Air doll

Título original: Kûki ningyô

Año: 2009
País: Japón
Dirección: Hirokazu Koreeda
Guión: Hirokazu Koreeda
Intérpretes: Arata, Du-na Bae, Sumiko Fuji
Fotografía: Pin Bing Lee
Música: World's End Girlfriend
Montaje: Hirokazu Koreeda

Valoración: 8/10
Web: http://www.kuuki-ningyo.com/index.html

- Dime, ¿has oido hablar de un insecto llamado efímera? Ese insecto muere un día o dos después de dar a luz. Tiene el cuerpo vacío, no tiene ni estómago ni intestinos.En su interior solamente tiene huevos. Es una criatura nacida sólo para dar a luz. Los seres humanos no somos muy diferentes, nada tiene sentido.

 - Yo también estoy vacía.

- Que coincidencia, a mi me pasa lo mismo, estoy vacío.

- ¿Cree qué habrá más como nosotros?

- Hoy en día, todo el mundo está vacío.

- ¿Tódo el mundo?

- Sí, sobre todo las personas que viven en ciudades como esta. No eres la única.

- Oye, ¿conoces alguna poesía?

- ¿Poesía?

- ¿No conoces ninguna poesía? Ahh, no importa. La vida está…

- La vida está…

- A ver, la vida está…

- A ver, la vida está…

Al parecer la vida está construida de tal forma, que nadie puede llenarla sola. A las flores no les basta con tener pistilos y estambres, y un insecto o la brisa deben introducir el pistilo en el estambre. La vida es igual, contiene su propio vacio que sólo otro puede llenar.

Al parecer el mundo es la suma de esos otros. Y sin embargo no sabemos ni nos dicen que nos complementamos mutuamente. Vivimos de forma desperdigada ignorándonos unos a otros. A veces nos permitimos encontrar desagradable la presencia del otro. ¿Por qué esta construido el mundo de un modo tan desordenado?

Un tábano, bañado de luz, se acerca volando a una pequeña flor. Yo también he podido ser, sin saberlo, el tábano de alguien. Quizás tú también, has sido mi brisa…

Un hombre solitario de mediana edad vive en un modesto piso en Tokio con la única compañía de una muñeca hinchable. Además de tener relaciones sexuales con la muñeca, su amo le habla, la cuida, la baña y la trata como si se tratase de su misma pareja.  Un día la muñeca se despierta y cobra vida, es entonces cuando decide salir más allá de las cuatro paredes en las que habita para descubrir los secretos que esconde la vida. Una vez fuera, ese “objeto” con corazón y forma de muñeca intentará comprender el comportamiento humano dándose cuenta de lo difícil que resulta encajar en un mundo que no se entiende.

Muy pocos minutos hacen falta para darse cuenta que Air doll no es la película sórdida que se puede esperar tras su planteamiento inicial. Detrás de esa fina capa underground inicial se descubre una de las películas más existencialistas del cine nipón actual. Durante el extenso paseo de su inocente protagonista, iremos en busca de la esencia de la vida, la muerte y la soledad en ese escenario hostil al que llamamos realidad.

El detallismo de Hirokazu Horeeda y su sensibilidad narrativa vuelven a ofrecernos una historia muy humana capaz de emocionar a través de la extravagancia y la poesía visual. Además hay que añadir una preciosa banda sonora de parte de World's End Girlfriend (proyecto musical de Katsuhiko Maeda, quien mezcla elementos de la música electrónica, música clásica, y post-rock para crear un estilo único) que aporta sobradamente inocencia, belleza y sensibilidad a esta curiosa historia. Otro de los grandes aciertos de Air doll es su omnipresente actriz protagonista, la coreana Bae Du-na (The Host) que ofrece una interpretación exquisita llena de matices y capaz de mostrar con muy pocas palabras sus sentimientos en todo momento.

Hirokazu Kore-eda se está convirtiendo en un director imprescindible para todos aquellos amantes de las historias de sentimientos llenas de matices. Su ritmo lento y delicado, sus películas con un metraje extenso y su capacidad de emocionar queda patente en películas como Nadie sabe, Still walking o incluso la reciente Kiseki. En Air doll nos vuelve a enseñar la mejor y la peor cara de la condición humana, una sociedad desgastada y desconocida para todos los que la intentamos entender.

Lo mejor: La primera hora de película es un espectáculo.
Lo peor: Una vez más, puede dar la sensación que a Koreeda le cuesta terminar sus películas.

