martes, 17 de mayo de 2011

Sin identidad

Título original: Unknown
Año: 2011
País: USA, UK, Alemania
Dirección: Jaume Collet-Serra
Guión: Oliver Butcher y Stephen Cornwell
Basado en: Out of my head de Didier Van Cauwelaert
Intérpretes: Liam Neeson, Diane Kruger y January Jones
Fotografía: Flavio Martínez Labiano
Música: John Ottman y Alexander Rudd
Montaje: Timothy Alverson

Valoración: 7/10
Web: http://wwws.warnerbros.es/unknown/index.html


El Dr. Martin Harris (Liam Neeson) y su esposa Elizabeth (January Jones) llegan a Berlín donde él tiene que dar una conferencia en un congreso sobre biología. Nada más llegar al hotel Adlon, se da cuenta que ha perdido un maletín y decide regresar al aeropuerto. En el camino sufrirá un accidente que lo dejará 4 días indocumentado y en coma. Al recuperar la memoria acudirá al congreso y verá atónito como otro hombre (Aidan Quinn) está en su lugar y que incluso su mujer asegura no conocerlo. Desorientado y sin saber qué es realidad y qué mentira, el Dr. Martin intenta recuperar su vida y destapar al impostor.

La nueva cinta del director catalán Jaume Collet-Serra (La huérfana, La casa de cera) en la que deja de lado el género de terror, es un thriller notable con unos magníficos giros de guión, capaces de sorprender al espectador más astuto y con una tensión que no decrece en ningún momento a lo largo de las 2 horas de metraje. Por si esto fuese poco, la trama va avanzando y pasamos de una historia de posible suplantación de personalidad a algo mucho más grande, en la que vemos desfilar una serie de personajes que incluyen jeques árabes progresistas, investigadores privados con un pasado increíble o espías de otros tiempos.


En lo que a las interpretaciones respecta, esperábamos más, y tanto Liam Neeson como sus dos acompañantes femeninas, January Jones, la magnífica Betty Draper de Mad Men, y Diane Kruger, presente en  Malditos Bastardos y Las vidas posibles de Mr. Nobody, están simplemente correctos. Lo mismo ocurre con los secundarios Aidan Quinn, Frank Langella y Sebastian Koch. El único que destaca es Bruno Ganz a quien hemos visto en los últimos años en las impresionantes El lector y El hundimiento, donde interpretó de forma magistral a Hitler.

Sin identidad es un soplo de aire fresco en lo que a cine comercial se refiere e incluso resulta superior a algunas cintas que estábamos esperando este año, como Código fuente. Grandes dosis de acción y algo más que referencias a películas como la saga Bourne completan la fórmula que la ha convertido en número 1 de la taquilla USA.

Lo mejor: Su capacidad de ofrecer giros sin perder la coherencia
Lo peor: Pasará desapercibida entre el resto de cine de palomitas

domingo, 15 de mayo de 2011

Phenomena 2 de Junio

En la última sesión de Phenomena se anunciaron las cintas de la próxima cita que tendrá lugar el 2 de junio y como siempre en el cine Urgel. En esta ocasión tenemos un clasicazo de la ciencia ficción y una película de culto un tanto olvidada pero que merece ser recordada. Dos cintas con más relaciones de las que puede parecer a simple vista que forman un magnífico programa doble. ¡Preparad los bocatas y las palomitas!

Robocop de Paul Verhoeven (1987)

Segunda incursión del grandísimo Paul Verhoeven en Phenomena. Después del pase hace unos días de Desafío Total, vuelve otra cinta de ciencia ficción del maestro holandés. La acción se sitúa en un Detroit futurista donde la justicia ha desaparecido y la policía se ve incapaz de devolver el orden a las calles. El agente Murphy muere en servicio de la ley justo cuando las autoridades aprueban la creación de una máquina mitad robot mitad hombre para devolver la justicia a las calles. El cuerpo del difunto Murphy será la base para este agente híbrido que se llamará Robocop. El experimento resulta todo un éxito, hasta que la memoria de Alex J. Murphy, que no ha sido destruida, recobra la conciencia y decide vengarse de sus asesinos.

