Paraíso: Esperanza

Título original: Paradies: Hoffnung
Año: 2013
País: Austria
Director: Ulrich Seidl
Guión: Ulrich Seidl, Veronika Franz
Fotografía: Ulrich Seidl, Veronika Franz
Montaje: Christof Schertenleib
Reparto: Melanie Lenz, Joseph Lorenz

Valoración: 6/10
Web: http://www.golem.es/paraiso/esperanza/

Ulrich Seidl y Veronica Franz (co-guionista), concibieron Paraíso como una sola película al más puro estilo Dog days. En ella asistíamos en paralelo a las vacaciones de una madre (Teresa), su hermana (Anna Maria) y su hija (Melanie). Finalmente decidieron que cada historia tenía entidad suficiente como para poder realizar una trilogía. Amor, Fe y Esperanza; Cannes, Venecia y Berlín: los tres festivales de cine más importantes del planeta. Desde el punto de vista autoral una estrategia de marketing insuperable.

El paraíso inalcanzable de Melanie, adolescente de 13 años, se encuentra en la búsqueda de su primer amor. Sus vacaciones están caracterizadas por la reclusión en un campamento destinado a jóvenes con problemas de sobrepeso y transcurren entre tablas de gimnasia, piscinas, dietas y consejos alimenticios. Cuando menos se lo espera, Melanie se enamora del médico del campamento, un hombre de 40 años que como quien no quiere la cosa, se adentra peligrosamente en el prohibido juego de la seducción. Pero la vida en el campamento no es fácil, y al igual que le sucede a su madre y a su tía, parece que el Paraíso no se va a dejar alcanzar tan fácilmente.

Estamos ante la entrega más sobria de Paraíso. Del humor negro ni rastro. Las procesiones de adolescentes y la disciplina del campamento se apoderan de la historia para ofrecernos una serie de geometrías periódicas sucesivas. La historia de Melanie y su médico alcanza momentos realmente dramáticos marcados por la monotonía incesante del centro, generando así una atmósfera bastante opresiva. La tragedia se masca y el referente de Nabokov como eje central de la historia es innegable, el propio Seidl ha declarado que es una temática que le gusta mucho.

Ulrich Seidl cierra su trilogía con el reparto más joven con el que ha trabajado jamás. Paraíso Esperanza es la película más corta de la trilogía y la más pesimista. La ausencia de humor, la sutilidad y una moderación muy poco habitual en los estándares del austríaco, ponen de manifiesto su marcado origen como una historia de tres personajes (madre, hermana e hija), dejándola huérfana si la piensas con entidad propia. Esperanza es el complemento perfecto para una obra que nos aproxima a las distintas manifestaciones del fracaso en la eterna búsqueda de la felicidad, ese paraíso tan difícil de alcanzar. Por contra, parece que Seidl sí alcanza el triunfo gracias a su triunvirato festivalero, al eco que ha alcanzado su trilogía y a un excelente estreno internacional del cual puedo corroborar el éxito de taquilla que ha tenido en Barcelona. En lo personal, la experiencia ha sido más que notable, la lástima es haberme quedado con la duda sobre el paradero del auténtico Paraíso. Otra vez será, aunque mucho me temo que Ulrich Seidl no nos lo desvelará jamás.

Paraíso: Fe

Título original: Paradies: Glaube
Año: 2012
País: Austria
Director: Ulrich Seidl
Guión: Ulrich Seidl, Veronika Franz
Fotografía: Wolfgang Thaler, Edward Lachman
Montaje: Christof Schertenleib
Reparto: Maria Hofstatter, Nabil Saleh
Web: http://www.golem.es/paraiso/fe/

Seguimos con la trilogía de Ulrich Seidl. Le llega el turno a la segunda entrega, Paraíso: Fe. Aunque no es un hecho habitual, en esta ocasión ha habido división de gustos entre los miembros de DP1984. Por ello hemos querido hacer nuestro primer cara a cara a través de dos críticas, una negativa y una positiva. Un blanco - negro o más bien dicho un contraste Paraíso - Infierno.

¡Señor perdónalo! No sabe lo que está haciendo

Valoración: 4/10

Por Xavi Lezcano

Después del visionado de la segunda entrega de Paraíso puedo afirmar sin ninguna duda que Ulrich Seidl se ha situado en esa lista de directores capaces de ofrecerme una de cal y otra de arena. El autoproclamado "pornógrafo social" entra así a formar parte de un selecto de grupo de directores que incluye a algunos auténticos pornógrafos sociales, como el recientemente desaparecido Bigas Luna, que retratan de forma habitual la sordidez mediante visiones unas veces insuperables y otras insufribles. De todas maneras, el director austríaco se mantiene siempre en una zona templada, ya que de momento ninguna de sus obras me parece ni una master piece ni una infamia.

Si en Paraíso: Amor seguíamos las desventuras y fracasos de Teresa, depredadora sexual austriaca entrada en años y quilos, víctima del turismo sexual keniata, en esta segunda entrega de la trilogía, su hermana Anna Maria pondrá a prueba su fanatismo religioso. Tras sus escarceos sexuales en Kenia, Ulrich Seidl se decanta en esta ocasión por la religión, posiblemente el tema que levanta más ampollas con una simple referencia, algo que el austriaco no podía desaprovechar para tocar la moral de los mojigatos de turno.

Tal y como ya ocurría en la primera entrega, lo mejor de Paraíso: Fe es su protagonista, interpretada magistralmente por Maria Hofstätter, habitual de las cintas de Seidl. Su personaje podría ser perfectamente una continuación de los que interpretaba en Dog Days o Import/Export, que continúa encabezando mi top de su filmografía. De todas maneras, al margen de las destacadas interpretaciones, marca de la casa, y de un inicio prometedor, la película termina por caer en una especie de tedio, donde no solo se repite a sí misma y a otros títulos de su autor (otra constante del director) sino que además cae en territorios comunes de la crítica a la religión con escasas innovaciones.

Resulta una lástima que Seidl esté tan preocupado por escandalizar que pierda el norte, con orgías callejeras que nos alejan del realismo previo, gatos duplicados (o desaparecidos) y peleas con rusas prácticamente autoplagiadas. Todo ello hace que lo que podría ser un retrato certero y corrosivo sobre la religiosidad extrema termine convirtiéndose en una historia sobre una loca despechada que se agarra a la religión como tabla de salvación. En definitiva, Paraíso: Fe intenta mostrarnos la fe como substituto de la felicidad pero nos demuestra que el escándalo no es un substituto digno de las ideas.

Lo mejor: Maria Hofstätter

Lo peor: El intento constante de molestar

Es el diablo el que quiere la cerveza, no tú. ¡Tú no la quieres!