El cine que no se ve

Sumidos ya en plena carrera por el Oscar, una gran cantidad de suculentos títulos se agolpan estos días en nuestra cartelera para ofrecernos las que serán las mejores películas del año. Entre todos esos estrenos encontramos joyas de la talla de Argo,  una historia de cine dentro del cine que se nutre de los grandes directores del thriller de la década de los 70 a la vez que ofrece buenas dosis de suspense y tensión sin tregua. El tsunami de Lo imposible sigue sumando adeptos y ya ha entrado en el tercer lugar del podio de las películas con más recaudación de la historia. Este año tenemos la suerte de disponer de una nueva entrega de las aventuras del agente secreto más conocido del mundo. Sí, estamos hablando de James Bond y Skyfall que está consiguiendo unas críticas excelentes. A los amantes de la ciencia ficción hay que recordarles que Looper sigue en cartelera por si quieren disfrutar de una película de saltos temporales con acertadas concesiones al mejor cine de acción. Finalmente, los amantes del cine de autor más exigentes disponen del exquisito ejercicio narrativo de ficciones superpuestas de En la casa o del retrato tragicómico del microcosmos napolitano de Reality, ambas llegan con el aval de los festivales de cine más prestigiosos.

Lo imposible

Mucho se va a hablar de todas estas grandes películas y es por ello que siguiendo la estela del post que publicamos este verano hemos decidido hacer una nueva entrega de El cine que no se ve. Un repaso a los títulos más interesantes y de menor alcance que consiguen llegar a la cartelera. Propuestas menores que destacan por su calidad media, merecedoras de su visionado en una sala de cine a pesar de los problemas de distribución. ¡Vamos allá!

Empezamos con una propuesta de lujo: El profesor (Detachment). El realizador Tony Kaye, responsable de la aclamada American history X, nos acerca a la problemática del sistema educativo en los Estados Unidos. Violencia en las aulas, bullying, maltrato psicológico al profesorado, ausencia de valores generacional e incluso prostitución infantil se dan lugar en la película con un realismo estremecedor en la difícil búsqueda de un mensaje de optimismo. Esta avalancha de realismo sin piedad se construye gracias a la excelente interpretación de Adrien Brody acompañado de un elenco de secundarios en perfecto estado de gracia. Kaye dirige con una factura indie y un acertado montaje dinámico que anticipa los grandes momentos de la película. Después de descubrir esta pequeña joya uno tiene la sensación de estar ante uno de los mejores estrenos del año que siguiendo la estela de La clase de Laurent Cantet, nos lleva a la reflexión sobre los nuevos retos de la sociedad actual que no apuesta (ni quiere apostar) por los cimientos necesarios para construir un futuro mejor.

El profesor (Detachment)

En una sala de Barcelona todavía se puede ver Amor bajo el espino blanco de Zhang Yimou un estreno que ha llegado con dos años de retraso. Tras una etapa dedicada al cine épico de acción, Yimou retoma su faceta más intimista a través de esta historia de amor de cortes minimalistas, ambientada en el marco de la Revolución Cultural china. Un conmovedor ejercicio de introspección poética cuya fuerza radica en su simplicidad. La excelente ambientación de la película y las emotivas interpretaciones de sus protagonistas confirman una vez más la depurada técnica de Yimou, probablemente el mejor director chino de la actualidad.

Amor bajo el espino blanco

Continuando con el cine oriental, hay que recordar que hace unas semanas se estrenó la japonesa Outrage. Takeshi Kitano deja de lado cualquier vestigio poético de sus anteriores películas y vuelve a las historias de yakuzas y a la violencia más pura de la forma más salvaje. Un juego de traiciones que se convierte en una lucha por la supervivencia para todos sus personajes. Los excesos de Kitano otorgan a la película escenas al más puro estilo gore, no aptas para todos los estómagos,y una trama complicada que hará las delicias de los amantes del cine pasado de vueltas de mafiosos. Como decía el amigo David Amorós: Outrage en realidad es un slasher ambientado en la yakuza que no deja a títere con cabeza.