Robocop continúa siendo una película actual gracias a su humor negro, su mensaje y su crítica social. Esta historia, que puede parecer un cruce entre el Terminator de Cameron y un Frankenstein o modernísimo Prometeo, consigue desmarcarse de cualquier referencia y se convierte en una cinta de culto gracias a la magnífica dirección de Verhoeven. En Robocop encontramos grandes dosis de acción y violencia que sirven para retratar de forma irónica una sociedad gobernada por corporaciones corruptas y mafias organizadas en que los ciudadanos han perdido su lugar y pasan a ser simples consumidores. Y en este sentido, Verhoeven nos ofrece, como volvería a hacer en Desafío Total, unos anuncios de los más geniales, donde critica el consumismo, la contaminación, la deshumanización y que le sirven para hacer un magnífico y merecido homenaje a Ray Harryhausen.

Verhoeven consiguió gracias esta gran película el premio al mejor director en el Festival de Sitges. Peter Weller, que interpreta a Robocop, aparece también en Screamers, cinta de serie B basada en un relato de Phillip K Dick o en El almuerzo desnudo del impresionante Cronenberg. También aparece Nancy Allen -a quien esperamos ver en Vestida para matar y Carrie del genial De Palma- haciendo de compañera de Robocop y Ray Wise, el padre de Laura Palmer en Twin Peaks.


Carretera al Infierno de Robert Harmon (1986)

Es con toda seguridad una de las cintas más olvidadas que se han programado en Phenomena y para los que sólo van a revisitar cintas en pantalla grande no será un gran aliciente, pero Carretera al infierno merece un llenazo. Rutger Hauer a quien esperamos con ansia en algún que otro pase y que trabajó en sus inicios con Verhoeven encarna al autoestopista John Ryder. Jim Hasley (C. Thomas Howell) lo recoge con su Cadillac en una carretera perdida de Texas en una noche lluviosa. John le confiesa a Jim que es un asesino que espera que lo recojan y éste lo deja en la cuneta y se larga. Desde ese momento, empezarán una persecución en la que el asesino sigue matando pero dejando pistas que incriminan al pobre Jim.

La cinta de Robert Harmon es un cruce entre película de terror, thriller y road movie con un guión simple y algo inverosímil, pero cargado de giros efectistas e inesperados que consigue convertirse por méritos propios en una cinta de culto. Llegó incluso a tener una segunda parte en 2003 en la que participó un C. Thomas Howell que hacía años que había perdido la gloria que vivió con Rebeldes. Incluso tuvo un remake firmado por el mismo guionista...

Jamás una carretera amplia resultó tan claustrofóbica como aquí. Al margen de la tensión y la atmósfera asfixiante que atrapan al espectador desde el primer minuto, Rutger Hauer nos ofrece a uno de los psychokillers más fascinantes y enigmáticos del cine. Atención a la aparición de Jennifer Jason Leigh con quien Hauer coincidió en Los señores del acero del mismo Verhoeven.


Nos vemos el día 2, en el arranque de la recta final de Phenomena antes de vacaciones. Ya sólo queda este pase, y otros el dos 16 y el 30 junio. Luego regresan a mediados de septiembre, tranquilos.

viernes, 13 de mayo de 2011

La muerte del Sr. Lazarescu

Título original: Moartea domnului Lazarescu
Año: 2005
País: Rumanía
Dirección: Cristi Puiu
Guión: Cristi Puiu, Razvan Radulescu

Intérpretes: Ioan Fiscuteanu, Luminita Gheorghiu
Fotografía: Andrei Butica, Oleg Mutu
Música: Andreea Paduraru

Montaje: Dana Bunescu

Valoración: 9/10
Web: http://www.filmin.es/pelicula/la-muerte-del-senor-lazarescu