Valoración: 8/10

Por Josepe Machado

"Hay muchas personas obsesionadas con el sexo. Libéralas de su infierno y libéralas de su lascivia Señor." Con estas palabras empieza la penitencia de Anna Maria, un castigo auto impuesto en busca de una redención en nombre de toda la humanidad, un sacrificio para paliar el pecado de la incontinencia sexual. He aquí el acertado nexo de unión entre la primera y la segunda entrega de la trilogía Paraíso. Mientras Teresa vive su agitada travesía en busca del amor en Kenia, su hermana Anna Maria disfruta de sus vacaciones en Austria, en busca de nuevos feligreses en Paraíso: Fe. Todo por volver a ser una Austria católica. ¿Acaso la Fe no es la manifestación más hermosa del Amor?

Maria Hofstatter le toma el relevo a Margarete Tiesel sin decepcionar, ofreciendo de nuevo una interpretación impecable muy acorde con el universo Seidl y con el elevado listón que dejó la aclamada protagonista de Paraíso: Amor. Su personaje evangelizador bien podría ser una evolución de aquella autoestopista que increpaba a los conductores con sus extravagantes estadísticas, interpretada por ella misma en Dog days. Tampoco cuesta mucho imaginarse a Anna Maria como la enfermera resentida y envidiosa a la que Hofstatter dio vida en  Import/Export. Es así como esta actriz austríaca se consagra como una de las constantes del cine de Seidl desde una vertiente dual: en presencia y personaje.

Tras unas vacaciones en Kenia, Ulrich Seidl vuelve a su querida Austria, su escenario habitual. En esta segunda entrega, el humor negro termina por apoderarse de la historia debido a la extrema enajenación de su personaje. ¿Crítica a la religión? No la encontré, excepto quizás en la visita inicial con el matrimonio de divorciados que razonan con cordura. Quitando esa escena y aunque el trasfondo religioso es omnipresente durante toda la película,  Paraíso: Fe nos habla de las obsesiones a través de una persona que ha perdido el rumbo. Anna Maria se acoge a la religión como su única salvación y lo da todo con una persistencia de acero. Mientras que Teresa quería llenar su vida con amor en la primera entrega, Anna Maria no sabe con qué colmar la suya, y la fe será el vehículo que la llevará en busca de ese destino desconocido o más bien inexistente.

Una vez más el estilo Seidl se hace patente, mucho más que en Paraíso: Amor. El retorno a Austria es como un retorno al Seidl más radical, al de Dog days. Volvemos a la Europa más rancia y descompuesta. La extravagancia se apodera de la realidad en forma de escenas muy pasadas de vueltas, personajes sin rumbo y sus repeticiones. Estamos ante el Seidl mas auténtico que cautivó a muchos de sus fans en su día y que salió victorioso con el Premio Especial del Jurado en la Mostra de Venecia. Teresa no encontró el amor en Paraiso: Amor y parece que la Fe no le ha servido a Anna Maria para poder darle algún sentido a su vida. Solo nos queda esperar con Esperanza.

Lo mejor: Maria Hofstätter

Lo peor: No tomársela con sentido del humor

Paraíso: Amor

Título original: Paradies: Liebe
Año: 2012
Director: Ulrich Seidl
Guión: Ulrich Seidl, Veronika Franz
Fotografía: Edward Lachman, Wolfgang Thaler
Reparto: Margarete Tiesel, Inge Maux
Montaje: Christof Schertenleib

Valoración: 8/10
Web: http://golem.es/paraiso/amor/



Hakuna matata

El austriaco Ulrich Seidl estrena por primera vez en nuestro país y no hablamos de una sola película, hablamos de tres: la trilogía Paradies. Tres historias, la vida de tres mujeres que viven las vacaciones de forma distinta, tres amores que terminan en decepción. Vamos por partes, la primera entrega arranca con los preparativos de última hora previos al viaje de Teresa. Un prólogo en el que conoceremos y veremos a las tres protagonistas de Paraíso juntas fugazmente. Después de esos escasos 5 minutos de metraje, cada una tomará su camino.

Teresa se va de viaje a Kenia en busca de un buen novio. Una vez allí una amiga suya la aleccionará sobre los secretos del amor en este tipo de viajes. "Tendrás uno solo para ti", le dice mientras le presenta a su apuesto novio keniata que no habla ni una palabra de alemán. El pronóstico no tarda en cumplirse y tras algún que otro flirteo, Teresa conoce a su salvador: Munga. Todo va viento en popa y la felicidad hace acto de presencia. Pero, ¿cuánto le puede llegar a costar a nuestra ingenua protagonista su aventura amorosa?

Las protagonistas de Paraíso: Amor son mujeres frustradas que deciden ser felices a cualquier precio, víctimas del rechazo de una sociedad descompuesta. El problema de Teresa es que en realidad no encuentra lo que quiere, desencadenando así una feroz espiral de degradación sexual. Margarete Tiesel brilla con luz propia en la piel de Teresa y nos ofrece una de las mejores interpretaciones del año que consiguió su correspondiente nominación en los premios de la Academia de Cine Europeo. Su trabajo ofrece el realismo necesario coordinado en perfecta armonía con las interpretaciones de un reparto compuesto por actores profesionales y no profesionales indistintamente.

La crueldad de Ulrich Seidl parece no tener límites, Paraiso: Amor no es la excepción. Director, guionista, productor, voyeur, misántropo, cínico, pornógrafo social, canalla, provocador, pesimista y humanista... estas son las palabras literales con las que se autodefine el polémico austriaco en su propia web, hay que reconocer que no se podría describir mejor. El principal rasgo del cine de Seidl es el extremo realismo de sus escenas y la sordidez habitual de sus temáticas. A partir de aquí, avisados estáis: no estamos ante una película para todos los públicos y menos para todos los gustos. Tomas largas, conversaciones y situaciones de vergüenza ajena, tempo lento y las repeticiones son algunos de sus tics, elementos que pueden acabar irritando a todo aquel que no le apetezca comulgar con el humor negro (consumado como cruel drama) del austriaco. En términos de provocación gratuita (como dirían muchos de sus detractores), Paraiso: Amor es prácticamente un juego de niños al lado de su obra más alabada hasta el momento, Días perros (Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia). Eso sí, las escenas tórridas entre señoras con sobrepeso y morenitos de buen ver están a la orden del día, obviamente todo con la máxima decadencia posible, ¿Quién dijo que encontrar el amor iba a ser un camino de rosas?

El chico del periódico

Título original: The Paperboy
País: Estados Unidos
Director: Lee Daniels
Guión: Peter Dexter, 
Basado en The Paperboy de Peter Dexter
Música: Mario Grigorov
Fotografía: Roberto Schaefer
Reparto: Zac Efron, Matthew McConaughey, Nicole Kidman, John Cusack
Motaje: Joe Klotz

Valoración: 8/10
Web: http://thepaperboy-movie.com/


Ese sucio objeto del deseo

Florida, 1969. Tras ser acusado del asesinato del sheriff local, Hillary Van Vetter espera su condena a muerte en una celda de la prisión de Moat County. Charlotte Bless, una mujer que le ha estado escribiendo cartas de amor, se pone en contacto con la redacción del Miami Times y asegura que su novio es inocente. El periódico envía a dos periodistas: Ward Jansen, originario de Moat County e hijo del director del periódico local, y Yardley Acheman, un reportero negro con mucha ambición. Con la ayuda de Jack, el hermano menor de Ward, realizarán la investigación del caso para poder escribir el reportaje sobre esta turbia historia.

