Volver

En octubre del año pasado nos despedíamos de DP1984 para empezar una nueva aventura: Americana. Tras una breve reaparición para analizar lo mejor del 2013 hoy volvemos a la blogosfera con la satisfacción de haber podido llevar a cabo la gesta que nos propusimos. Nada volverá a ser igual que antes, alcanzamos la meta deseada (existir como festival) y sobrepasamos las expectativas. Lo hemos dicho en más de un sitio y no nos cansaremos de repetirlo: gracias a todos los que creísteis en nosotros desde el principio, a Movistar Artsy por habernos dado esta fantástica oportunidad, amigos, familia, colaboradores, organizadores y, como no, al público. Una de las felicitaciones que más hemos recibido es referente al fenómeno fan y al ambiente conseguido durante todo el fin de semana en los Cinemes Girona. Todo eso sin el cariño de un público cálido y entregado no hubiese sido posible. Gracias.

  Video Resum Americana from Americana Film Fest on Vimeo.

Hace ya dos meses que acabó Americana y desde entonces nos planteábamos la vuelta. El primer mes estuvimos cerrando el proyecto (envío de películas, redacción de dossiers, proyección futura, etc). El segundo ha sido un descanso (sí, acabamos muertos). Queríamos volver con el Atlántida Film Fest de Filmin, pero no hemos encontrado las fuerzas necesarias. Hoy volvemos, a un día del arranque del cuarto Festival de Cinema d'Autor de Barcelona, todo un referente en la ciudad. Pero antes recapitulemos:

Americana

Poca cosa más vamos a añadir. La película que más gustó de la muestra, ganadora del premio Artsy del público, fue la aclamada Short Term 12, un drama universal que se desarrolla en un centro juvenil de acogida. No lo perdáis de vista, en breve podremos disfrutarlo en pantalla grande gracias a la distribuidora La Aventura Audiovisual, los mismos que nos han traído en pantalla grande Upstream Color, ahora disponible en DVD. La segunda película de Shane Carruth también la pudimos ver en el Atlántida Film Fest junto a dos películas más de Americana: The Kings of Summer y la clausura Ain’t them Bodies Saints. Esta última se estrena en España el 9 de mayo bajo el título En algún lugar sin ley de la mano de Betta Pictures, imprescindible. La cinta independiente The Retrieval ha podido ver su estreno estos días en Estados Unidos y el aplaudido documental American Promise ya se puede reservar en DVD en USA. ¿Los volveremos a ver alguna vez por aquí?

Atlántida Film Fest

El festival online más importante del planeta inauguraba con un preestreno de lujo: El desconocido del lago. Este thriller homo-erótico venía aclamado por las excelentes críticas cosechadas durante su presencia en la sección Un Certain Regard de Cannes donde se alzó con el premio a mejor director. El resultado no defrauda y lo que empieza como un ejercicio de voyerismo costumbrista con acertados golpes de humor acaba virando hacia el thriller de intriga, con historia pasional de amor incluida.

¿Qué más hemos podido ver en el Atlántida Film Fest? En principio menos de lo que esperábamos, pero como ya hemos dicho, ahora que somos organizadores de un festival de cine nuestra vida está un pelín más ocupada. The Unknown Known es el acercamiento del documentalista Errol Morris hacia la figura de Donald Rumsfeld, exsecretario de defensa de los USA durante la era Bush del 11-S. Como ya hizo en su anterior documental, Tabloid, con la excéntrica Joyce McKinney, Morris entrevista a este político de primera línea en un intento de desentrañar los pormenores que desencadenaron la guerra de Irak a principios del siglo XXI. Rumsfeld se mueve en el campo de la oratoria como pez en el agua y es así como a lo largo de cuatro administraciones ha sabido mover con precisión sus fichas en las altas esferas del poder. Para los amantes de la historia contemporánea.

Si entramos en el terreno de la comedia, el Atlántida nos ha traído la nueva película de Valerie Donzelli, la realizadora del original drama Declaración de Guerra, que incluimos entre los mejores films del 2012. Ahora estamos ante una comedia romántica, Main dans la Main. Donzelli vuelve a utilizar las mismas armas: unos personajes muy carismáticos, un delicioso sentido del humor y unas nostálgicas composiciones musicales muy acertadas. ¿Os suena? Otra de las sorpresas agradables ha sido Ilo Ilo, la película de Singapur que se alzó con la Cámara de Oro en la pasada edición de Cannes. Anthony Chen narra una historia sobre los lazos afectivos de la infancia en un trasfondo de crisis. Una película humilde y sencilla al estilo habitual del cine del sudeste asiático. Siguiendo con las historias de infancia, The Selfish Giant es otra de las propuestas más sencillas del Atlántida. Esta adapatación del cuento de Oscar Wilde nos presenta al gigante egoísta como un chatarrero que se aprovecha de los menores para ganar dinero ilegalmente. Niños chatarra del primer mundo y cine social al uso. A destacar el contundente y dramático final de la película.

Más Atlántida Film Fest con Why don't you play in hell? de Sion Sono, Prince Avalanche de David Gordon-Green y Of Horses and Men de Benedikt Erlingsson, todas ellas reseñadas anteriormente en este blog. Por otro lado, en más de una ocasión he afirmado que me gusta más escribir de las películas que me gustan que de las que no, por ello nombraré muy de pasada: You and the Night de Yann González y El tercero de Rodrigo Guerrero. La primera muy aburrida a pesar de su originalidad auto impostada y la segunda directamente mal montada. Poco más, para más adelante quedará rescatar Tom at the Farm de Xavier Dolan, el documental de cuatro horas At Berkeley y alguna buena película más que seguro nos ha quedado por ver. Una vez más, no os perdáis la clausura (también clausuró Americana): En algún lugar sin ley de David Lowery, un evocador western excelentemente protagonizado por Rooney Mara y Casey Affleck con aires de Badlands.