Todo empieza la noche en que el señor Lazarescu, un solitario hombre de 63 años de edad que vive con sus tres gatos en un apartamento, se siente enfermo y decide llamar a la ambulancia. Su mujer murió hace ocho años y su única hija, Bianca, se marchó a vivir a Canadá. Lo que no sabe el señor Lazarescu es el largo periplo que le espera durante toda la noche recorriendo los hospitales de Bucarest acompañado por la enfermera que lo va a buscar a casa. Durante toda la película vamos a acompañar atónitos al señor Lazarescu en su purgatorio particular: falta de atención, despropósitos, malos entendidos, nefasta gestión, maltrato al paciente, profesionales pasados de vueltas y un montón de lindeces más.


La película está grabada cámara en mano, en tiempo casi real y con una iluminación prácticamente natural que le da un fuerte aire de documental a la historia. Durante los 153 minutos de metraje en los que asistimos en directo a la lenta muerte del señor Lazarescu, observamos como la comedia negra del principio, da paso al drama social más duro y a una crítica voraz al sistema sanitario rumano. La cinta puede llegar a resultar incómoda y agobiante en algunos momentos y esa es una de sus grandes virtudes: golpear al espectador en clave de comedia muy negra hasta abrumarlo. Una buena frase que resume la película sería: “Cuando creas que nada puede ir peor… irá”. Sinceramente, tiene un metraje bastante largo sin el cual perdería su esencia: el hiperrealismo de la película, que va acompañado de un excelente guión, buenos diálogos y unas muy buenas interpretaciones.

Hay que destacar la interpretación de Luminita Gheorghiu en el papel de enfermera, actriz que ya llevaba años de profesión con papeles en películas destacadas como El tren de la vida o Código desconocido. La enfermera del señor Lazarescu le valió el premio de la Asociación de Críticos Cinematográficos de Los Angeles a la mejor actriz de reparto y el éxito internacional. Posteriormente la hemos podido ver en 12:08 Al este de Bucarest y en la soberbia 4 meses, 3 semanas, 2 días. No es el único punto en común con la cinta de Cristian Mungiu, la fotografía, su lúgubre atmósfera y la denuncia social omnipresente evoca en múltiples ocasiones a 4 meses, 3 semanas, 2 días.


Cristi Puiu empezó a trabajar como guionista y debutó en el 2001 con el largometraje  Marfa si banii, una road-movie filmada cámara al hombro que fue seleccionada en la Quincena de Realizadores de Cannes. Tras ganar el Oso de Oro de Berlín en el 2004 con su corto Cigarrettes and coffee, en el año 2005 se embarcó en el rodaje del primero de los seis capítulos que dedicará a los suburbios de Bucarest: La muerte del Sr. Lazarescu, con la que ganó 23 premios por todo el mundo, entre ellos, el premio Un Certain Regard de Cannes. En la pasada edición del Festival de cinema d’Autor de Barcelona (Festival d’A) se estrenó Aurora en la sección Promesas del este, el segundo capítulo de la serie. Después de ver esta pequeña obra maestra estamos ya ansiosos de poder disfrutar de Aurora, el segundo capítulo de la serie de los suburbios de Bucarest de Puiu.

Lo mejor: El realismo y la crítica que hace el film.
Lo peor: Superar los prejuicios que conlleva un metraje tan extenso

martes, 10 de mayo de 2011

Las 10 películas más esperadas de Cannes 2011


Ya está todo a punto para la inauguración del Festival de Cannes que se celebrará del 11 al 22 de Mayo. Durante estos once días las 20 películas de la Selección Oficial lucharán por obtener la tan ansiada Palma de Oro el próximo día 22. Año tras año, Cannes sirve de escaparate de la mayoría del material audiovisual de más calidad que veremos pasar por nuestras pantallas durante lo que queda de año. Es por ello que en @despuesde1984 hemos querido hacer una lista de los 10 estrenos que estamos esperando con más ganas (indistintamente de dentro o fuera de competición). Seguro que después habrá grandes descubrimientos que no estén en la lista, pero de momento las expectativas son esas, que no es poca cosa. Antes os recordamos la lista de los miembros del jurado (pieza clave del palmarés):