La cantante Macy Gray interpreta a Anita, la empleada del hogar de la familia Jenson que narra la historia de El chico del periódico en retrospectiva. Estamos ante la famosa adaptación de la novela de Pete Dexterm, el que fue proyecto yankee de Almodóvar durante un breve espacio de tiempo. ¿Qué nos hemos encontrado los que no conocíamos la novela? Un sudoroso thriller sureño que armoniza los distintos géneros que trata gracias a las sobresalientes interpretaciones de su reparto. John Cusack da vida al condenado Hillary Van Vetter, por el momento el papel más desagradable y misterioso de su carrera. Matthew McConaughey sigue con el satisfactorio cambio de rumbo en su carrera que podemos apreciar en títulos recientes como Killer Joe o Mud. En esta ocasión encarna sin fisuras al periodista Ward Jansen, uno de los personajes que más interés despierta gracias a sus múltiples aristas. Su hermano, Jack Jansen, el chico del periódico. Han corrido ríos de tinta sobre esta incursión de Zac Efron en busca del "cine serio". Vamos a dejarlo en una imagen: Zac Efron bailando en calzoncillos bajo la lluvia con Nicole Kidman. Ella es Charlotte Bless, excéntrica, extravagante, tierna, experimentada, segura... qué gusto da creerse a Nicole Kidman en un papel después de tanto tiempo.

En la dirección, Lee Daniels se alzó con uno de los mayores linchamientos por parte de la crítica en la 65 edición de Cannes, y es que el tono de El chico del periódico está muy alejado de los estándares que suelen pasar por la Croisette. Esa catastrófica recepción, un estreno muy desapercibido y el supuestamente elevado tono de algunas de sus escenas otorgan a la película la dudosa etiqueta de film polémico. Nada más lejos de la realidad, y puestos a polemizar añadiré que la adaptación de Daniels no tiene nada que envidiarle a grandes títulos del thriller erótico como El cartero siempre llama dos veces, Instinto básico o Femme Fatale. Es cierto que la propuesta poco tiene que ver con la elegancia del cine que se ve en Cannes, pero del desastre que se auguraba desde allí mismo ni rastro. Señores, a veces se hace cine para entretener.

Dejando los esnobismos a un lado, El chico del periódico es un thriller que mantiene la atención de principio a fin sin bajar el nivel en ningún momento. Como si del mismísimo John Waters se tratase, la historia dispone de golpes de humor, suspense, erotismo e incluso se aventura en el terreno del terror en su tramo final. Un drama que te sacude con algunas de sus escenas finales de una dureza brutal y conmovedora que se sitúa entre los estrenos más destacados del año gracias a su acertada ambientación y a ese reparto en estado de gracia permanente. No olviden las instrucciones: olvídense de aquello del cine intelectual, pónganse cómodos y ligeros de ropa, ahora el calor aprieta mucho... ah sí... y recuerden aquello de las apariencias engañan, dentro y fuera de la pantalla.

El Cosmonauta

Título original: The Cosmonaut
Año: 2013
País: España
Dirección: Nicolás Alcalá
Guión: Nicolás Alcalá
Basado en la novela de Henry Pierrot
Intérpretes: Katrine De Candole, Leon Ockenden, Max Wrottesley
Fotografía: Luis Enrique Carrión  
Música: Joan Valent
Montaje: Carlos Serrano Azcona

Valoración: 8/10
Web: http://es.cosmonautexperience.com/
   

El 21 de julio de 1969 Neil Armstrong ponía un pie en la Luna y recitaba la célebre frase de "Es un pequeño paso para el hombre, pero un gran paso para la humanidad". 44 años después, el 18 de mayo de 2013 se estrenaba El cosmonauta, una película ambientada en la Unión Soviética de la carrera espacial, de forma simultánea en cines, televisiones, plataformas VOD y a la venta en DVD y USB. La referencia a Neil Armstrong con la que iniciamos esta crítica puede parecer gratuita y un simple homenaje argumental, pero nada más lejos de la realidad. De la misma forma que la fecha del alunizaje marcó una época, el estreno de El cosmonauta, sin duda alguna marcará un punto de inflexión en la forma de entender la industria del cine.

Esta aventura empezó hace 4 años cuando tres estudiantes de Comunicación Audiovisual decidieron rodar un cortometraje para explicar una historia que les apasionaba. Poco a poco se dieron cuenta de que el material requería algo más que un corto, y en consecuencia algo más que su escaso dinero. Así surgió la idea de cofinanciarlo mediante crowdfunding. A lo largo de estos 4 años estos tres jóvenes aventureros han obrado el milagro de revolucionar la industria del cine gracias a internet para terminar una película que, al margen del nuevo modelo de negocio, tiene sentido por si misma.

El cosmonauta nos acerca a la vida de Stas, Andrei y Yulia, una historia de amistad y amor situada en la soviética Ciudad de las Estrellas en plena carrera espacial. Tras la llegada de Armstrong a la Luna, el Kremlin planeó una misión secreta de ida y vuelta al satélite terrestre para restituir la moral de la nación y demostrar a los americanos que no se daban por vencidos. Gracias a sus aptitudes y especialmente a su amistad con Andrei, Stas será el escogido para realizar el viaje. Su partida afectará de forma muy marcada a Yulia, que se desmoronará ante la ausencia de su gran amigo. Cuando Stas regrese a la Tierra después de pisar la Luna, descubrirá asombrado que todas las personas han desaparecido sin dejar rastro.

Ante un argumento de estas dimensiones, cualquier director novel sin medios hubiese decidido hacer un producto de sci-fi low cost, rodado en interiores, con pocos personajes y evitando cualquier imagen que requiriese efectos especiales. Sin embargo, estos tres pioneros, decidieron realizar el proyecto como creyeron que debía hacerse y se plantaron en Letonia para rodar su historia en los escenarios adecuados. Al final, esta loca aventura se ha saldado con un rodaje en tres países, 120 localizaciones y multitud de aventuras en sus maletas. Al margen de cómo se hizo, lo más importante de una película es el resultado final, y en ese sentido El cosmonauta resulta igual de impresionante que el proceso llevado a cabo entre la concepción de su idea y su estreno.

