Cannes: 20 Palmas de Oro imprescindibles

El 64º Festival de Cannes está entrando en su recta final, y de momento la cosa está que arde. Este domingo se dará a conocer el palmarés del festival y por fin sabremos cual de las películas que forman la selección oficial se añadirá a las 80 películas que ya tienen uno de los premios más destacados en el circuito cinematográfico. Puede que por fin sea el año de Pedro Almodóvar con La piel que habito, se especula dice que los hermanos Dardenne podrían conseguir la que sería su tercera Palma de Oro con El niño de la bicicleta, puede que el tan ansiado Árbol de la vida de Malick de la campanada o también se puede alzar con el premio Le Havre de Kaurismäki. A los nervios se añade el hecho de que el certamen ha tomado la opción de expulsar a Melancholia de Von Trier de la competición después de sus polémicas declaraciones referentes a Hitler de ayer. Quedan tres días para saber el desenlace final de este gran evento.

Hasta entonces, en despuesde1984 hemos decidido hacer un repaso de las películas que han ganado la Palma de Oro a lo largo de la historia y que han pasado a ese olimpo de la perfección. Originariamente queríamos hacer un top 10 de esos que tanto nos gustan. Después de horas de deliberación enfrentándonos a los 80 títulos, los dos colaboradores del blog hemos decidido hacer un top 20 para no dejar fuera películas que consideramos imprescindibles. El resultado son 20 películas que desde aquí queremos recomendar como muestra de la calidad del certamen. Se quedaron fuera muchas y muy buenas pero en cualquier caso la muestra que os ofrecemos es un buen punto de partida.

Las 20 Palmas de Oro de Cannes

20. El piano (1993, Jane Campion, Nueva Zelanda)

Jane Campion dirigió este drama de época sobre una pianista muda y su hija, con Holly Hunter y Anna Paquin como protagonistas. El piano ganó la Palma de Oro ex aequo con la china Adiós a mi Concubina. La película también consiguió el premio a la mejor actriz en Cannes y fue todo un éxito de crítica y público. El piano nos traslada al año 1851. Ada, que es muda desde niña, acaba de enviudar. Un matrimonio concertado la obliga a dejar su Escocia natal y viajar a Nueva Zelanda, acompañada de su hija y de su piano. Allí conoce a su futuro marido, un próspero granjero, que se niega a llevar a casa el piano. Abandonado en la playa, el instrumento será rescatado por un vecino, que establece un extraño pacto con Ada: él la dejará usar su piano a cambio de que ella se deje tocar. La cautivadora banda sonora de Michael Nyman fue un éxito de ventas mundial. La película cosechó premios por todo el planeta, incluyendo tres premios Oscar, mejor actriz, mejor actriz de reparto y mejor guión original.

19. El niño (L'enfant) (2005, Hermanos Dardenne, Bélgica)

Los hermanos Dardenne en Cannes van sobrados, después de ganar la Palma de Oro el año 1999 por Rosetta, en 2005 volvieron a repetir. Bruno y Sonia son una joven pareja que vive en los suburbios de una ciudad belga. Sus ingresos se reducen a un subsidio que percibe ella y a lo que Bruno y los chicos de su banda ganan con sus robos. En esta precaria situación, Sonia da a luz a Jimmy, hijo de ambos. Su inmaduro y despreocupado padre muestra escaso interés por el niño hasta que recibe una oferta económica por su venta en el mercado negro. Estamos ante una historia dura que muestra uno de los  lados más oscuros de la sociedad sin concesiones. Presentes este año en el festival con El niño de la bicicleta, si consiguen la Palma de Oro, los Dardenne pasarían a ser los primeros directores de la historia en poseer tres galardones.

18. Días sin huella (1946, Billy Wilder, USA)

Días sin huella es una película, basada en una novela de Charles R. Jackson. Es uno de los alegatos cinematográficos más notables contra el alcoholismo que pertenece a la etapa negra del maestro Billy Wilder ya que, aunque formalmente sea un drama, la película cuenta con estructura y elementos más propios del thriller de serie negra. Los diálogos son magníficos y los secundarios están muy bien trabajados. La película ganó ex aequo junto con 10 películas más, entre las que se encontraba la genial Breve encuentro de David Lean. Quizás, junto con Días de vino y rosas y Leaving Las Vegas, sean los mejores dramas que la historia del cine nos ha dejado sobre los devastadores efectos del alcohol. Días sin huella consiguió cuatro Oscars de peso, película, director, actor y guión adaptado.  Un drama muy negro del rey de la comedia. Una anécdota: Wilder demandó a la industria de las bebidas alcohólicas por ofrecer cinco millones de dólares a la Paramount para que no hiciesen la película.