El jurado

- Presidente: Robert De Niro (actor, director, productor EEUU)
- Martina Gusman (actriz, productora, Argentina)
- Nansun Shi (productora, Hong Kong/China)
- Uma Thurman (actriz, productora, guionista, EEUU)
- Linn Ullmann (escritora, Noruega)
- Olivier Assayas (director, Francia)
- Jude Law (actor, productor, Reino Unido)
- Mahamat Saleh Haroun (director, Chad)
- Johnnie To (director, productor, Hong Kong/China)

Las 10 películas más esperadas de Cannes 2011

10. Ichimei (Japón, Takashi Miike)

Miike es uno de los directores japoneses más prolíficos y controvertidos del panorama actual. Ha dirigido más de setenta producciones teatrales, de vídeo y televisivas desde su debut en 1991. Ichimei se nos presenta como un remake del clásico Seppuku de Masaki Kobayashi. Forma parte de la Selección Oficial del festival y está rodada en 3D. Se trata de la historia de un samurai que pide permiso para practicarse el Harakiri, ceremonia durante la cual se quitará la vida seccionándose el estómago asistido por un samurai que le decapitará durante el proceso. Antes de realizar su voluntad solicita también poder contar la historia que le ha llevado a tomar esa drástica decisión.

9. Le havre (Finlandia, Aki Kaurismäki)

Cannes ya ha reconocido la obra de Kaurismäki en dos ocasiones, con el Gran Premio del Jurado para Un hombre sin pasado (2002) y una mención especial del Jurado Ecuménico por Nubes pasajeras (1996). Le havre es una comedia dramática filmada en territorio francés donde Marcel Marx, un hombre de 60 años, trabaja como limpiabotas en la localidad francesa de Le Havre donde vive humildemente en compañía de su esposa, que le oculta una enfermedad grave que empeora cada día. En el puerto, Marcel conocerá a un joven polizón oculto en un contenedor que acaba de llegar de África. El chico se ganará rápidamente su confianza y la vida del veterano lustrabotas dará un giro inesperado.

8. Drive (USA, Nicolas Winding Refn)

El nuevo film de Nicolas Winding Refn (Bronson, Valhalla Rising) trata sobre un especialista de Hollywood en apuros al que da vida el actor Ryan Gosling (Blue Valentine) apodado Driver. Especialista en conducir autos a alta velocidad que trabaja clandestinamente en negocios turbios donde sus servicios son muy solicitados. Le acompañan un reparto muy  televisivo: Bryan Cranston (Breaking Bad), Christina Hendricks (Mad Men) y Ron Perlman (Sons of Anarchy).


7. Restless (USA, Gus Van Sant)

A estas alturas ya sabemos que Gus Van Sant es capaz de lo mejor y de lo peor y es por ello que no podemos evitar estar pendientes de su próxima película. Ganador en el 2003 de la Palma de Oro por la genial Elephant, Van Sant abrirá la sección Una cierta mirada en Cannes con Restless. La cinta trata sobre el amor en la adolescencia más allá de la muerte. Una chica de 16 años que tiene una enfermedad terminal se enamora de un chico, que tiene encuentros con fantasmas de pilotos japoneses de la Segunda Guerra Mundial.

6. Medianoche en Paris (USA - España, Woody Allen)

La cita anual con el cine de Allen ha sido seleccionada para la inauguración del festival, fuera de concurso. Con un reparto de lujo: Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Kathy Bates, Michael Sheen, Adrien Brody y la esperada Carla Bruni. La película realiza un delicioso viaje por las calles más emblemáticas de París, por la mañana, al atardecer y por la noche. ¿Estamos ante otro folletín turístico a lo Vicky Cristina Barcelona versión parisina o el maestro nos deleitará con una buena comedia como sólo él sabe hacerlo? 