El cosmonauta está realizada con mucho amor y esto se nota en cada detalle del film. De todas maneras en este mundo no basta con buenas intenciones, y la calidad de El cosmonauta se apoya en gran medida en el talento indiscutible de su equipo. Gracias a esta feliz confluencia de talento y ganas, todos los detalles del film desprenden cariño y savoir faire y el resultado final brilla con luz propia. Las interpretaciones resultan solventes, la música -con ecos de la partitura de Moon firmada por Clint Mansell- se ajusta a las imágenes como un guante y tanto la dirección de arte como los los efectos especiales resultan perfectamente creíbles y profesionales. Pero donde El cosmonauta se hace inmensa es en su fotografía, dirección y especialmente en su lenguaje narrativo. Sus imágenes preciosistas nos recuerdan por momentos a las películas de Malick, Wong Kar-Wai o Tarkovski, aunque El cosmonauta, pese a estas referencias inevitables, destila un sello propio y personal gracias a un montaje dinámico, inteligente y poético. En el aspecto narrativo la historia se va desvelando por partes, como si de un rompecabezas se tratase, ofreciendo siempre un halo de misterio, que se va resolviendo de forma sutil y acertada hasta ese desenlace impecable.

En los años 60 en que se sitúa la acción, muchos niños soñaban con la aventura espacial. La generación de niños de los 90, en cambio, soñaba con con hacer cine. El cosmonauta, al igual que Neil Armstrong hizo con los niños de los 60, ha demostrado a toda una generación que realizar los sueños es posible. Esperemos que este pequeño estreno multiplataforma suponga un gran paso para la cinematografía nacional y su forma de entender tanto la creación como la distribución.

Lo mejor: Además de la nueva forma de entender el cine, sus preciosas imágenes, el montaje y la forma de desvelar la historia

Lo peor: Entendemos los motivos, pero ¿rusos hablando en inglés en una película española?


¿El futuro del cine?

De un tiempo a esta parte la industria y el sector cinematográficos (españoles) parecen haber caído en desgracia. Descargas ilegales, subidas de IVA, crisis económica y un sinfín de motivos han debilitado a un sector anquilosado y abotargado que se ha demostrado incapaz de encontrar soluciones a sus problemas y que está más preocupado por justificarse mediante excusas y culpables que por mejorar una situación cada vez más precaria. El Cosmonauta ha irrumpido en este escenario tan desalentador para dinamitar algunas de las reglas más asentadas e inmóviles del sector, demostrando que Internet no es el problema y que incluso puede ser la solución.

Nicolás Alcalá, Bruno Teixidor y Carola Rodríguez, que ahora tienen entre 26 y 27 años, se conocieron en la Universidad en Madrid cuando estudiaban Comunicación Audiovisual. Sus ganas por contar una historia les hicieron embarcarse en un proyecto de 4 años que ha visto la luz gracias al crowdfunding, el micromecenazgo que permite a cualquiera convertirse en "productor" de una película desde una aportación mínima. De esta forma, el espectador paga por lo que quiere ver y los creadores van tomando el pulso a la audiencia desde el mismo inicio en un proceso de diálogo constante.

Los productores

Es evidente que una aventura de estas dimensiones, desarrollada a lo largo de 4 años ha tenido momentos complicados en que parecía que el viaje no iba a llegar a su fin. El ejemplo más claro fue la campaña "Save the cosmonaut" que pretendía recaudar los 40.000 euros necesarios para seguir con el rodaje después de que un inversor ruso cancelase su participación de 120.000 euros. De forma sorprendente, no solo lograron la cifra que esperaban sino que consiguieron recaudar 130.000 euros en tan solo 3 días. En conjunto, más de 4500 mecenas entre inversores y productores, involucrados en todos los pasos del proceso, han logrado vencer todos los obstáculos convirtiendo al proyecto en el primero en recaudación en España y el quinto a nivel mundial. La película, que también ha contado con ayuda pública, ha costado en total 860.000 euros.

Transmedia
   

Además del crowfunding, otra de las innovaciones de El cosmonauta es el transmedia, es decir, todos los contenidos adicionales que hay alrededor del proyecto y que permiten al espectador tener una experiencia más completa y rica. El proyecto, además del film, cuenta con 32 piezas de diversa duración que pueden verse por separado y en el orden deseado y que matizan o revelan partes complementarias a la historia. Estos cortos se pueden disfrutar en la misma web de El cosmonauta, un sitio que ha ganado un premio de la UE a la innovación.

Por si esto no fuese suficiente, este ambicioso proyecto se complementa con un libro, un mockumentary y un juego promocional que tuvo lugar en Facebook. Para los más atrevidos, en la web podéis encontrar, además de los dos guiones (original y de montaje), 140 horas de vídeo en HD bajo licencia Creative Commons para que uséis libremente en vuestros proyectos o rehagáis la película a vuestro antojo.

Estreno y difusión

El estreno de El cosmonauta ha supuesto un hito en la difusión española ya que por primera vez ha existido un día común de estreno en todas las plataformas: cine, VOD, DVD y TV. Todos los que queráis podéis verla gratis en la propia web de la película o podéis organizar proyecciones en cines de vuestras ciudades.

Coincidiendo con el estreno, el equipo estuvo presente en Barcelona donde, además de poder disfrutar de la película en pantalla grande, el equipo respondió a las preguntas de la audiencia, sorteó el traje de El cosmonauta entre los crowdfunders y cerró el evento con una fiesta que tuvo lugar, como no podía ser de otra manera teniendo en cuenta el trasfondo de la carrera especial, en la sala Apolo.

¿Y ahora qué?

Suponemos que nuestros tres aventureros nos irán informando de sus nuevos proyectos a través de la web de su productora, Riot Cinema.

Para los crowdfunders, tanto los que participaron en el proyecto como los que han llegado tarde, los retos siguen. Podéis bucear en las dos principales web de crowdfunding españolas (Verkami o Lánzanos) para buscar un proyecto en el que os apetezca invertir.

¡Esto es solo el principio!

La caza

Título original: Jagten
Año: 2012
País: Dinamarca
Director: Thomas Vinterberg
Guión: Tobias Lindholm y Thomas Vinterberg
Intérpretes: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen y Annika Wedderkopp
Música: Nikolaj Egelund
Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
Montaje: Janus Billeskov Jansen y Anne Østerud

Valoración: 6/10
Web: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=286

Thomas Vinterberg y Lars von Trier fueron los artífices del movimiento Dogma 95. Entre sus reglas, expuestas en un decálogo, destacan la obligación de filmar sin iluminación y con cámara en mano o la prohibición del uso de música ajena a la acción. Partiendo de esas premisas abogaban por una reformulación del cine en clave realista con la intención de alejarlo de los elevados presupuestos y hacerlo accesible a los nuevos talentos. La primera película Dogma fue Celebración, del propio Vinterberg, una película que sentó las bases de un determinado tipo de cine y por la que muchos aún sentimos verdadera devoción.