17. Elephant (2003, Gus Van Sant, USA)

El 20 de abril de 1999 en la  Escuela Secundaria de Columbine en Colorado una noticia conmocionó al mundo entero, dos estudiantes entraron armados en la escuela y asesinaron a 15 personas y dejaron heridas a otras 24. Gus Van Sant después de cintas tan brillantes como Drugstore Cowboy o Mi Idaho privado, decidió dar una visión en primera persona, minimalista y banal de la matanza de Columbine muy distinta del punto de vista que dio Michael Moore. Con una estructura no lineal que hace converger a varios personajes en mismas acciones pero con distintas perspectivas. La película también se llevó el premio de Cannes al mejor director. Van Sant creó división de opiniones, nada nuevo en su cine. La escena: uno de los estudiantes protagonistas camina por un desierto instituto mientras suena de fondo la Sonata para piano nº14 (Claro de luna) de Beethoven.

16. El gatopardo (1963, Luchino Visconti, Italia)

Con un reparto de actores de renombre internacional como el estadounidense Burt Lancaster, el francés Alain Delon y la italiana Claudia Cardinale, El gatopardo es una de las obras claves del cine europeo de los años sesenta, y una de las películas más importantes y alabadas de Luchino Visconti. Con una inolvidable banda sonora de Nino Rotta, que describe perfectamente el ambiente de elegante decadencía en el que transcurre la trama.  La película muestra la vida de Don Fabrizio, Príncipe de Salina, y de su familia, que se ve alterada al ser Sicilia invadida por las tropas de Garibaldi. Como consecuencia de esto, todos van a refugiarse a la casa de campo que la familia tiene en Donnafugatta. Crónica de la decadencia de una clase social, la aristocracia, y del surgimiento de otra, la burguesía. El Gatopardo emerge como un inmenso fresco histórico de una belleza apabullante, como uno de los mejores films de su autor y de la historia del cine.

15. Barton Fink (1991, Joel Coen y Ethan Coen, USA)

La cinta de los Coen, de género inclasificable, se llevó tres premios en Cannes, la Palma de Oro, el premio a mejor director y el de mejor actor para John Turturro. Como suele ser habitual toda la crítica se rindió a lo pies de los hermanos Coen. También hay que remarcar el papel de John Goodman en la película. Ambientada en Los Angeles en 1941, muestra el trabajo de un joven e intelectual escritor neoyorquino llamado Barton Fink, tratando de terminar un guión para una película de Hollywood, mientras sufre un bloqueo que le impide desarrollar sus ideas. A pesar del gran éxito de crítica la cinta fue un fracaso de taquilla y es una gran desconocida entre el gran público de masas. Barton Fink se llevó una más que merecida Palma de Oro, en la época en la que los Coen eran más grandes que nunca.

14. Otelo: el moro de Venecia (Othello) (1952, Orson Welles, USA)

Orson Welles se alzó con su única Palma de Oro gracias a la inmortal historia de Shakespeare en la que Otelo enloquece de celos por culpa de Yago, que le hace creer que Desdemona le es infiel. El genial Welles nos ofrece un relato en el que suple la escasez de medios usando la cámara subjetiva y los planos cortos y esto dota al film de una proximidad de la que carecen la mayoría de versiones del dramaturgo británico. En Otelo vuelve a hacer gala de sus mejores recursos en el montaje y nos ofrece una visión barroca y asfixiante en un perfecto blanco y negro cargado de contrastes que no se queda en simples artificios sino que aporta gran carga narrativa. La película es tan increíblemente buena que nos hace olvidar el maquillaje de Welles.



13. Corazón salvaje (1990, David Lynch, USA)

David Lynch también tiene su Palma de Oro, después de haber dirigido auténticas obras de arte como El hombre elefante o Terciopelo azul. Con el episodio piloto de Twin Peaks recién salido del horno en 1990 Lynch se situó en uno de los puntos más altos de su carrera. Corazón salvaje es una adaptación bastante libre de la novela de Barry Gifford Sailor and Lula. El film está protagonizado por Nicolas Cage en el papel de Sailor y Laura Dern en el de Lula. La película es una road movie pero incluye conceptos sobrenaturales y de violencia extrema. También incluye alusiones a El mago de Oz y a las películas de Elvis Presley. Una vez más Lynch divide a la audiencia y la radicalidad de la cinta hace que algunos no puedan con ella y que otros la adoremos.