5. Arirang (Corea de sur, Kim Ki-Duk)

En la sección Un certain regard podremos ver lo último de Kim Ki-Duk después de tres años sin estrenar. Ki-Duk tiene una más que demostrada solvencia en muchos festivales. El director de la poética Hierro 3 se ha convertido en los últimos años en uno de los directores orientales más de culto. Su nueva obra es un documental del que se sabe muy poco, excepto que en él el director reflexiona sobre su propia carrera. Arirang es una historia en la que Kim Ki-duk interpreta tres papeles, la cual nos produce una gran curiosidad.

4. Habemus Papam (Italia, Nani Moretti)

Moretti, otro de los veteranos del Festival de Cannes. En 1994 ganó el premio al mejor director por Caro diario y en el 2001 se alzó con la preciada Palma de Oro por La habitación del hijo. No podía haber encontrado mejor promoción y publicidad: la película, que arranca con los funerales (verdaderos) de Juan Pablo II es la historia de la elección de un papa (Michel Piccoli) reacio al nuevo cargo porque siente que no es la persona adecuada, pero cuyas dudas deben ser mantenidas en secreto de cara al público. La cinta relata una historia de la cúpula de la iglesia y de sus misteriosos asuntos en clave de comedia. Habemus Papam ya se ha estrenado en Italia y ha batido todo un récord de taquilla, el Vaticano guarda silencio y algunos obispos han manifestado prudencia al respecto.

3. Melancholia (Dinamarca, Lars Von Trier)

Lo último de Von Trier  nos narra cómo dos hermanas, Julie (Kirsten Dunst) y Claire (Charlotte Gainsbourg), de temperamento radicalmente distinto, enfrentan de manera totalmente opuesta el inminente fin del mundo a causa de un planeta, Melancholia, que está a punto de chocar contra la Tierra. Según Von Trier la película empieza por el final, mostrándonos el mundo haciéndose pedazos para luego ir hacia atrás y contar el resto de la historia. El director danés que nunca deja indiferente a nadie es también una constante en Cannes, ya tiene dos premios Especiales del Jurado, uno por Europa y el otro por Rompiendo las olas y la más que merecida Palma de Oro por Bailar en la oscuridad.

2. The tree of life (USA, Terrence Malick)

Quinto largometraje del gran director Terrence Malick, que no nos tiene acostumbrados a muchos estrenos, 5 películas en 38 años. En 1979 ganó en Cannes el premio al mejor director por Días del cielo. Autor de Malas tierras o de La delgada línea roja ha conseguido que The tree of life sea una de las películas más esperadas del año. Con un reparto que incluye a Brad Pitt y Sean Penn, esta película trata sobre el viaje de la vida de Jack, el primogénito de una familia, a través de la inocencia de la niñez hasta llegar al desencanto de sus años de adulto mientras trata de reconciliarse con su padre. A través de las imágenes características y filosóficas de Malick, se puede ver tanto como la naturaleza bruta y la gracia espiritual, no sólo moldean nuestras vidas como individuos y familias, sino toda la vida.

1. La piel que habito (España, Pedro Almodóvar)

Es la quinta película que nuestro cineasta más internacional presenta en Cannes, en 1999 ganó el premio al mejor director por Todo sobre mi madre y en 2006 el mejor guión por Volver. Se ha llegado a rumorear que en alguna ocasión ha estado a punto de llevarse la Palma de Oro pero que la división del jurado ha jugado en su contra. Ya se ha anunciado que el día 2 de septiembre La piel que habito llegará a las salas de cine de todo el mundo. En palabras del propio Almodóvar es "una historia de terror pero sin sustos", también ha dicho que es un "intenso drama que a veces se inclina por el noir, a veces por la ciencia ficción y otras por el terror". Con Antonio Banderas y Elena Anaya, basada en la novela Mygale (Tarántula) del francés Thierry Jonquet, La piel que habito cuenta la obsesión del doctor Ledgard, un eminente cirujano plástico, por crear una nueva piel gracias a los avances de la terapia celular. ¿Será éste el año de Almodóvar?