La caza, su nuevo trabajo, presenta muchos puntos en común con Celebración, aunque sin llegar a sus cotas de calidad ni cumplir las estrictas directrices del movimiento que lo dio a conocer y del que actualmente reniega. A simple vista encontramos similitudes formales como el uso de cámara en mano o la factura realista, pero si analizamos con detenimiento veremos que en esta ocasión la cámara arriesga menos y se encuentra siempre en puntos convencionales, no como en Celebración donde se situaba en los rincones más inesperados. A nivel formal también detectamos el uso de iluminación artificial o de banda sonora, aunque de forma sutil y prácticamente imperceptible, sin artificios. Por si las cuestiones formales no fuesen suficientes para este juego de las 7 diferencias, el escenario de La caza rememora al de Celebración, un microcosmos rural donde todos se conocen y que imposibilita los secretos.

Es en la cuestión argumental donde se enlazan y separan de forma más marcada. Ambas tratan el tema de la pederastia, pero si en Celebración el abuso está confirmado, aquí en ningún momento tenemos la certeza de que haya existido. El relato de una niña alerta a una población muy creyente que ve indicios inequívocos donde no los hay y condena sin fundamento a un profesor de guardería llegando incluso a la violencia contra el presunto culpable. Así todo gira en torno al estigma del presunto pederasta y no en torno a la capacidad de perdón y superación de la víctima como ocurría en Celebración, donde los lazos familiares complicaban el vacío que aplica esta comunidad.

Pese a un argumento sencillo, Vinterberg juega muy bien sus cartas, especialmente la psicológica y sigue ofreciendo escenas sobrecogedoras como en Celebración, además de jugar con el espectador. Después de convencerlo de la inexistencia del delito, siembra la duda, apuntando posibles culpables y situando al espectador al nivel de los habitantes del pueblo, que buscan culpables sin tener claro que haya un delito. Pero todo tiene un límite y aunque ese juego psicológico que realiza está bien resuelto, las cuestiones éticas que se desprenden de él distan mucho de las de Celebración o de las que requiere un tema tan escabroso reduciendo así el conjunto a un espectáculo circense, más cercano al exploit que a al cine de autor.

Los amantes pasajeros

Título original: Los amantes pasajeros
Año: 2013
Pais: España
Director: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar
Intérpretes: Javier Cámara, Raul Arévalo y Carlos Areces
Fotografía: José Luis Alcaine
Música: Alberto Iglesias
Montaje: José Salcedo

Web: www.losamantespasajeros.com/
Valoración: 6/10


Un descarado fuera de campo

El vuelo Chavela Blanca de la compañía Península despega de Madrid con destino a México D.F. Un error humano le impedirá aterrizar con normalidad y el avión se verá obligado a dar vueltas por el espacio aéreo español en busca de una pista libre donde tomar tierra de forma segura. La escena del aterrizaje forzoso nunca la veremos, un descarado fuera de campo muestra imágenes del aeropuerto vacío mientras escuchamos el ruido del avión entrando en pista. Pedro Almodóvar, además de ahorrase un dineral evitando filmar un aterrizaje innecesario, nos muestra así que el verdadero protagonista de Los amantes pasajeros, es otro fuera de campo, la crisis.

La escasez de presupuesto se refleja claramente en cada uno de los planos de la película. Los amantes pasajeros está rodada prácticamente de forma íntegra en un estudio que simula los distintos espacios del avión. Almodóvar demuestra una vez más su capacidad sobresaliente para filmar los espacios reducidos, la cabina, primera y segunda clase, sin tener en cuenta los lavabos, otro fuera de campo. Pero la crisis no solo se palpa en las costuras del film, también se hace presente en los retazos de su argumento: desde las noticias que lee el piloto en la prensa hasta la omnipresente especulación aeroportuaria, sin olvidarnos por supuesto de los chanchullos políticos. Es en esta línea dónde Almodóvar, una vez más, vuelve a dejar al margen a los pasajeros regulares del vuelo y centra todo el peso del film en la primera clase: personajes ricos, aislados de la clase media, despojados de todo contacto con la realidad, ajenos al mundo exterior y alejados de la hiperconectividad que gobierna nuestras vidas. De esta manera se verán obligados a ser ellos mismos, afrontando así la segunda gran crisis que nos ha tocado vivir, la moral.

Como suele ser habitual en la filmografía de Almodóvar, Los amantes pasajeros centra todo su peso en los personajes, construyendo sobre ellos una comedia coral e irreal. Además de los cameos de los amigos y habituales de su cine (Penélope Cruz, Antonio Banderas, Carmen Machi, Paz Vega o el propio Agustín Almodóvar), podemos disfrutar de grandes interpretaciones entre las que destacan Cecilia Roth, Lola Dueñas y especialmente los tres azafatos con más pluma de la historia, interpretados de forma hilarante por Javier Cámara, Raúl Arévalo y Carlos Areces. Los tres brillan con luz propia a lo largo de todo el metraje con varios momentos de gloria que cristalizan en la escena musical petarda donde cantan I'm so excited.

Si decidimos hacer el mismo ejercicio que nos propone Almodóvar con su aterrizaje fuera de campo, es decir, alejar el foco de su última película para revisitar su obra inicial, veremos que Los amantes pasajeros es un regreso a sus orígenes. Almodóvar vuelve a la comedia loca, a la pluma, al cabaret y al cachondeo, a sus personajes simples, a los números musicales y al “caca, culo, pedo, pis” aparcando temporalmente su etapa más seria de alto calado que le ha llevado a ser un nombre habitual en los festivales más prestigiosos de cine. Y no es casual que vuelva ahora de repente. Parece que el manchego se ha propuesto encontrar esa parte de nuestra personalidad que ha quedado fuera de plano hace tiempo, la risa. Además vuelve a usar el petardeo como arma reivindicativa, de la misma forma que en la época de la movida, donde sus películas eran un grito contracultural travestido de obra menor y comedia ligera. Como sus protagonistas que ante una situación dramática deciden darse a la bebida, las drogas y el sexo loco, Almodóvar ante la situación actual española (en la que nada cambia a mejor), nos aconseja que nos riamos y afrontemos nuestros propios miedos desde el humor. Un humor de trazo grueso aplicable a nuestro día a día para plantar cara a la omnipresente crisis que sobrevuela nuestro país sin parar de dar vueltas, como el avión de Los amantes pasajeros.

Lincoln encadenado

Ya se han acabado los Oscar y tras la resaca de los premios y la gala, comparativas, críticas para Seth MacFarlane o análisis de vestidos, nosotros rescatamos una comparativa que nos había quedado en el tintero entre las dos cintas nominadas a película que consiguieron dos estatuíllas: los trabajos de Steven Spielberg y Quentin Tarantino, que de forma sorprendente presentan un elemento central común: la abolición de la esclavitud con dos visiones muy diferentes sobre el mismo tema.