D’A 2014

Mañana empieza el Festival de Cine de Autor de Barcelona, 10 días del mejor cine inédito de autor. Es un lujo poder disfrutar en pantalla grande de joyas de la talla de Harmony Lessons de Emir Baigazin o Norte, the End of History de Lav Diaz. En esta ocasión (y por primera vez) no haremos cobertura, por falta de tiempo y medios. De todas formas nos pasaremos por allí y al volver os contaremos lo mejor que hemos visto. Hemos vuelto, a partir de ahora con otro tempo, pero por aquí seguiremos.

D'A 2013: Conclusiones

Encaramos el último post del Festival de Cine de Autor de Barcelona que ya hace dos días que cerró sus puertas. El festival se consolida en este tercer año y consigue mantener el nivel a pesar del recorte de días e incluso se percibe la opinión generalizada de que ha sido la mejor edición hasta el momento. Con ese inmejorable estado de salud, el festival logra una cifra de asistencia de unos 10.000 espectadores que mantiene el ratio por día respecto al año pasado. Creemos que con los tiempos que corren para el cine de autor ya es todo un lujo mantenerse. Una vez más la programación ha abarcado un amplio abanico de propuestas muy distintas entre sí y todas alejadas del mainstream. Recordad que el D'A sigue en la Filmoteca de Catalunya con la retrospectiva de Cristian Mungiu hasta el día 9 de mayo.

Palmarés

Premio de la Crítica al Nuevo Talento D’A 2013 

Arraianos de de Eloy Enciso

Eloy Enciso en la entrega de premios

Por “su habilidad para integrar en el relato cinematográfico a una comunidad rural, cuya memoria, tradición oral y formas de vida perviven y dialogan con el presente”.

Premio del Público

Otel·lo de Hammudi Al-Rahmoun Font

Hammudi Al-Rahmoun Font en la entrega de premios

El director nos propone traspasar los límites más tortuosos entre la realidad y la ficción en una película que empieza siendo una adaptación teatral y al final se encarna en la propia obra y adquiere una autonomía diabólica. Otel·lo acaba también de ganar el premio a la Mejor Película en el Europan Independient Film Festival de París (ECU).

Las siguientes más valoradas por el público han sido:

Segunda: Laurence Anyways de Xavier Dolan

Tercera: Frances Ha de Noah Baumbach

Película de clausura

La plaga de Neus Ballús

En la línea del festival por apostar fuerte para seguir trabajando en la difusión del cine de autor, NouCinemart – entidad organizadora del D’A – distribuirá La plaga de Neus Ballús y la película formará parte de un nuevo proyecto de difusión y promoción audiovisual en Catalunya y España del que pronto se sabrán nuevos detalles.

La plaga se presenta en formato docu-ficción. La película nos muestra un trozo de las vidas cruzadas de sus personajes, todos viven en el extrarradio de Barcelona luchando por sobrevivir durante una de las semanas más calurosas del año. La plaga fue seleccionada para inaugurar la sección Forum de la última edición de la Berlinale. Una propuesta diferente y a la vez muy asequible para hacer llegar el cine de autor al gran público. A pesar de algún momento de cartón piedra y por una apreciable falta de fuerza dramática, sus personajes terminan por empatizar con el espectador dándole un toque muy amable a la propuesta.

La plaga

Os habréis dado cuenta que hemos cambiado el formato en las crónicas de este año. Nos apetecía probar algo nuevo aunque todo tiene un precio y no hemos podido hablar de todas las películas que hemos visto ni las hemos valorado numéricamente. En realidad sí lo hemos hecho y aquí las tenéis todas con su nota.Vamos con el ránking de las 27 películas que hemos visto en el D'A 2013 (excluimos la retrospectiva):

27. Leones de Jazmín López

Valoración: 2/10

26. Mapa de León Siminiani

Valoración: 3/10

25. The We and the I de Michel Gondry

Valoración: 4/10

24. Los ilusos de Jonás Trueba

Valoración: 4/10

23. The land of hope de Sion Sono

Valoración: 5/10

22. Tango libre de Frédéric Fonteyne

Valoración: 5/10

21. Everyday de Michael Winterbottom

Valoración: 5/10

20. Diego star  de Frédérick Pelletier

Valoración: 5/10

19. Tower de Kazik Radwanski

Valoración: 6/10

18. Mi loco Erasmus de Carlo Padial

Valoración: 6/10

17. Mai morire de Enrique Rivero

Valoración: 6/10

16. La plaga de Neus Ballús

Valoración: 6/10

15. A long and happy life de Boris Khlebnikov

Valoración: 6/10

14. Viola de Matías Piñeiro

Valoración: 7/10

13. Kauwboy de Boudewijn Koole

Valoración: 7/10

12. Children of Sarajevo de Aida Begic

Valoración: 7/10

11. À perdre la raison de Joachim Lafosse

Valoración: 7/10

10. Sister de Ursula Meier

Valoración: 7/10

9. Arraianos de Eloy Enciso

Valoración: 7/10

8. Frances Ha de Noah Baumbach

Valoración: 7/10

7. El impostor de Bart Layton

Valoración: 8/10

6. Like someone in love de Abbas Kiarostami

Valoración: 8/10

5. A última vez que vi Macau de João Rui Guerra da Mata y João Pedro Rodrigues

Valoración: 8/10

4. Lawrence Anyways de Xavier Dolan

Valoración: 8/10

3. La cinquième saison de Peter Brosens y Jessica Woodworth

Valoración: 8/10

2. Otel·lo de Hammudi Al-Rahmoun

Valoración: 8/10

1. Boy eating the bird's food de Ektoras Lygizos

Valoración: 9/10

No sería un D'A sin...