domingo, 8 de mayo de 2011

The saddest music in the world

Título original: The Saddest Music in the World
Año: 2003
País: Canadá
Dirección: Guy Maddin
Guión: Kazuo Ishiguro, Guy Maddin, George Toles
Intérpretes: Mark McKinney, Isabella Rossellini, Maria de Medeiros
Fotografía: Luc Montpellier
Montaje: David Wharnsby

Valoración: 8/10



Estamos en la época de la Gran Depresión en Winnipeg (Canadá), la Baronesa  Lady Helen Port-Huntley (Isabella Rosselllini), propietaria de una gran compañía de cerveza, se da cuenta de que la crisis está aumentando la depresión anímica de la sociedad y con ello el consumo de alcohol. Ante esta situación decide organizar un concurso donde se escogerá la canción más triste del mundo, para aumentar más el consumo de cerveza y así obtener más ingresos. El concurso atrae a músicos de todo el mundo pero lo que la Baronesa no se espera es reencontrarse con sus antiguos fantasmas del pasado, la familia Kent. Chester Kent (Mark McKinney), empresario fracasado que acaba de regresar a Winnipeg, decide representar a Estados Unidos ayudado por Narcissa, su amnésica novia (María de Medeiros), mientras que su hermano Roderick (Ross Mcmillan) hace lo propio por Serbia, lugar donde perdió a su hijo y desapareció su esposa. Complicando aún más la situación, Fyodor, padre de Chester y Roderick, participa también representando a Canadá. El destino de todos los personajes se une en la persona de la baronesa Port-Huntly, antigua amante de Chester que perdió las piernas por la negligencia de Fyodor después de un accidente de coche.


Guy Maddin nos presenta una atmósfera onírica y expresionista con una serie de personajes arrastrados por sus extremos sentimientos de hipersensibilidad y nostalgia. Para ello se rodea de un reparto perfecto, una Isabella Rossellini  que encarna a la malvada Baronesa, reina de la cerveza, de forma magistral con algunas de las mejores escenas de la película. Acompañándola en el reparto, una fantástica María de Medeiros caracterizando a la musa y novia de Chester y Mark McKinney interpretando al propio Chester, un personaje que ha vivido siempre al límite de la tristeza durante toda su vida. Todo ello se nos presenta en una fotografía en blanco y negro (salvo algunas escenas) rodada en super8 que recrea una atmósfera opresiva, lúgubre y nostálgica, digna del mejor cine noir que desemboca en auténticos momentos de humor circense.

Este año el Festival de cine de Autor le ha dedicado toda una retrospectiva al director canadiense Guy Maddin, inédito en muchas de las salas comerciales de nuestro país. Nacido en la ciudad de Winnipeg (ciudad en la que trascurre The saddest music in the world y a la que también ha dedicado un extraño documental surrealista, My Winnipeg), su educación cinematográfica se inició y consolidó al margen de cualquier escuela, rodando breves piezas con amigos los fines de semana. Emulando a los grandes pioneros del cine mudo (Murnau, Wiene, Vigo, Berkeley o Feuillade), estamos ante uno de los creadores con una visión más particular y personal del séptimo arte.


The saddest music in the world gozando de una gran ironía nos transporta hacia una historia trágica, mezcla de géneros y experimentación formal. Con un guión original de Kazuo Ishiguro, autor de la también genial Lo que queda del día, caracterizado por sus novelas con una psicología de angustia y recuerdo del pasado, con escasos personajes y un hilo argumental débil, muy oriental. La música más triste del mundo se presenta como una gran introducción al universo experimental de Maddin para aquellos que no lo conocíamos, autor que ya ganó en el 2002 el Festival Internacional de cine de Sitges con Dracula, Pages From a Virgin's Diary, versión  ballet de Drácula con una visión muy clásica.

Lo mejor: Sin duda alguna, Isabella Rosselllini, la reina de la cerveza.
Lo peor: Un plato de gourmet quizás no apto para todos los paladares.


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