en su narración varias mitologías del mundo acerca de mujercitas en peligro. La heroína encuentra su camino de vuelta a la civilización tanto a través de sus sueños como de la proyección de deseos. Un capítulo particularmente conmovedor la encuentra instalada en una familia común y corriente, enamorada de un muchacho mayor y cuidada por una cariñosa madre adoptiva. Pero no olvidemos que éste es un film de Breillat, así que la felicidad no puede durar. Breillat toma prestados tropos bizarros de otros cuentos antiguos, agregando a la colección de personajes gobernantes albinos, jefes de estación enanos, bandidos gitanos y animales encantados.

The Tempest de Julie Taymor

Adaptación espectacular y fantástica de una de las más extrañas obras de Shakesperare por la realizadora de Titus y Frida. El mito del brujo Próspero es convertido, por mano de Taymor, en Próspera (a quien da vida Helen Mirren), una bruja que vive y reina en una isla mágica cuidando que su hija Miranda esté a salvo de los náufragos que la pretenden.

Le petit poucet de Marina de Van

Otra versión femenina y atípica de un famoso cuento infantil por parte de la directora de Don’t Look Back. No teniendo con qué alimentar a sus hijos, un leñador y su mujer se resignan a  abandonarlos por el bosque. Afortunadamente, el benjamín de los hermanos, conocido por Pulgarcito, espía la conversación y, precavido, recoge unas piedritas blancas que va dejando caer por el camino una a una para que sus hermanos y él puedan volver a casa.

Beyond the Black Rainbow de Panos Cosmatos

Inquietante ejercicio de ciencia-ficción que hunde sus raíces en la tradición del género en los años 70 y que fue una de las sensaciones del festival de Tribeca de este año. En lo más profundo del misterioso instituto Arboria, una hermosa y perturbada chica llamada Allan, está cautiva por un medico en busca de su paz interior. Su mente está controlada por una siniestra tecnología. En silencio, ella espera por su próxima sesión con un trastornado terapeuta, el Dr. Barry Nyle. Si quiere escapar, deberá adentrarse por los rincones más oscuros del instituto, pero Nyle no dejara escapar fácilmente a su creación con más talento y la más peligrosa también.

No ficció

Confirmación del auge del documental de creación que viene proyectándose en las pasadas ediciones del festival.

Arirang de Kim Ki-duk

Ejercicio autoreflexivo del director de La isla, ganador de la sección Un Certain Regard en Cannes 2011. El director de la poética Hierro 3 se ha convertido en los últimos años en uno de los directores orientales más de culto. Su nueva obra es un documental del que se sabe muy poco, excepto que en él el director reflexiona sobre su propia carrera. Arirang es una historia en la que Kim Ki-duk interpreta tres papeles.

Magic Trip: Ken Kelsey's Search for a Kool Place de Alison Ellwood y Alex Gibney

Reconstrucción del viaje psicodélico de Ken Kelsey y un apasionante estudio de la cultura del LSD.

Project Nim de James Marsh

El oscarizado director de Man on Wire se sumerge en un fascinante experimento sobre la inteligencia animal. Nim es un chimpancé que, en la década de los 70, se convirtió en el centro de un experimento que tuvo como objetivo probar qué pasaría si un mono fuese criado y alimentado como un ser humano.

The Bengali Detective de Philip Cox

Una mezcla de documental social y comedia que explora de manera sorprendente la compleja sociedad de la India actual. Los más sórdidos secretos de Calcuta al descubierto a través de las vivencias de un detective intrépido, obeso y fanático de la danza. Su nombre, Rajesh Ji. Mezclando la música con las preocupaciones de sus clientes, se trata de un documental que proporciona una original visión de la India moderna, a través del prisma del crimen.

Knuckle de Ian Palmer

Impresionante documental sobre boxeo callejero. Premiado en el pasado Festival de Sundance, Knuckle nos cuenta la historia de dos familias irlandesas que no encuentran mejor camino para resolver sus disputas que en una pelea de boxeo amateur. La trama está inspirada en hechos reales que el director Ian Palmer ha sabido trasladar a imágenes con gran acierto y reconocimiento en festivales.