Outrage

Uno de los títulos destinado a los amantes del cine clásico es Submarine que también llega a nuestras pantallas tras dos años de retraso en su estreno, la tónica habitual de las películas de este post. La ópera prima de Richard Ayoade narra las desventuras de  un adolescente que se propone salvar el matrimonio de sus padres mientras intenta encontrarse a sí mismo a través de una relación amorosa. No es de extrañar la comparación por parte de la crítica con las aventuras de Antoine Doinel, el homenaje es totalmente explícito en algunas de sus escenas. Inquietudes y sueños de juventud grabados en Super 8 para los nostálgicos, amantes del cine retro y gafapastas en general, todo ello gracias al buen gusto de su fotografía y de su banda sonora. Un debut a tener en cuenta del que ya muchos han apodado como el Wes Anderson europeo.

Submarine

Los amantes de la nueva ola de cine rumano contemporáneo están de suerte, estos días pueden ver la ganadora a mejor película, mejor actor (Branescu) y mejor actriz (ex-aequo) en el Festival de Gijón 2010. Martes, después de navidad nos introduce en la intimidad de un matrimonio acomodado que está viviendo sus últimos días. Una cinta con un ritmo muy pausado, llena de matices que hacen poder disfrutar de las ejemplares interpretaciones de sus tres protagonistas y de su hiperrealismo. Una propuesta para los que gusten del cine contemplativo de situaciones, narrada desde una naturalidad sorprendente. Solo para sibaritas.

Martes, después de Navidad

Todavía sigue en cartel El río que era un hombre de la cual os hablamos hace apenas un par de posts, una película que encaja a la perfección dentro de los parámetros de El cine que no se ve. Hasta aquí llegan las propuestas por ahora. No os quiero engañar, faltan dos títulos que teníamos muchas ganas de incluir en este post y como siempre la falta de tiempo ha jugado en nuestra contra, además si lo hubiésemos dejado para más tarde algunas otras películas dejarían de estar en cartelera. La primera es La pequeña Venecia, la ópera prima de Andrea Segre que ha cosechado excelentes críticas en la prensa internacional. La otra que no hemos tenido tiempo de ver ha sido la española O Apóstolo de Fernando Cortizo, una película de animación en stop motion que consigue una muy lograda atmósfera onírica, burtoniana. Por nuestra parte no las pensamos dejar escapar y así seguir viendo El cine que no se ve.

O Apóstolo

Días perros

Título original: Hundstage
Año: 2001
País: Austria
Dirección: Ulricu Seidl
Guión: Ulrich Seidl, Veronika Franz
Intérpretes: Maria Hofstätter, Erich Finsches, Alfred Mrvas
Fotografía: Wolfgang Thaler
Música: Marcus Davy
Montaje: Christof Schertenleib, Andrea Wagner

Valoración: 7/10
Web: http://www.filmin.es/pelicula/dog-days

Hundstage (Días perros) es la denominación que se da a los días más calurosos del año en Austria. En esta época se nos presenta la historia de varios personajes de una zona residencial de Viena a lo largo de estas dos jornadas de extremo calor. Una pareja joven de vida discotequera que no paran de discutir violentamente. Una autoestopista maníaca con serios problemas de comportamiento que no para de acosar a los conductores que la recogen entrometiéndose en su intimidad y avasallándolos con estadísticas inútiles. Un matrimonio divorciado que vive bajo el mismo techo a pesar de los continuos encuentros sexuales de la mujer, mientras el exmarido se pasea metódicamente con una pelota de tenis por toda la casa. También tenemos el trío formado por una profesora con tendencias masoquistas, el macarra de su pareja y un amigo aficionado a la cerveza. Un viejo viudo carente de cualquier tipo de carisma llegará a un extraño pacto con su mujer de la limpieza. La incomunicación, el desaliento y la soledad unen las tristes vidas de todos estos personajes.

Bastante desconocido por nuestros lares, Ulrich Seidl es sin duda uno de los directores europeos más controvertidos de la actualidad. Caracterizado por sus sórdidos retratos de la sociedad centroeuropea, el director austriaco ha sido comparado en más de una ocasión con Michael Haneke. Más allá de la controversia y de la dureza de sus historias, los puntos en común se quedan ahí. Mientras el cine de Haneke no ofrece ninguna concesión al optimismo, Seidl opta en muchas ocasiones por un humor negro muy pasado de vueltas no apto para todos los públicos basado en sus perversas excentricidades. La polémica está servida y el cine de Seidl provoca rechazos viscerales y grandes ovaciones por igual. 