... la compañía de los amigos habituales de festivales: David y Sandra de Lost higway blog, Daniel de Cine Latino, John de Asia Cine, Manu de Cine Divergente, Alex y Natalia de El último blog a la izquierda, Rubén de Cine Maldito y Bea y Domingo de Made in China. Una de las guías imprescindibles para seguir el festival han sido las crónicas de Jorge-Mauro de Pedro Ayuso en La Vanguardia, chapó. Además, en twitter también ha habido mucho ambiente festivalero con grandes apasionados cinéfilos como David Martinez @dmdelahaza, Alex Gomez @LaszloKovacks, Xavier Arnaiz @CrispAffected, hugo @ComtedUrgell o Vicenç @el_quixot. Y como no, no sería un D'A sin todos los amigos que nos hemos ido cruzando entre sesión y sesión como Laura, Vero, Sara, Franky, Violeta, Ana y Lara. Chicos, la próxima más y mejor!

6 preguntas sin respuesta del D'A 2013

• ¿No se podía haber hecho una parrilla que ofreciese un poco más de flexibilidad con los horarios?
• ¿Qué pasó el sábado 27 en Barcelona para que se alinearan tantos eventos apetecibles a la vez (D'A, Phenomena, Love Exposure en la filmo, Los Nibelungos de Lang en el Liceo, concierto de Eels...)?
• ¿Es posible encontrar una sala más incómoda y con más luz (a primera hora de la tarde) que el teatro del cccb?
• ¿Es necesario tener un blog en la web del festival congelado y sin contenidos durante la mitad del certamen donde ni siquiera se hace referencia a la visita de Cristian Mungiu?
• Hablando de Mungiu, ¿Como es posible que no se llenase el auditorio de la facultad de comunicación el día de la Masterclass?
• Por último un clásico: ¿Por que es tan difícil conseguir acreditación para el D'A teniendo en cuenta los pocos medios que lo cubren diariamente y que solo se han llenado dos sesiones?

6 victorias del festival

• Consolidarse como el festival de referencia del cine de autor de la ciudad de Barcelona.
• Una programación de lujo que cada año es más exquisita.
• La clara demostración de que hay un público en Barcelona capaz de salvar la distribución del cine de autor.
• Sin duda, la presencia de Cristian Mungiu, mucho más que un acierto.
• La expansión a 5 salas respecto a ediciones anteriores y la organización.
• La apuesta permanente del festival con los nuevos talentos nacionales, una excelente labor que está dando sus frutos.

Crónicas y críticas

D'A 2013: Un retorno muy esperado

D'A 2013: Jóvenes promesas europeas

D'A 2013: Nueva autoría low cost, BCN vs MAD

D'A 2013: La cinquième saison

D'A 2013: Masterclass con Cristian Mungiu

D'A 2013: Boy eating the bird's food

D'A 2013: Cine de los márgenes

¡¡A por el #DA2014 !!

D'A 2013: Cine de los márgenes

Salvo contadas excepciones como las obras de Michael Haneke o Wes Anderson, las películas autorales no suelen llegar al gran público. El cine de autor se convierte así el cine de los márgenes, pero no solo por su escasa difusión sino también por retratar otras realidades, alejadas del cine mainstream y cómodo, y por apostar por historias o personajes más marginales. Por si estos dos motivos no fuesen suficientes para proclamar esta marginalidad, el cine de autor presenta además otro rasgo diferencial respecto a las películas más comerciales: su arriesgada factura que lo aleja de los cánones marcados por la industria de Hollywood.

Gracias al D'A estos últimos días hemos podido disfrutar de cine de autor de gran calidad en Barcelona en una edición que ha presentado, como era de esperar, una cuidada selección. Entre las películas proyectadas encontramos claros ejemplos de los tres argumentos citados. La pirogue sería sin lugar a dudas el máximo exponente de ese cine que no encuentra pantallas donde proyectarse, ya que éstas son tan inaccesibles para el cine africano como las costas europeas para sus habitantes. De todas maneras, como los temas de difusión nada tienen que ver con la autoría, nos centraremos en el argumento y el estilo y en como uno se refleja en el otro.

Tower

Entre los personajes marginales de esta edición encontramos de muchos tipos, desde loosers irremisibles o inadaptados sociales hasta personas que han nacido en un entorno o cuerpo equivocado. Tower de Kazik Radwanski nos presenta al típico perdedor, ese que Todd Solondz suele poner al frente de sus historias, y que oscila entre el patetismo y la vergüenza ajena. A pesar de un par de escenas brillantes como cuando él mismo muestra los escasos segundos de la animación que ha realizado a sus únicos espectadores (unos amigos de sus padres), la película divaga y termina por aburrir debido a su estructura reiterativa y falta de originalidad. Durante todo el metraje la cámara acompaña al protagonista, pegada a su cuerpo, para que vivamos de cerca sus fracasos y su miseria, de la misma forma que ya vimos en Boy eating the birds food.