12. La dolce vita (1952, Federico Fellini, Italia)

Carente de una estructura tradicional en su trama, el filme presenta una serie de noches y mañanas a lo largo de la Via Veneto en Roma, vistas desde los ojos de su personaje principal, un reportero de crónicas sociales llamado Marcello (Marcello Mastroianni). Marcello es un hombre que no está comprometido con nada, como lo demuestran sus relaciones con su simple y celosa amante Emma (Yvonne Furneaux), con una sofisticada mujer (Anouk Aimée) con la cual tiene una relación temporal, y una espectacular actriz americana de nombre Silvia (Anita Ekberg) a la cual sigue mientras ésta vaga por Roma. La dolce vita ha sido considerada como la cinta que marca la separación entre los anteriores trabajos de Fellini neorrealistas y su posterior periodo simbolista. El mismo Fellini decía de sí mismo que era "un artesano que no tiene nada que decir, pero sabe cómo decirlo".


11. Underground (1995, Emir Kusturika, Yugoslavia)

Kusturika es de los grandes de Cannes, poseedor de dos Palmas de Oro, Underground en 1995 y Papá está en viaje de negocios en 1985. Por si fuese poco en 1989 ganó el premio a mejor director por El tiempo de los gitanos. Underground es una sátira de la historia de Yugoslavia. En Belgrado durante la Segunda Guerra Mundial, un poeta, Marko Dren (Miki Manojlovic), esconde a su amigo Petar Popara (Lazar Ristovski) y a su familia en un sótano para librarlos de los nazis. Allí ocultos deben fabricar armas para la guerra. Marko los engaña para que sigan fabricando armas 20 años después de la guerra y haciéndoles creer que aún no termina y que sólo han pasado 15 años.

El director se enfrenta con una mirada crítica al pueblo serbio. Habla sobre el régimen yugoslavo del mariscal Tito, quien se mantuvo en el poder desde la Segunda Guerra Mundial hasta su muerte. Una locura para disfrutar del mejor Kusturika.

10. Kagemusha: la sombra del guerrero (1980, Akira Kurosawa, Japón)

En una época en la que el maestro Kurosawa tenía problemas para la financiación de sus películas, George Lucas y Francis Ford Coppola como grandes admiradores del director le produjeron Kagemusha. Después de seis años desde su anterior película Kurosawa ganó la Palma de Oro ex aequo con otra película que hemos puesto también en la lista, All that jazz. Una película con una puesta en escena brutal, fotografía, decorados, vestuario, maquillaje, todo perfecto. Kagemusha es triste y sombría, tan oscura como el alma de Kurosawa en aquellos momentos y representa casi un epílogo de su carrera, muestra de una época en la que los samuráis aún se batían con katanas. Con escenas de guerra que destacan por su gran estética, quizás no esté a la altura de las grandes películas de Kurosawa de los años 50, pero se puede observar en toda la cinta la firma inconfundible del mejor Kurosawa.

9. Viridiana (1961, Luis Buñuel, España - México)

Es la única película española que ha ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes, aunque durante muchos años la película (que es una coproducción con México) se hizo pasar por mexicana, pues las autoridades españolas, cuyos censores habían dado visto bueno al guión, consideraron irreverente la película una vez vista. De hecho el film no se estrenó en España hasta 1977, tras la muerte de Franco. Obra maestra del nuestro célebre Buñuel que goza de surrealismo, humor negro y tragedia. La novicia Viridiana (Silvia Pinal) debe abandonar el convento para visitar a su tío don Jaime (Fernando Rey), quien le ha pagado los estudios. Durante su visita, don Jaime, impresionado por el parecido entre Viridiana y su difunta esposa, la adormece e intenta poseerla. Como siempre hacía Buñuel el argumento es sólo un pretexto para mostrar ideas que van más allá.