Steven Spielberg ha realizado con Lincoln un cuidado ejercicio de clase de historia. Y es que la película es poco más que una tesis academicista y se reduce al notable ensayo de un alumno aventajado sobre la importancia capital del presidente norteamericano durante el proceso antiesclavista. En su afán por realizar una obra magna que limpie las aristas del político y que sea un ejemplo a seguir en el campo del biopic histórico, el que otrora fuera Rey Midas de Hollywood nos ofrece una película sin alma, donde los datos se agolpan de tal manera que solo sus compañeros de clase, iniciados en ese episodio de su historia nacional, serán capaces de seguir sin perder el hilo. A pesar de algunos aciertos en su guión como la compra de votos entre las bancadas republicana y demócrata, mostrando que la corrupción es tan antigua como la propia política, Spielberg se dedica a reproducir todos los elementos que se esperan de este tipo de film. En este sentido, y pese a tratar la temática de la libertad, el propio director se ve aquí esclavizado por el yugo de la historia y del formato clásico; paradójicamente tan encorsetado como el corsé de Scarlett, aquel que Mammy, la esclava más célebre del séptimo arte, ceñía en Lo que el viento se llevó.

En contraposición con Spielberg, el siempre personal Quentin Tarantino nos ofrece un relato mucho más libre, ya desde su premisa inicial centrada en un personaje ficticio en lugar de un icono universal. En Django desencadenado el autor de Pulp Fiction parece lastrado por algunas características de su particular estilo, pero en realidad parte de sus elementos habituales para seguir avanzando por esa senda autoconstruida que es su sello propio. Un estilo donde radica esa misma libertad transgresora que se ha convertido en identidad propia, original y creativa y que nada tiene que ver con la esclavitud formal y narrativa que limita la creatividad de Spielberg en Lincoln. En lo que parece un guiño a esos esclavos de las plantaciones que miraban con añoranza hacia sus orígenes africanos, Tarantino lanza su mirada hacia los orígenes italianos de su padre y nos ofrece un spaghetti western en toda regla. Pero el bueno de Tarantino va más allá, y además de ofrecernos su visión personal sobre otro género de culto, se permite la libertad de trufar la cinta con luchas de mandingos, litros de sangre y hasta una escena final más propia del cine de John Woo que del estilo de Sergio Leone.

Como los protagonistas de sus películas, los dos directores viven acomodados en la sociedad del poder (cinematográfico) pero abogan por la libertad desde los inicios de sus carreras. De todas maneras y pese a la revolución cinematográfica que supuso cada uno de ellos en sus respectivas épocas, en la actualidad ambos han perdido frescura y valentía. Spileberg, de la misma forma que el propio Lincoln, parece albergar dudas sobre dónde le llevaría esa libertad en caso de permitírsela y decide no arriesgar. En cambio Tarantino, al igual que el personaje interpretado por Christoph Waltz, llega a un punto en que decide auto inmolarse y reinventar sobre la marcha tanto la película como su propio estilo personal, con los defectos que puede cometer el que arriesga, pero con todos los aciertos de quien sabe que apuesta por el mandingo ganador.

Searching for sugar man

Título original: Searching for Sugar Man
Año: 2012
País: Suecia
Dirección: Malik Bendjelloul
Guión: Malik Bendjelloul
Intérpretes: Documental
Fotografía: Camilla Skagerström
Música: Sixto Rodríguez
Montaje: Malik Bendjelloul

Valoración: 8/10
Web: http://www.sugarman.org/

Sugar man, won't you hurry

'cos i'm tired of these scenes

For a blue coin won't you bring back

All those colors to my dreams.

Silver magic ships you carry

Jumpers, coke, sweet mary jane

¿Estáis preparados para escuchar una de las historias más apasionantes que hayáis oído jamás? Mejor no cuento mucho, así podéis participar en la fascinante investigación que nos propone Searching for sugar man. Como su título indica, el documental traza una búsqueda, la del desaparecido cantautor Sixto Rodríguez, apodado como Rodríguez, que grabó dos álbumes en los años 70. La carrera profesional de Rodríguez en Estados Unidos fue un fracaso absoluto y según la rumorología un día después de un desastroso concierto el cantante decidió suicidarse encima del escenario. Pero, ¿Quién estaría interesado en  descubrir la historia de este looser si es un completo desconocido en América?

Searching for sugar man consta de dos partes. En la primera nos sumergimos en la investigación en torno a la enigmática figura de Sixto Rodríguez. Como si de un mito se tratara, el documental nos invita a reflexionar en torno a los factores que influyen en el éxito llegando a la conclusión de que en muchas ocasiones el éxito apabullante se encuentra a escasos milímetros del fracaso estrepitoso según el contexto catalizador socio-político de la época. Esta búsqueda se destapa como un brillante ejercicio narrativo que nos atrapa en su misterio mientras disfrutamos de la música que dejó Rodríguez, nuestro particular Bob Dylan anónimo. Todo entramado tiene una solución y es así como empieza la segunda parte de la película: una historia llena de ilusión y fuertes emociones que demuestra que la magia también existe en la vida real.

Searching for sugar man fue la vencedora del pasado In-Edit Beefeter Festival, pero sus logros no se quedan aquí. El palmarés de este aclamado documental incluye un premio del público en Sundance, un BAFTA a mejor documental y mucha atención a su actual nominación al Oscar. No es de extrañar, todo aquel que descubre la vida de Sixto Rodríguez termina por emocionarse. Como si de una cenicienta postmoderna se tratara, los valores de este superhéroe han entrado en nuestras vidas gracias a este magistral documento que se adentra en los secretos del alma humana y su banda sonora.

Estreno en cines el próximo viernes 22 de febrero

Lo mejor: Emocionarse con la historia de Sixto Rodríguez
Lo peor: No haberla visto aún, el riesgo de spoiler es cada vez mayor

La noche más oscura (Zero Dark Thirty)

Título original: Zero Dark Thirty
Año: 2012
País: USA
Dirección: Kathryn Bigelow
Guión: Mark Boal
Intérpretes: Jessica Chastain, Joel Edgerton, Taylor Kinney
Música: Alexander Desplat
Fotografía: Greig Fraser
Montaje: William Goldenberg y Dylan Tichenor

Web: http://www.zerodarkthirty-movie.com/
Valoración: 9/10


Zero Dark Thirty: las 00:30 de la madrugada del 1 de mayo de 2011, la noche que el comando SEAL de los marines de los Estados Unidos se hizo con la residencia de Bin Laden en Pakistán, dando así caza y captura al hombre más buscado de la historia. Zero Dark Thirty nos acerca a esa desesperada investigación que se remonta al 11 de septiembre de 2001, el día que cambio la historia.