Frances Ha

Siguiendo con los perdedores pero en clave completamente diferente también hemos podido disfrutar de Frances Ha de Noah Baumbach, una magnífica ración de cine indie newyorker con un fino sentido del humor. Frances es la típica joven norteamericana que viaja a NY con la intención de ser artista, en su caso bailarina, que ve como sus opciones para triunfar en el mundo de la danza se disipan al mismo tiempo que su mejor amiga abandona el piso que comparten dejándola de patitas en la calle e iniciando una ruptura prácticamente sentimental. Esta bailarina tan naif como luchadora se enfrenta a situaciones adversas con positivismo en medio de encuentros, desencuentros, disputas y reconciliaciones con su mejor amiga. Como no podía ser de otra forma, este hilarante y veraz canto a la amistad está rodado en un clásico B/N cercano al cine del Woody Allen al que nos evoca aunque ofrece un montaje mucho más moderno para hacerse eco de los hipsters que habitan su universo.

Laurence Anyways

Xavier Dolan también ha estado presente en el D'A con Laurence Anyways, otra historia de amor, peleas, separaciones y reencuentros pasionales entre personajes que habitan esos margenes de la sociedad. Laurence es un profesor de instituto que, en plena década de los 90, cansado de engañarse a si mismo y al mundo decide empezar a vivir como se siente, como una mujer. Esta mujer atrapada en un cuerpo que no siente tendrá que luchar contra los prejuicios sociales, pero su determinada decisión la pondrá además ante una situación imposible: ¿que ocurrirá con la relación perfecta que mantiene con su novia? Dolan nos ofrece un relato sincero y emotivo sobre dos personajes que viven una apasionada historia de amor al límite. Laurence anyways contiene algunas de las imágenes más bellas y poéticas que hemos visto en mucho tiempo y la que en nuestra opinión es la mejor interpretación del D'A, la de Suzanne Clément. Una película excesiva, tierna, bestial, humana y magnífica como la historia que retrata y que solo tiene un punto de flaqueza que la aparta de ser una obra maestra, su excesivo metraje.

A última vez que vi Macau

Mucho más intimista resulta A última vez que vi Macau de João Pedro Rodrigues y João Rui Guerra da Mata que nos lleva de viaje a la famosa ex-colonia portuguesa en China donde un hombre regresa para investigar la desaparición de Candy, una drag queen con la que vivió allí unos años antes. La propuesta comienza como un docudrama, pasa por el noir y termina como una película de ciencia ficción distópica. A última vez que vi Macau es seguramente la cinta más especial y personal de las que hemos podido disfrutar estos días en cuanto a realización ya que está planteada como un inmenso fuera de campo donde no vemos a los personajes sino imágenes de la ciudad, en una acertada decisión que además de permitir ahorrar en costes provoca fascinación e intriga.

The imposter

Antes de cerrar este repaso a algunos de los seres marginales que han pasado por el D'A queremos recordar dos cintas que vimos en otros festivales y que también se han proyectado durante estos días en el certamen barcelonés. Los chicos del autobús The we and the I de Michel Gondry representan a toda una generación de adolescentes americanos sin futuro ni objetivos que viven en barrios marginales donde la vida puede terminar de la forma más estúpida y repentina. Un cambio de registro del que en su día fue chico prodigio francés, más juvenil y adaptado a los gustos de sus protagonistas, que pese a su frescura no ha terminado de convencernos. En cambio, The imposter, el documental de Bart Layton, se ha convertido en una de nuestras películas favoritas gracias a su habilidad para acercarnos a esta sorprendente historia con un gran sentido del ritmo y del humor. Un documental imprescindible sobre un chico americano desaparecido que reaparece en Linares varios años después y que demuestra una vez más que el cine de autor o los documentales no están reñidos con el divertimento y que pueden ser tan accesibles para todos los públicos como el más taquillero de los blockbusters.

D'A 2013: Boy eating the bird's food

Título original: To agori troei to fagito tou pouliou
Año: 2012
País:  Grecia
Director: Ektoras Lygizos
Guión: Ektoras Lygizos
Fotografía: Dimitris Kasimatis
Reparto: Yiannis Papadopoulos, Lila Mpaklesi

Valoración: 9/10
Web: https://twitter.com/boyeating

Con un título aparentemente tan críptico y teniendo en cuenta algunas de las últimas producciones griegas podríamos pensar que nos encontramos ante otra rareza más de la era post Canino. Nada más lejos de la realidad, Boy eating the bird's food es tan directa como su propio título (El chico que se comía la comida del pájaro) y nada tiene que ver con los retorcidos universos de Yorgos Lanthimos sino con la más cruda realidad helena. Esta nueva propuesta griega nos acerca a los devastadores efectos de la crisis económica sobre la gente joven y lleva su negativismo hasta las últimas consecuencias.

Boy eating the bird's food nos acerca a la vida de un chico tan excéntrico como entrañable que subsiste a duras penas gracias a los alimentos que encuentra o al azúcar que come a escondidas en casa del anciano vecino al que cuida ocasionalmente. Esta escasez de medios por parte del protagonista y del propio país se hace palpable también en la factura del film, que aplica al máximo la política de economía de medios de la misma forma que Grecia, obligada por los recortes impuestos por la troika. Ektoras Lygizos, el director, centra toda la película en los avatares del protagonista, hasta el punto que la cámara parece un anexo de su cuerpo, un pájaro que revolotea a su alrededor o la jaula que lo aprisiona y lo aísla en un mundo interior de soledad. Esta cámara flotante tan próxima al chico permite a Lygizos prescindir de grúas dollys o steadicams ya que todo está filmado cámara en mano. En la misma línea de ajustes económicos, la película se compone de largos planos que reducen el montaje, cuenta con escaso reparto aprovechando la soledad de su protagonista y no usa música extradiegética ajena a la acción.