8. Bailar en la oscuridad (2000, Lars Von Trier, Dinamarca)

Amado y odiado a partes iguales, lo que está claro es que Lars Von Trier no deja a nadie indiferente. La friolera de 9 películas del director han pasado por Cannes, dejando un saldo de dos premios especiales del jurado y esta Palma de Oro. Bailar en la oscuridad como musical se sale de todo lo corriente. Para la ocasión, Von Trier escogió a la cantante Björk que realiza una desgarradora interpretación que le valió el premio a mejor actriz. Björk nos deleita con las canciones de una banda sonora sobresaliente. El drama de la pobre y humilde Selma, que se está quedando ciega, está grabado en un estilo muy cercano al dogma (como ya hizo anteriormente en Rompiendo la olas). Cuando Selma cierra los ojos, la "cámara dogma" desaparece y da paso a una fotografía preciosa y a unas escenografías dignas de los mejores musicales.

7. Empieza el espectáculo (All that Jazz) (1980, Bob Fosse, USA)

Bob Fosse se llevó la Palma de Oro compartida con Kagemusha, la sombra del guerrero de Kurosawa, por este fantástico y nada convencional musical. La vida de Joe Gideon (Roy Scheider), un implacable coreógrafo, perfecto alter ego del mismísimo Fosse, sirve de excusa para mostrarnos el lado menos agradable del mundo de la danza. Gracias a esta película podemos ver lo que ocurre entre bambalinas, los esfuerzos, el éxito y la decadencia, pero la película va más allá y en definitiva nos habla de las obsesiones, el amor, la autodestrucción, la vida, la muerte y todo lo quién hay en medio. Además de la Palma de Oro consiguió 4 Oscars, entre ellos los de mejor montaje y banda sonora. Bye Bye life será siempre por méritos propios una de las mejores escenas musicales de la historia.

6. La cinta blanca (2009, Michael Haneke, Alemania)

Michael Haneke es un director que siempre ha tenido una visión muy particular de las distintas formas de violencia desde sus primeras cintas (Funny games, El vídeo de Benny, La pianista). El año 2009 aterrizó en Cannes con una nueva visión. Con una genial fotografía en blanco y negro, estamos ante una opresiva parábola sobre el origen de toda violencia cuyo guión se centra en los niños de un remoto pueblo del norte de Alemania a meses del advenimiento de la Primera Guerra Mundial. Plantea un turbador y ascético análisis sobre la represiva ambigüedad moral alemana de principios del siglo XX que gestará las dos grandes guerras mundiales y el nazismo. La película fue multipremiada en muchos festivales y es considerada por muchos como la obra maestra de Michael Haneke.

5. Pulp Fiction (1994, Quentin Tarantino, USA)

En 1991 un desconocido Quentin Tarantino puso a toda la crítica a sus pies con el estreno de su ópera prima Reservoir dogs. De repente Tarantino estaba de moda y los guiones en los que había estado trabajando antes de Reservoir Dogs se vendieron como rosquillas. En 1994 llegó Pulp Ficiton, un collage de ficción interpretada por John Travolta y Uma Thurman, y con ella llegó su consagración indiscutible. Pulp Fiction es una película de culto universal (como casi todas las de Tarantino) y como en todo el mundo, en Cannes triunfó y se llevó el premio mayor. Una visión en clave de humor negro del "mundo gangster" cargada de mucha violencia y de unos diálogos que le valieron el Oscar al mejor guión original. Muy Tarantino fue su subida al escenario para recoger la Palma de Oro cuando ante la muestra de insatisfacción por parte de una periodista le dedicó una peineta.


4. Cuatro meses, tres semanas y dos días (2007, Cristian Mungiu, Rumanía)

El rumano Cristian Mungiu sobrecogíó a todo Cannes con este relato. Ambientada en los últimos años del comunismo en Rumanía nos narra los problemas de dos estudiantes que se enfrentan al embarazo no deseado de una de ellas en una época en la que el aborto estaba prohibido por la ley. La cinta es la primera entrega de una serie llamada Relatos de la Edad de Oro, proyecto cuyo objetivo es hablar del periodo comunista a través de historias sobre las personas que lo vivieron. La cinta arrasó en los festivales y entregas de premios, alzándose con el premio a mejor película y mejor director en los Premios de la Academia de cine Europeo. A destacar la soberbia interpretación de Anamaria Marinca en el papel de Otilia, una de las mejores interpretaciones de la década.