Días perros no se ahorra ningún detalle desagradable: escenas de sexo explícito (el propio Seidl se declara un pornógrafo social), planos sostenidos eternos, narración repetitiva y machacona, desnudos integrales ancianos y situaciones sórdidas y desagradables por doquier. Un conjunto de características dispuestas a irritar al espectador medio a través de sus historias inconexas que en su conjunto forman una feroz crítica estética y moral de la decadencia centroeuropea. Estamos ante una película destinada al público cinéfilo más atrevido, no solo por sus provocaciones y excesos sexuales, también por su árida y monótona narración ausente de mensaje moral. Incluso muchos de los cinéfilos más ejercitados se convertirán en detractores tildando de provocación gratuita a la dirección de Seidl.

Días perros se alzó con el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia y Mejor película y Premio Especial del Jurado en el Festival de Gijón. A la sombra de directores como Lars Von Trier o Gaspar Noé, Ulrich Seidl se confirma como otro de los especialistas en ambientes sórdidos a tener en cuenta. Este año el realizador ha presentado las dos primera entregas de su trilogía Paradies en los festivales de Cannes y Venecia respectivamente (Paradise: Love y  Paradise: Faith). Mientras, algunos aprovechamos para ponernos al día. Próxima parada Import/Export.

Lo mejor: El retrato que ofrece sin concesiones
Lo peor: Algunas de sus repeticiones lastran la narración

En la casa

Título original: Dans la maison
Año: 2012
País: Francia
Dirección: François Ozon
Guión: François Ozon
Basado en: la obra de teatro El chico de la última fila de Juan Mayorga.
Intérpretes: Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Fabrice Luchini
Fotografía: Jérôme Alméras
Música: Philippe Rombi
Montaje: Laure Gardette

Web: http://www.danslamaison-lefilm.com/
Valoración: 8/10

Un buen día un profesor de literatura habituado a sufrir la incompetencia de sus alumnos queda impresionado por el talento que demuestra uno de ellos en una redacción. En su escrito, el alumno confiesa ayudar a un compañero de clase con las matemáticas con el único objetivo de colarse en su casa y conocer la intimidad de su familia. Es a partir de entonces que el profesor recobra las ganas de enseñar a pesar de que la intrusión de su alumno y fuente de inspiración para sus escritos pueda desencadenar una serie de acontecimientos incontrolables.

En la casa se presenta como un juego de superposición de ficciones a través de distintos géneros. Es así como podemos disfrutar de entretenidas lecciones de literatura que giran en torno al proceso creativo de la ficción gracias a las lecciones del profesor Germain  (Fabrice Luchini). Mientras, los progresos en la historia “real” de su alumno enmarañan cada vez más las vidas de los dos personajes, ambos sumidos en su particular desafío de realidad y ficción. Este acertado efecto narrativo es el resultado de la adaptación de la obra de teatro El chico de la última fila de Juan Mayorga.

François Ozon escribe unos diálogos ocurrentes, críticos y muy joviales que recuerdan al mejor Woody Allen durante la mayor parte de la  película. La deliciosa banda sonora de Philippe Rombi se adapta perfectamente a los distintos cambios de registro en todo momento. Un montaje dinámico refuerza las elipsis, siempre apostando por la confusión entre realidad y ficción gracias a un reparto en perfecto estado de gracia.

Este meticuloso ejercicio narrativo resuelto con originalidad y mucho sentido del humor se convirtió en la triunfadora indiscutible de la pasada edición del Festival de San Sebastián alzándose con la Concha de Oro y el premio a Mejor guion. Ozon consiguió la hazaña de satisfacer a público, prensa y jurado por igual. Sin duda, En la casa va a ser una de las películas del año gracias a su acertado y cariñoso homenaje al mundo literario y su proceso creativo.

Lo mejor: Su estructura narrativa y su facilidad de gustar a todos los públicos

Lo peor: Una mínima sensación de final precipitado

Phenomena: Por un puñado de dólares y El planeta de los simios

Tras una larga ausencia y una exitosa gira Phenomena regresa a Barcelona con Por un puñado de dólares y El planeta de los simios, dos películas que arrasaron la taquilla de los 60 y que significaron un punto de inflexión en el cine de su época ya que fueron plagiadas y homenajeadas hasta el infinito y más allá.

El ansiado retorno tendrá lugar el jueves 22 de Noviembre a las 20:00, pero atención porque en este regreso hay una novedad importante y es el cambio de sala. Phenomena abandona el cine Urgell para trasladarse al Comedia, una sala más pequeña en pleno centro de Barcelona.

Las entradas para el esperado arranque de temporada salen a la venta hoy, día 7 de Noviembre, a las 18:00 en Atrápalo al precio de 9 euros en una sesión no numerada.