Al margen de la crisis que azota a Europa, de forma muy pronunciada a Grecia, la película aborda otra crisis más catastrófica: la crisis existencialista que sufre la generación actual de jóvenes. Los llamados ni-ni, esos que ni estudian ni trabajan, se han convertido en personas sin rumbo que como el chico que se comía la comida del pájaro son capaces de abandonar un trabajo que necesitan por no sentirse capaces de llevarlo adelante. Este es con toda seguridad el mayor logro del film, retratar a los nuevos desposeídos, esos olvidados que nadie quiere ver, con credibilidad y sensibilidad, transmitiendo una intensa sensación de tristeza por una generación perdida condenada a la miseria, a la nada más absoluta.

Boy eating the bird's food lleva su tesis derrotista hasta el final, hasta ese momento de máxima crueldad en un edificio vanguardista en ruinas, símbolo de la nueva decadencia, tan alejada de las gloriosas ruinas de la Grecia clásica. Es en ese devastador entorno donde el chico esconde lo único que le queda, un pájaro al que protege con una bandera griega antes de lanzar su grito más desesperado. El único reproche ante la osadía y realismo con que aborda este incómodo tema es la personalidad del protagonista, que resulta tan extravagante que puede aportar un punto de irrealidad ante un drama completamente real y actual, aunque según nuestra opinión es este enfoque el que lo aleja de los dramas sociales al uso. Esta magnífica opera prima retrata esa crueldad que acontece a nuestro lado y que no queremos asumir con el mismo realismo y falta de pudor con el que Boy eating the bird's food muestra a su protagonista masturbándose, sin esconder nada.

D'A 2013: Masterclass con Cristian Mungiu

"En cine no hay reglas, la única regla es el sentido común"

Cristian Mungiu está en Barcelona. Con motivo de la retrospectiva que le dedica el Festival de Cine de Autor en colaboración con la Fimoteca de Catalunya, ha venido a presentar algunas de las proyecciones. Ayer pudimos disfrutar de una apasionante charla en la Facultad de Comunicación Blanquerna entre el aclamado realizador rumano y Judith Colell, subdirectora de la Academia de Cine Español y directora de Elisa K. Mungiu explicó muchas de las claves de su cine, su pasión. Ayer también, estuvo presente en la Filmoteca introduciendo la proyección de sus cortometrajes donde hoy a las 20h presentará su última película, Más allá de las colinas.

El año 2007 un desconocido Cristian Mungiu gana contra todo pronóstico la Palma de Oro en el Festival de Cannes gracias a la que hasta ahora se considera su obra capital: 4 meses, 3 semanas y 2 días (su segundo largometraje tras la desconocida Occident). Antecedido por el éxito de La muerte del señor Lazarescu de Cristi Puiu el año 2005 (premio a la mejor película en la sección Un certain regard de Cannes), Mungiu exporta al mundo la fórmula de la escuela de cine rumano, facilitando así la distribución del cine de su país. Títulos como Si quiero silbar, silbo, Aurora o Martes, después de Navidad se hacen eco en los círculos cinéfilos más exigentes. En la pasada edición de la Berlinale, la película Child’s Pose de Călin Peter Netzer se alza con el Oso de Oro, constatando así el espléndido estado de salud del cine rumano. En 2012 Mungiu vuelve (tras uno de los capítulos de Historias de la edad de oro) con su siguiente largometraje: Más allá de las colinas. El filme se alza con el premio al mejor guión y a la mejor actriz (ex-aequo: Cosmina Stratan y Cristina Flutur) en Cannes y Mungiu se consolida como el cineasta más influyente de su generación. Las pautas de su cine rompen con muchas de las reglas del cine tradicional y las principales características vienen marcadas por un realismo muy acentuado y por su singular tratamiento del tiempo. Ayer el mismo Mungiu nos explicó su particular concepción del cine.

Occident

Un estilo particular

El realizador nos explica que en su infancia durante la década de los 70 vio mucho cine convencional ya que era imposible recuperar clásicos ante la ausencia de filmotecas en su ciudad. Fue más tarde, mientras estaba en la escuela de cine cuando se planteó ¿Por qué quiero hacer cine? Ahí es cuando empezó a forjar su particular estilo. Así se planteó la posibilidad de realizar un cine más cercano a lo que podría ser un "trozo" de realidad, algo más sorprendente y más emocional. Mungiu es consciente de que la crítica es muy útil aunque a veces puede ser también muy dura. Occident, la película más alejada de su estilo, fue un ejercicio para demostrarse a sí mismo que podía hacer cine como los demás. Después de leer las reacciones sobre Occident, pudo entender aún más su forma de ver el cine y se propone ofrecerle al espectador una mejor relación y experiencia más cercana a su propia vida. 

Montaje y música

Para Mungiu, una de las claves más importantes del cine es el montaje, que deja fuera lo que no importa. El cineasta advierte que es muy fácil convertirse en un manipulador a través del montaje o la música. Para él la música manipula los sentimientos del espectador, cosa que le desagrada. Es ahí cuando le preguntan "Entonces, ¿Nunca pones música en tus películas para no manipular?" a lo que Mungiu contesta de forma clara "¿Oyes alguna música aquí ahora mismo?".

Movimiento de cámara

A nadie le pasa desapercibido que las películas de Mungiu están grabadas habitualmente cámara en mano. Cuando le preguntan al respecto, contesta "Es muy importante que el movimiento de la cámara no delate la mirada del director. Debe ser natural" Pone un par de ejemplos: En la escena del hotel de 4 meses, 3 semanas y 2 días la cámara está fija mientras que cada vez que un personaje corre en Más allá de las colinas, la cámara le sigue, mostrando lo que el espectador quiere ver.