Kathryn Bigelow vuelve a la actualidad. Tras su incursión en la guerra de Irak con la aclamada y oscarizada En tierra hostil se adentra en las profundidades del núcleo duro de la CIA. Jessica Chastain interpreta a Maya, la joven investigadora que conforme pasan los años y los fracasos hace de la obsesión su forma de vida. La que fue la noche más oscura viene antecedida por casi diez años de investigaciones, repletos de falsas pistas, torturas, trampas, callejones sin salida y espejismos varios. Una década entre dos gobiernos, dos posturas que difieren en materia de derechos humanos (tema omnipresente en la prensa) y la paradoja que se desprende de sus resultados. Obviamente todo basado en hechos reales.

Zero Dark Thirty no solo es una película de espionaje, el profundo dolor de un pueblo se palpa en Chastain y su magistral interpretación. Un montaje dinámico con un trepidante sentido del ritmo mantiene en vilo al espectador de forma creciente a medida que avanza su generoso metraje (157 minutos), que en ningún momento se hace largo. Todo gracias a un guion asequible y honesto ambientado con la acertada partitura del omnipresente Alexander Desplat. El colofón final del filme es la noche del ataque, la noche más oscura. La sobresaliente representación de esa operación secreta de máximo riesgo, confirma a Bigelow como una de las mejores directoras del cine de acción actual gracias a sus altas dosis de suspense contenido.

Muy desconcertante ha sido la no incursión de Kathryn Bigelow entre los nominados al Oscar a mejor dirección, tal vez esa noche se vaya de copas con Ben Affleck. A pesar de ello La noche más oscura aspira a 5 estatuillas y en la pasada ceremonia de los Globos de Oro, Jessica Chastain consiguió el premio a la mejor actriz dramática. Como suele pasar con este tipo de películas, la polémica también ha estado muy presente en los medios y parece ser que el congreso de los Estados Unidos y la CIA están investigando las fuentes de la película, en teoría por su asombrosa capacidad de detalle y veracidad. Tal vez se trate de una campaña de marketing, tal vez no, el caso es que la conjunción de espionaje, política y acción está de moda. La solvencia de series como 24, Homeland o Carlos y películas de la talla de El topo o Argo (su rival en los Oscar) confirman el buen estado de salud del género en la actualidad. No lo dudéis, si os gusta el cine de investigación y acción, serio, objetivo y sin americadas, La noche más oscura (Zero Dark Thirty) es vuestra película, la historia vista en directo.    

Lo mejor: Jessica Chastain
Lo peor: Hay que reconocer que no es una propuesta muy original

Django desencadenado

Título original: Django unchained
Año: 2012
País: USA
Dirección: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Intérpretes: Christoph Waltz, Jamie Foxx y Leonardo DiCaprio
Fotografía: Robert Richardson
Montaje: Fred Raskin

Web: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/Django_Desencadenado/site/
Valoración: 7/10

Un grupo del Ku Klux Klan se dispone para una de sus cacerías. En esta ocasión su objetivo es Django, un negro libre que trabaja como cazarecompensas matando a blancos corruptos en nombre de la justicia. Justo antes de iniciar la persecución, el cabecilla comprueba que es incapaz de ver a través de los agujeros de su capucha. Esto provoca un delirante debate entre los miembros del KKK sobre si atacar a cara descubierta o encapuchados. Tras la discusión inician la cacería que terminará con una explosión de violencia y el asesinato del líder a manos de Django, filmado con ese estilo entre salvaje y poético a cámara lenta tan característico de Quentin Tarantino. Esta escena resume, no solo el estilo del autor de Pulp Fiction sino lo que encontraremos en Django Unchained: diálogos inverosímiles pero cargados de realismo y humor negro, puntos de vista sorprendentes sobre la realidad, la justicia, la venganza y especialmente la violencia, esa que Tarantino siempre domina y que maneja con tanta soltura.

Tarantino sigue la senda de cine histórico iniciada con su anterior película, la irregular Malditos bastardos, y recupera lo que fue con casi toda seguridad su mayor acierto, Christoph Waltz. El actor austríaco vuelve a ofrecernos un papel brillante, demostrando que se ha convertido en uno de los intérpretes más interesantes del momento. Junto a él, su inseparable Django, interpretado por Jamie Foxx, que pese a la solvencia de su interpretación queda siempre en segundo plano al lado de Waltz. Frente a ellos encontramos a Leonardo DiCaprio en un curioso y arriesgado papel, al que los excesos interpretativos y de maquillaje dejan más cerca de la escena teatral que de un papel cinematográfico. Completan el reparto un irreconocible Samuel L. Jackson y Don Johnson como cabecilla del KKK, demostrando de nuevo la obsesión del de Knoxville por recuperar a viejas glorias que marcaron época y que el tiempo ha cubierto de caspa.

Después de revisitar y reinventar el cine de gangsters (Reservoir dogs y Pulp Fiction), el blaxploitation (Jackie Brown), las cintas de artes marciales (Kill Bill), el grindhouse (Death proof) y el cine bélico (Malditos bastardos), le llega el turno al spaghetti western. Además del claro homenaje al Django de Sergio Corbucci (1966), una de las cintas más reivindicadas por Tarantino y de la que "calcó" la mítica escena de la oreja de Reservoir dogs, el que fuera enfant terrible del cine indie yankee repite los elementos quintaesenciales del género pero dándoles una vuelta de tuerca marca de la casa, y le añade así elementos que van desde las peleas de mandingos hasta una escena final más propia de John Woo que de las cintas de Sergio Leone.

Después de dos películas que parecían indicar que la fórmula magistral que lo llevó al estrellato entraba en decadencia y repetición, Tarantino remonta el vuelo y nos ofrece su mejor película desde Kill Bill. Aquí encontramos de nuevo todos sus rasgos característicos, tanto argumentales como de ritmo y el uso de la música, pero con frescura, nuevas ideas y por primera vez, un mensaje claro y complejo, un alegato anti-racista. Lo único que empaña la propuesta es su excesivo metraje, que termina por cansar en su segunda mitad, donde se sitúa la trama, y que queda muy por debajo de la primera hora y media. Con Django desencadenado recuperamos al mejor Tarantino, ése autor excesivo e irónico capaz de provocarnos, sorprendernos y reinventar, no solo géneros sino imágenes tan icónicas y de una sola lectura como una capucha del KKK.

Lo mejor: Christoph Waltz
Lo peor: Su excesivo metraje, con alguna escena alargada
 

10 recomendaciones cinéfilas para empezar el 2013

¿Como habéis tenido la entrada al año nuevo? Esperamos que haya sido muy buena. Nosotros tras los ránkings del 2012 os traemos una lista de 10 recomendaciones para este 2013 que acaba de empezar. Estrenos que ya hemos visto y os recomendamos para empezar el año con el mejor cine, la mayoría de ellos inminentes. Seguro que muchos de los títulos ya os los esperabais. A ver qué os parecen.