3. Apocalypse Now (1979, Francis Ford Coppola, USA)

Francis Ford Coppola quiso mostrar la locura y las cicatrices psicológicas de la guerra en forma de bajada a los infiernos. Apocalypse now no sólo ganó la Palma de Oro en Cannes, ha pasado a la historia como una de las mejores películas bélicas del cine. La película consiguió la Palma en Cannes ex aequo con El tambor de hojalata de Volker Schlöndorff. Basada en la novela de Joseph Conrad y con un reparto de lujo: Martin Sheen, Marlon barndo (terrible coronel Kurtz) y Robert Duvall. Memorable es la escena en que los helicópteros del Noveno batallón de la Primera División de Caballería bombardean un poblado vietnamita, todo ello ambientado con la música de Wagner de la Cabalgata de las valquirias. Mítica también la primera escena con la canción The end de The doors que acompaña al protagonista en su habitación mientras  observamos a los helicópteros sobrevolando la selva y bombardeándola con napalm.

2. El tercer hombre (1949, Carol Reed, Reino Unido)

El tercer hombre es una de las obras maestras que más suspicacias ha despertado en cuanto a su autoría. Corre la leyenda urbana de que Carol Reed simplemente firmó una obra de Welles, teoría refrendada por sus picados, contrapicados y planos imposibles más típicos de Welles que de Reed. Leyendas al margen, fue elegida en 1999 como la mejor aportación británica al séptimo arte. La historia se sitúa en la Viena de 1947, una ciudad dividida en 4 partes ocupadas por los aliados de la segunda guerra mundial. En este magnífico escenario aparece el escritor de novelas policíacas norteamericano Holly Martins (Joseph Cotten), que acude a ver a su amigo Harry Lime (Orson Welles) quien le ha ofrecido trabajo. Al llegar coincidirá con el entierro de Harry que ha muerto atropellado por un coche. La policía sospecha que podía estar implicado en el mercado negro. Atención a la mítica escena de las cloacas, simplemente perfecta.

1. Taxi driver (1976, Martin Scorsese, USA)

El filme está ambientado en Nueva York, poco después de que terminara la guerra de Vietnam, y está protagonizado por Robert De Niro, quien interpreta a Travis Bickle, un excombatiente solitario y mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. Robert De Niro realizó uno de los papeles más importantes de su vida y con él estaban Harvey Keitel y una joven Jodie Foster de 15 años, que gracias a Taxi Driver consiguió su primera nominación al Oscar. Una de las obras maestras del gran Martin Scorsese, director que ha influenciado a Quentin Tarantino o P.T. Anderson entre otros, y una de las mejores películas de los 70. La película consiguió muchos premios y cuatro nominaciones al Oscar. Hemos querido darle el primer puesto a Scorsese por la grandeza de Taxi Driver y por ser para nosotros uno de los mejores directores de la historia.

Para finalizar y ampliar, a modo de epílogo, os dejamos la lista de los principales descartes que estuvimos barajando y que al final se quedaron fuera:

- Breve encuentro (Brief Encounter) de David Lean (1946)

- Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta) de Roberto Rossellini (1946)

- El salario del miedo (Le Salaire de la peur) de Henri-Georges Clouzot (1953)

- Marty de Delbert Mann (1955)

- Orfeo negro (Orfeu Negro) de Marcel Camus (1959)

- M*A*S*H de Robert Altman (1970)

- La conversación (The Conversation) de Francis Ford Coppola (1974)

- Padre padrone de Paolo Taviani y Vittorio Taviani (1977)

- El tambor de hojalata de Volker Schlöndorff (1979)

- La balada de Narayama (Narayama bushiko) de Shohei Imamura (1983)

- Paris, Texas de Wim Wenders (1984)

- Papá está en viaje de negocios (Otac na službenom putu) de Emir Kusturica (1985)

- La misión (The Mission) de Roland Joffé (1986)

- Las mejores intenciones (Den goda viljan) de Bille August (1992)

- Adiós a mi concubina (Ba wang bie ji) de Chen Kaige (1993)

- Secretos y mentiras (Secrets & Lies) de Mike Leigh (1996)

- El sabor de las cerezas (Ta'm e guilass) de Abbas Kiarostami (1997)

- La anguila (Unagi) de Shohei Imamura (1997)

- La eternidad y un día (Mia aioniotita kai mia mera) de Theo Angelopoulos (1998)

- Fahrenheit 9/11 de Michael Moore (2004)