4 meses, 3 semanas y 2 días

El tiempo

Otra de las principales claves de su cine es el tratamiento del tiempo. La acción de 4 meses, 3 semanas y 2 días, transcurre a lo largo de 24 horas, mientras que en Más allá de las colinas, son días con la utilización pertinente de elipsis. Pese a que en muchas ocasiones prácticamente utiliza el tiempo real, lo esquiva siempre ya que lo considera un recurso experimental y conceptual. Para Mungiu lo importante es lo que haces en un espacio de tiempo, no lo que haces entre una cosa y otra.

Sin reglas

Quizás la idea más importante que nos dejó refiriéndose a la esencia de su concepción del cine fue la siguiente afirmación "En cine no hay reglas, la única regla es el sentido común". Por eso su estilo de cine no cambia con el tiempo, porque el sentido común de una persona no cambia.

Finales

El final de 4 meses, 3 semanas y 2 días y Más allá de las colinas suscitó varias de las incógnitas del público. Para Mungiu el final de una película siempre es especial, por eso rompe formalmente con el resto de la obra, para sacar al espectador de la historia. Un autor debe saber como termina su obra antes de empezar a escribir. No cree en los finales cerrados ya que para él no son reales. En la vida siempre habría algo más después del desenlace. "Nunca hay final, cortas cuando quieres".

Historias de la Edad de Oro

Improvisación

Mungiu no cree en la improvisación, todo tiene que estar milimetrado, ser preciso. En sus largos planos secuencia ensaya previamente los diálogos, la coreografía y la posición de los objetos de forma rigurosa para no dejar nada al azar. "Lo de la improvisación es un mito, cuanto más larga es la escena, más concreto tienes que ser".  

Las historias

Ante la pregunta de como escoge sus argumentos respondió que encontrar una historia es lo más difícil  Un cineasta decide qué quiere explicar en abstracto, pero necesita un argumento creíble. Encontrarlo es como conocer a alguien que te gusta, no se puede planear, simplemente ocurre. "Hay muchas historias preciosas que no son útiles para filmar". Mungiu afirma que sus películas no tienen mensaje, no manda telegramas a nadie, simplemente cuenta historias.

No ficción

A pesar de su constante obsesión por simular la realidad, no tiene previsto por el momento realizar ningún documental. Le gusta ser el motor de sus películas, tomar decisiones, mientras que un documentalista siempre debe esperar a que algo ocurra.

Más allá de las colinas

Retrospectiva Cristian Mungiu en la Filmo

Sesión de cortometrajes

 Mîna lui Paulista (1998)

 Nici o întâmplare (2000)

 Corul Pompierilor (2000)

 Zapping (2000)

30/04 a las 20h

04/05 a las 16:30

Occident

04/05 a las 19:30

09/05 a las 18:30

4 meses, 3 semanas y 2 días

02/05 a las 20h

07/05 a las 21:45

Historias de la edad de Oro

03/05 a las 19h

08/05 a las 18:30

10/05 a las 19h

Más allá de las colinas

01/05 a las 20h

05/05 a las 17h 

D'A 2013: La cinquième saison

Título original: La cinquième saison
Año: 2012
País: Bélgica
Director: Peter Brosens y Jessica Woodworth
Guión: Peter Brosens y Jessica Woodworth
Música: Michel Schöpping
Fotografía: Hans Bruch Jr.
Reparto: Aurélia Poirier, Django Schrevens y Sam Louwyck

Valoración: 8/10
Web : http://www.thefifthseason.be/

Apocalipsis de autor. Es uno de los apelativos que más se han utilizado para definir la película dirigida por el matrimonio formado por Peter Brosens y Jessica Woodworth. Ambos realizadores filmaban sendos documentales en pleno invierno mongol cuando se conocieron y decidieron que estaban hechos el uno para el otro. La cinquième saison cierra la trilogía formada por Khadak, (rodada en Mongolia) y Altiplano (en Bolivia) que gira en torno a la relación del hombre con la naturaleza. Según el propio Brosens, al volver a su Bélgica natal tras el rodaje de sus dos anteriores películas, un día paseando por el campo ambos se preguntaron: “¿Qué pasaría si no llegara la primavera?”. Presentada en la pasada edición del Festival de Venecia, la película consiguió dos menciones y posteriormente se alzó con el FIPRESCI y el Premio Especial del Jurado en la Semici de Valladolid. Con este interesante currículum y un cielo de tonos amarillentos sobre Barcelona tras la lluvia incesante a modo de promoción, llega La cinquième saison al D’A.

Toda la acción sucede en un pueblo de la región de las Ardenas belgas. Una región de costumbres y tradiciones, sí, como el de Les quattro volte. El fin del invierno se acerca y ha llegado el momento de celebrar el festival que da la bienvenida a la primavera. Pero no todo sale según lo previsto y es que el apocalipsis no entiende de rituales. La primavera no llegará nunca y los habitantes del pueblo se sumirán en una situación de desamparo total.

Esta quinta estación podría verse como un preámbulo de la famosa novela (también notable película) The road de Cormac McCarthy. El origen del fin se encuentra en un giro de la naturaleza contra el hombre, pilar fundamental de esta inquietante pesadilla kafkiana. Pero lo más inquietante de La cinquième saison no es la progresiva deshumanización de sus personajes, es su aterradora composición preciosista recreada gracias a una fotografía y un uso de la música excelente. Su impresionante factura técnica evoca en determinados momentos la estética del cine de Tarkovsky o del actual Reygadas, recreando así auténticos momentos de una belleza espeluznante. Un mal rollo progresivo que termina por hacerse con el alma del espectador tras haber sembrado un desasosiego sobrecogedor desde el principio de la película.