Blue Valentine de Derek Cianfrance
Fecha de estreno por determinar

Con dos años de retraso llega a nuestras pantallas este notable drama romántico. Ryan Gosling y Michelle Williams interpretan a una pareja que está empezando a desmoronarse. Intentando salvar la relación, él propone pasar una noche en un hotel temático, donde eligen la “habitación del futuro”. A partir del futuro, se narra la historia de la pareja desde el momento de su encuentro hasta la irremediable crisis de su matrimonio.

The master de Paul Thomas Anderson
Fecha de estreno: 4 de enero

La primera hora de The master brilla con luz propia. La abstracta partitura de Jonny Greenwood se acopla a la perfección al desarrollo narrativo a través de una fotografía que emula a los grandes clásicos al más puro estilo Hitchcock. En esa primera parte es cuando hay que reconocer que Paul Thomas Anderson se ha convertido en tan solo 15 años en el mejor director de cine clásico de la actualidad. El Joaquin Phoenix primitivo y animal se contrapone a la razón y temple de Seymour Hoffman en dos soberbias interpretaciones dependientes una de la otra. También hay que destacar la interpretación de Amy Adams (The fighter), una pieza imprescindible en esa pugna por la autoridad.

Amor de Michael Haneke
Fecha de estreno: 11 de enero

Con la dureza que habitualmente le caracteriza, Haneke deja de lado la sutilidad que demostró en su anterior película, La cinta blanca, para ofrecer una visión directa sobre el fin del amor. Formalmente Amour es muy sencilla y su estructura es metódica como si de una partitura de Schubert se tratara. Los intérpretes de la partitura, es decir, Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, realizan un trabajo actoral impresionante, sin duda lo más destacado de la cinta. Haneke firma un retrato del amor y del dolor desde una perspectiva conmovedora y sensible, la vida en el más amplio sentido del término.

Tabú de Miguel Gomes
Fecha de estreno: 18 de enero

A través de dos historias de ficción, Migues Gomes reflexiona sobre el cine desde sus orígenes hasta nuestros días. En la primera parte, una mujer mayor vive intentado recuperar algunas de las cosas más importantes que ha perdido a lo largo de los años, en un claro paralelismo con el cine actual. En la segunda parte asistimos a una historia de amor prohibido en África, ambientada en el pasado y en la que no podemos oír a sus protagonistas, como en los primeros films silentes, donde todo era más arriesgado y emocionante. Un ejercicio metafílmico precioso que no se queda en un simple homenaje al cine sino que también nos llega al corazón.

Bestias del sur salvaje de Benh Zeitlin
Fecha de estreno: 25 de enero

Viendo Bestias del sur salvaje no es de extrañar que sea una de las sensaciones de la temporada. Esta cinta independiente nos cuenta la historia de Hushpuppy, una niña de seis años que vive con su padre al sur del dique construido para separar la civilización de las zonas que quedarán anegadas tras el deshielo polar. La pequeña comunidad sureña donde vive, con evidentes referencias al New Orleans del Katrina, ha dado la espalda al frenetismo del primer mundo y está más preocupada por vivir al día y disfrutar del momento ante el peligro que los acecha. En este mundo preapocalíptico con tintes distópicos, el universo depende de que cada pieza encaje en su lugar, algo que la película logra en casi todo su metraje.

Érase una vez en Anatolia de Nuri Bilge Ceylan
Fecha de estreno: 25 de enero

El cineasta turco Nuri Bilge Ceylan se alzó con el premio especial del jurado en Cannes por esta película. Eráse una vez en Anatolia, un homicidio tras una borrachera, la búsqueda del cuerpo durante casi 24 horas en medio de la estepa turca con el jefe de la policía, un médico, el fiscal, los militares y el propio asesino de la víctima. Durante la extenuante búsqueda iremos conociendo a sus protagonistas, sus historias que giran en torno a mujeres, secretos custodiados e intrigas por resolver. Érase una vez en Anatolia es una película que se cuece a fuego lento en medio de una atmósfera melancólica que parece envolver el destino de sus personajes.

Proyecto Nim de James Marsh
Fecha de estreno: 25 de enero

En 2009 James Marsh fascinó al mundo con la sobresaliente Man on wire por la que se alzó con el Oscar al mejor documental. Ahora regresa con esta cinta de no ficción sobre el experimento Nim. En los años 70 unos científicos decidieron criar a un simio como si fuese una persona para descubrir hasta que punto podían humanizarlo, enseñándole a comunicarse con frases completas o a vestirse. Este documental triste y crudo pero con momentos entrañables y toques de humor, bien narrado y con buen ritmo, además de acercarnos al experimento de Nim, nos invita a la reflexión sobre muchos más temas importantes.

NO de Pablo Larraín
Fecha de estreno: 8 de febrero

NO o lo que vendría a ser Adiós, Mr. Pinochet fue una de las mejores sorpresas del pasado Festival de San Sebastián. La clave de su éxito es innovar en su narración y aportar optimismo y humor con buen talante. Al igual que sus protagonistas que deciden no utilizar el dramatismo en su campaña en favor de la creatividad, Larraín prescinde totalmente del tremendismo de los crímenes de la dictadura alejando así al filme del thriller político convencional. Filmada en formato casi cuadrado 4:3 y a través de cámaras de vídeo analógicas, obteniendo así una integración perfecta con las imágenes de archivo de la época. El resultado son imágenes idénticas a las que se rodaron en los ochenta que ofrecen sin suturas una narración perfectamente lineal y muy sólida.

Spring Breakers de Harmony Korine
Fecha de estreno: 1 de marzo

Este delirio de factura MTV con una fotografía llena de neones y fosforescencias extremas, nos presenta la visión particular de Korine del sueño americano actual de trasfondo decadente. La superficialidad de sus imágenes y sus fiestas nos presenta a una generación Britney carente de valores. Cuando parece que la película va a desplomarse en su propia rutina fiestera, aparece James Franco y su excéntrico personaje que llena de grandes dosis de humor y fuertes emociones la triste experiencia playera sus cuatro jóvenes protagonistas. La guinda del pastel y otro de los reclamos de Spring breakers es el paso al reverso oscuro de varias de las estrellas del Disney Channel como Vanessa Hudgens o Selena Gomez, novia de Justin Bieber en la actualidad. Lo mejor: dejarse llevar por esta hilarante experiencia audiovisual y disfrutar con ironía de su patetismo generacional.

En otro país de Hong Sang-soo
Fecha de estreno por determinar

Parece que la última película del particular autor coreano Hong Sang-soo va a ver su estreno en nuestro país. Con la participación de la estupenda Isabelle Huppert, En otro país nos presenta como suele ser habitual en su filmografía, una historia de historias. Una joven empieza a escribir un guión para un cortometraje que tiene como protagonistas a tres mujeres llamadas Anne. Las tres llegan a Mohang y allí reciben la ayuda de la dueña del motel donde se hospedan y la de un socorrista que vagabundea por la playa. Un ejercicio de sutilidad y diversión que se suma a la oferta del mejor cine de autor actual.