Resurrect Dead: The Mystery of the Toynbee Tiles de Jon Foy

Ganador en Sundance como mejor director de documental y un auténtico experimento de ciencia-ficción con dosis de paranoia milenarista. Documental premiado en Sundance que narra la historia de un hombre que trata de formar piezas con cientos de mensajes crípticos de azulejos que han ido apareciendo en las calles de ciudades como New York, Boston, Washington DC...

Discovery

Una selección de títulos realizados desde postulados independientes, experimentales e indagando nuevas posibilidades del lenguaje cinematográfico y el género fantástico.

Vlogger de Ricard Gras

Experimento audiovisual de producción catalana que traduce en trama de ficción la mezcla de material de la red y ficción genérica. Tendrá su estreno mundial en Sitges. Tania recibe una beca de la universidad para escribir una tesis sobre mundos virtuales en internet. Por casualidad descubre que en la red se está gestando una conspiración para cometer un atentado, se implicará más de lo que ella querría.

Hellacious Acres: The Case of John Glass de Pat Tremblay

El apocalipsis como temática, esta vez jugando con texturas e imágenes y prescindiendo del diálogo. John Glass despierta en un granero abandonado de su larga siesta criogénica. Las décadas han pasado y el planeta ha sido devastado por la tercera guerra mundial. Por si fuera poco, la habitabilidad de la tierra está en entre dicho tras una invasión extraterrestre. Sin embargo, no todo está perdido; John sabe como reestablecer una atmósfera estable para la vida humana: ciertos códigos, desperdigados por lejanos eriales, activaran una avanzada máquina que hará el aire respirable. Embarcado en una misión solitaria sobre la superficie de un planeta demasiado parecido al infierno, tendrá que hacer frente a supervivientes enloquecidos, alienígenas, equipo defectuoso, “laaaaaaargas” caminatas y una desproporcionada dosis de mala suerte que puede resultar perjudicial para su salud.

Invasion of the Alien Bikini de Young-doo Oh

Película de superhéroes, con grandes dosis de cultura pop y comedia enloquecida. Una sorpresa que va más allá de su título. La película coreana arranca como film de superhéroes. Aunque nuestro superhéroe es un tanto especial. Buscando entre los rincones de la ciudad aquel ser indefenso al que ayudar, además de recoger ese papel que no está en la papelera, no encontrará a nadie mejor que a una joven desvalida perseguida por un grupo de matones coreanos. Pero no temáis, nuestro superhéroe también sabe artes marciales, o al menos lo intenta...

Dark Ficció

Una selección de propuestas de autor con vocación de culto:

Onna no kappa (Underwater Love) de Shinji Imaoka

Indescriptible mezcla de pink eiga y musical protagonizado por una criatura mítica nipona. Con fotografía de Christopher Doyle. Asuka, una joven treintañera, trabaja en una fábrica de pescado junto a un lago. Cuando la fecha de la boda con su jefe Taki se halla próxima, encuentra un Kappa, una criatura acuática que habita en las profundidades de la laguna. Su sorpresa llega cuando descubre que el extraño ser no es sino la reencarnación de Aoki, su primer amor. Lo que sigue, es un hilarante espectáculo en el que no falta romance, música y sexo.

Meat de Victor Nieuwenhuijs y Maartje Seyferth

Las fantasías eróticas de un carnicero en un filme que experimenta texturas que recuerdan a Lynch o Greenaway. Una carnicería es el lugar ideal para desarrollar un teatro sexual de cuerpos a la búsqueda de la aventura perversa. En este caso, un maduro carnicero erotómano y su joven empleada voyeur –que registra todo compulsivamente con una cámara de video– son la dupla protagonista de una historia que, por más que transcurra gran parte dentro y alrededor de una cámara frigorífica con reses colgadas, tiene un nivel de calentura como para derretir un iceberg.

Kaidan Horror Classics de Shinya Tsukamoto, Msayuki Ochiai, Sang il-lee, Hirokazu Koreeda

Un filme ómnibus entorno a leyendas tradicionales de terror dirigidas por maestros como Tsukamoto o Koreeda. Cuatro historias de la literatura de terror japonesa.