Las similitudes con el apocalipsis de Bela Tarr son más que evidentes. En esa misma pérdida de la esencia de las cosas, La cinquième saison amplía el campo de visión cuando muestra la descomposición del tejido social dentro de su microcosmos rural. Es de recibo advertir de la narración pausada de la película que la aleja de cualquier propuesta convencional como se puede apreciar en las sugerentes imágenes que han llegado de la película. Peter Brosens y Jessica Woodworth se dan a conocer así para una gran parte del público cinéfilo que ahora buscaremos ansiosamente el momento para rescatar sus dos anteriores obras para tener los deberes hechos el día que llegue el fin del mundo.

D'A 2013: Nueva autoría low cost, BCN vs MAD

Uno de los máximos alicientes del Festival de Cinema d'Autor es la gran presencia de nuevos autores de la escena nacional. El certamen barcelonés apuesta desde su primera edición por los talentos emergentes, tanto catalanes como del resto del territorio español. De esta forma el D’A se consolida como termómetro de los nombres a tener en cuenta y de las modas en la autoría nacional. Entre las cintas seleccionadas para esta edición detectamos una clara tendencia a distanciarse de la narración de ficción tradicional para romper la distancia entre el creador y su obra. En el cine de autor el director siempre es la estrella, pero en estos casos aún va más allá y se erige como gran protagonista a través de un ejercicio de metacine a caballo entre la realidad y la ficción, entre la autoría y el protagonismo. De esta forma en Otel.lo de Hammudi Al-Rahmoun Font o Mapa de León Siminiani el propio director es protagonista de la película, mientras que en Mi loco Erasmus de Carlo Padial o Los ilusos de Jonás Trueba los protagonistas son una especie de alter ego de sus realizadores.

En este sentido Jonás Trueba emula de forma evidente al gran binomio François Truffaut - Antoine Doinel, un magnífico personaje de ficción que representaba al propio director dentro de la pantalla: una aventura que comenzó con Los 400 golpes y terminó cuatro películas después con El amor en fuga. Los ilusos parte de esa idea para homenajear no solo a Truffaut sino a la Nouvelle Vague en general. Su preciosa fotografía en blanco y negro, su presunto nihilismo existencialista o la supuesta historia de amor ha calado tan hondo en algunos sectores que la consideran poco más que una maravilla. Otros simplemente la vemos como una copia efectista de clichés de épocas doradas con referencias vacías a Robert Bresson o Jacques Rivette en un ejercicio de pose, de modernidad mal entendida. Los ilusos junta imágenes aparentemente reales de un cineasta y su entorno para construir un retrato de amor al cine. El resultado es un ejercicio presuntuoso y aburrido donde la historia, que a unos les puede parecer magnífica y a otros pedante, termina por enredarse tanto como la cinta VHS con la que juega la niña pequeña del poster al final de la película.

Siguiendo con esta modernidad heredera de Truffaut que tanto se lleva en Madrid, Mapa de León Siminiani nos plantea un ejercicio diferente pero con muchos puntos en común. En este caso el autor deja de lado la ficción para ofrecernos un diario de viaje en primera persona. Este itinerario se inicia en Madrid con destino a la India, pero una vez llegamos allí nos damos cuenta que el viaje que Siminiani nos ha preparado no es esa ruta turística que esperábamos, sino un viaje emocional. El autor se desnuda ante nosotros para explicarnos su historia de amor y desamor con Luna, pero de nuevo vuelve a darle la vuelta. Cuando ya estamos convencidos de estar ante ese viaje sentimental nos percatamos que en realidad Mapa es una carta de amor al cine que cuenta con múltiples homenajes entre los que destaca la omnipresente figura de Truffaut. Siminiani usa prácticamente todos los recursos cinematográficos que ha aprendido a lo largo de su vida en un error típico de muchos autores noveles que sobrecargan sus óperas primas para demostrar todo su conocimiento. Un ejercicio arriesgado e interesante que pierde frescura por culpa de un texto extremadamente trabajado y que pierde realismo al intentar recuperar esa frescura mediante una narración en off grabada de forma torpe, como si las palabras se inventasen sobre la marcha.

En contraposición a la tendencia franco-cinéfila de Madrid, los nuevos autores de Barcelona juegan a reinventar, tomando origines más diversos, con la intención de ser über modernos, esos que incluso critican a los que siguen las modas. Mi loco Erasmus es un claro ejemplo de esta tendencia, una cinta de post-humor que usa las mismas cartas que critica en un ejercicio arriesgado y muy al límite. Partiendo de una premisa similar a Exit throught the gift shop de Banksy, Carlo Padial nos plantea un mockumentary sobre el proceso creativo a través de un personaje incluso más looser que Mr Brainwash. Así asistimos a la odisea de este pobre diablo durante el rodaje de un documental creativo y low-cost, alejado del documental social tan consagrado en España. Mi loco Erasmus empieza de forma brillante y va mutando del documental a la ficción entre la fascinación, la torpeza y el estupor, y aunque consigue esquivar el cansancio que suele provocar tanto giro argumental, termina lastrado por un excesivo metraje. 