Preparaos para silbar el movierecord que esto arranca de nuevo. ¡Nos vemos en Phenomena!

Por un puñado de dólares de Sergio Leone (1964)

Verás, es que a mi mulo no le gusta que la gente se ría. El muy tonto se piensa que te estás riendo de él. Si te disculpas, como sé que harás, yo mismo lo convenzo de que no lo hiciste con mala intención

Tras la muerte de Juárez, en México dominan la injusticia y el terror. Joe, un pistolero vagabundo, llega al pueblo fronterizo de San Miguel, donde dos familias se disputan el control del territorio, y entra al servicio del clan Rojo. Una noche, es testigo del intercambio de oro por armas entre mexicanos y soldados de la Unión. Sus métodos y la posibilidad de ser traicionado por ellos harán que juegue a dos bandas.

Sergio Leone, después de realizar unos peplums completamente alimenticios decidió dar el salto al western con esta película que supuso la primera entrega de la trilogía del dólar que completaron La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo. Su magnífico ambiente, los primerísimos planos, los travellings, el tempo, los tintes surrealistas, la estética feísta, su particular liturgia de la violencia y por encima de todo, la brillante dirección de Leone, el carisma y sobriedad de Clint Eastwood y la inolvidable música de Enio Morricone, consiguieron un éxito arrollador en taquilla que fue seguido por muchos directores italianos. Había nacido el Spaghetti Western.

Esta versión ilegal de Yojimbo de Akira Kurosawa fue rodada en el poblado de Golden City, en Almería, y el rodaje fue una especie de Torre de Babel, un caos donde se hablaba inglés, italiano, español y alemán y era difícil entenderse. Pese a basarse en la cinta de Kurosawa presenta un guión fácil con algunas situaciones sonrojantes que no profundizan en sus personajes. Además, la falta de presupuesto se nota en la cutrez de decorados y efectos. Aun así y a pesar de su irregularidad, Por un puñado de dólares es una película muy entretenida, con carisma y un estilo propio que ha pasado a la historia por méritos propios más que evidentes.

Grandes interpretaciones, un montaje espectacular, buenos diálogos, uno de los duelos más espectaculares del cine, un poncho y un puro que han pasado a la posteridad para el pistoletazo de salida de la nueva temporada de Phenomena.

El planeta de los simios de Franklin J. Schaffner (1968)

¡Quita tus sucias patas de encima, mono asqueroso!

Tras varios miles de años vagando por el espacio exterior, una nave espacial, procedente de la Tierra y capitaneada por George Taylor, se estrella en un planeta desconocido gobernado por una raza de simios mentalmente muy desarrollados que esclavizan a unos seres humanos que carecen de la facultad de hablar. Cuando su líder, el doctor Zaius, descubre horrorizado que Taylor posee el don de la palabra, decide que hay que eliminarlo.

Un clasicazo indispensable con uno de los finales más míticos de la historia del cine que ha tenido secuelas, remakes y precuelas varias. El planeta de los simios es una de las más interesantes distopías de ciencia-ficción, no solo por su calidad y entretenimiento sino especialmente por su vertiente filosófica. Una apocalíptica crítica sobre la bestialidad humana, lo absurdo de nuestra sociedad, el racismo, el fanatismo religioso y el miedo como motor de la ignorancia y enemigo de la ciencia donde cada personaje representa un perfil: Taylor (cínico y arrogante), la doctora Zira y Aurelio (científicos que luchan por un mundo dominado por la razón) y el doctor Zaius (la imbecilidad humana).

Entre los grandes hitos de la película destaca su maquillaje, hecho por primera vez con máscaras de latex que se adaptaban a los gestos y expresiones de los actores. Este innovador maquillaje le sirvió a John Chambers para alzarse con un premio especial en los Oscar. Las máscaras eran tan difíciles de poner que los actores estaban obligados a llevarlas durante tantas horas que se alimentaban a base de líquidos o fumaban con boquillas para no quemarlas. Además, se diseñó un rifle especial para que pudiese ser manejado por las garras de los simios. También hay que destacar las interpretaciones, encabezadas por Charlton Heston, el diseño de producción, la música, la fotografía y la dirección seca y contundente de Franklin J. Schaffner autor de Patton, Papillon o Los niños del Brasil.

Una cinta imprescindible de ciencia ficción que mantiene todo su atractivo pese al paso del tiempo pondrá fin al primer episodio de esta nueva temporada de Phenomena.