Por su parte la versión de Otel.lo de Hammudi Al-Rahmoun Font sigue la premisa barcelonesa de picotear de muchas fuentes. Así parte de una obra del dramaturgo universal por excelencia, sigue el camino marcado por los hermanos Taviani en su extraordinaria César debe morir y actualiza y reinventa la obra original llegando a hacer desaparecer (o no) al personaje central. En esta versión de la tragedia del moro de Venecia no asistimos a la representación de la obra sino a su rodaje, tal y como ocurre con las otras tres películas comentadas con anterioridad. El director, alumno del Escac, el centro neurálgico de las nuevas generaciones de cineastas catalanes, llega hasta el mismo centro de la obra de Shakespeare y como si de una suerte de Ferran Adrià cinéfilo se tratase la disecciona y reconstruye para ofrecernos una fascinante y sorprendente visión de todo un clásico. Una obra imprescindible que se sitúa desde su visionado entre lo mejor del festival.

Las cuatro películas han tenido recepciones dispares, posiblemente marcadas por el origen del espectador, que entiende la modernidad según su entorno. Al margen de gustos, se hace evidente que nos encontramos ante una generación que no sabe entender la vida sin el mundo audiovisual y para los que el proceso creativo es algo tan natural que forma parte de la vida y de sus argumentos. Un cine de autor low cost que define a una nueva generación de autores que da carpetazo a los anteriores cineastas de Madrid (Amenábar o de la Iglesia) y Barcelona (Balagueró o Coixet).

D'A 2013: Jóvenes promesas europeas

Hoy nos acercamos a tres de los personajes más jóvenes de esta edición del Festival de Cine de Autor de Barcelona. Todos viven realidades al límite de la exclusión social a pesar de su corta edad. Niños prematuramente adultos debido a la precaria situación que les ha tocado afrontar. Estamos hablando de tres títulos europeos protagonizados por menores de edad, obras de tres nuevos directores que justo ahora están empezando. Las dos primeras películas son ficciones mientras que la última es uno de los documentales más sorprendentes que se ha podido ver en los festivales de la temporada.

Nuestro primer protagonista se llama Jojo. Un niño de unos diez años que vive con su padre. Su madre es una cantante de country que vive en constante gira musical. La relación con su padre deja mucho que desear, las discusiones son constantes y la soledad se ha convertido en su rutina. Todo el afecto que necesita lo encontrará en un joven pichón que un día se encuentra herido en el campo. Estamos hablando de una de las sensaciones del cine holandés del año: Kauwboy.

Hay que ir con cuidado, el éxito de Kauwboy radica en su sencillez. Un exceso de expectativas podría acabar pasándole factura a esta historia minimalista. Estamos ante una pequeña gran película que goza de una franqueza y honestidad digna del cine infantil de Hirokazu Kore-eda. La entrañable historia de Jojo y su mascota nos deja con algunas de las imágenes más emotivas y universales del festival: la lucha de un niño que se refugia en su propio universo en contra de la pérdida de la inocencia. La película se alzó con el premio a la mejor revelación en la pasada edición de los Premios de Cine Europero tras llevarse dos menciones en la Berlinale. Seguiremos de cerca la prometedora trayectoria de Boudewijn Koole, mientras, podemos disfrutar de la emocionante historia sin ornamentos de Kauwboy.

Dejamos a un lado la ingenuidad de Jojo para entrar de lleno en el terreno del cine social con la suiza Sister (L'enfant d'en haut). Simon es un niño que vive con su hermana en un piso muy próximo a las pistas de esquí. A su temprana edad, Simon ejerce de cabeza de familia, encargándose así de sustentar económicamente a ambos gracias a un negocio de venta de esquís robados que se ha montado. Su hermana vive entre excesos y hombres, de trabajo en trabajo. Para Simon cada día es una lucha por la supervivencia, para su hermana, Simon es un lastre únicamente necesario para poder sustentarse.

Sister fue la candidata suiza en la pasada edición de los Oscar. Muy en la línea del cine de los hermanos Dardenne, la película nos muestra la supervivencia de un menor que vive en la exclusión social. A diferencia de Kauwboy, el protagonista de Sister posee la madurez que se le presupone a cualquier adulto. Sin embargo Simon tiene muchos puntos en común con Jojo: sus carencias afectivas le pueden acabar pasando factura. Probablemente Sister sea una de las propuestas de ficción independiente más asequibles al gran público de este D'A. La brillante interpretación de su joven protagonista y algunos de sus golpes de efecto, como esa excelente escena final (la cual por motivos obvios no desvelaré), le han valido una mención especial en la Berlinale y dos premios en el Festival de Sevilla.

Nuestro tercer joven protagonista se aleja aún más de la inocencia de Jojo y su pichón para convertirse al igual que Simon en un superviviente nato. El impostor es uno de los documentales que más ha dado que hablar en el panorama actual cinematográfico. La película nos presenta la bizarra figura del adolescente que suplantó la identidad de Nicholas Barclay, un niño de Texas que desapareció hace años en desconocidas circunstancias. Frédéric Bourdin, alias 'el impostor', nos narra en primera persona su periplo a la vez que vamos descubriendo las claves de esta sorprendente historia.

Una vez más encontramos el nexo común de las carencias emocionales, ¿Qué es lo que movió a  Frédéric Bourdin a perpetrar semejante montaje? Curiosamente la película más increíble de las tres es la única que no se trata de una ficción. Bart Layton parte de esta historia verídica para crear un magnífico documental sobre la mentira, la suplantacion de personalidad y los motivos ocultos que pueden llevar a las personas a realizar obras incomprensibles. El impostor va destapando todas las capas de esta fascinante historia con un ritmo ágil y un gran sentido de la narración.